FONOTECA EDUARDO MATA

2011-04-06T18:31:00.001-05:00

2011-04-01T10:11:00.001-06:00

Grupos de Camara

2011-03-31T13:47:00.002-06:00

Ensamble de Alientos

2011-03-31T13:41:00.003-06:00

2011-03-11T17:19:00.000-06:00

LA FONOTECA EDUARDO MATA RESGUARDA Y DIFUNDE LA MEMORIA FONOGRÁFICA DE OAXACA

2011-03-11T17:17:00.002-06:00

Concierto del Sexteto Chikause Ejekatls

2010-12-11T15:53:00.001-06:00

Recital de Guitarra Chicuxhidxi Yagalée

2010-12-08T10:22:00.002-06:00

Recital de Guitarra

2010-11-23T19:22:00.000-06:00

TIMELESS ROUTE

2010-11-11T11:45:00.003-06:00

2010-10-27T14:38:00.000-05:00

2010-10-20T16:46:00.000-05:00

Concierto del Taller de Guitarra

2010-10-20T16:43:00.000-05:00

Taller de Guitarra

2010-10-05T19:41:00.003-05:00

La Fonoteca Eduardo Mata

tiene el agrado de invitarle a participar en el

TALLER DE GUITARRA
que imparte el Maestro

Julio Garcia

Informes e Inscripciones en Av. Juarez 222 Centro.
Telefono: 50- 1 12 70

2010-09-13T16:20:00.003-05:00

La Fonoteca Eduardo Mata
del IAGO

Tiene el gusto de invitarle al concierto del

DUETO DE GUITARRA Y FLAUTA
OME-KIAHUITL

Guitarra: Jesús Alcántara
Flauta: Sarah Ruiz Durán

Viernes 17 de Septiembre de 2010 19:00 hrs

Instituto de Artes Graficas de Oaxaca
Nuevo Edificio
Av. Juárez. 222

CICLO DE VIDEOCONCIERTOS DIDACTICOS

2010-03-22T18:06:00.003-06:00

EL INSTITUTO DE ARTES GRAFICAS DE OAXACA

TIENE EL GUSTO DE INVITARLOS AL

CICLO DE VIDEOCONCIERTOS DIDÀCTICOS

Comentados por el Mrto. Sergio Spindola

Primer videoconcierto (martes 30 de marzo, 19:00 hrs)

1.- Sinfonìa Concertante para violìn y Viola, en SI BEMOL
Mayor, K 364 (Wolfgang Amadeus Mozart)
Selecciones de un RÈQUIEM ALEMÀN (Johannes Brahms)

Segundo videoconcierto (sàbado 3 de abril, 19:00 hrs)

1.- Suite para violonchelo solo Nº 4 en SI BEMOL MAYOR, BWV
1010 (Johann Sebastian Bach)
2.- Selecciones del REQUIEM DE MOZART

Av. Juàrez 222, centro Oaxaca.

FONOTECA EDUARDO MATA

6 CUERDAS 7 Regiones del autor: Carlos Alberto Contreras

2009-12-28T13:17:00.005-06:00

La Fonoteca Eduardo Mata en colaboración con la Biblioteca del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca tiene el honor de invitarlo a la presentación del disco:

6 CUERDAS 7 Regiones

del autor: Carlos Alberto Contreras

Miércoles 30 de diciembre de 2009 / 20:00 horas / Entrada Libre
Patio Biblioteca del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca
M. Alcalá 507. Colonia Centro.

CICLO DE VIDEO CONCIERTOS DIDÁCTICOS

2009-12-11T11:13:00.005-06:00

CICLO DE VIDEO CONCIERTOS DIDÁCTICOS DICIEMBRE DEL 2009

FONOTECA EDUARDO MATA

DEL IAGO PRIMER VIDEO CONCIERTO

( SÁBADO 12 DE DICIEMBRE, A LAS 20.00 HRS, CENTRO FOTOGRÁFICO MANUEL ALVÁREZ BRAVO ( M. Bravo núm 116 centro ) ).1. Obertura de la Ópera de Guillermo Tell. ( Guioacchino Rossini )2. Concierto para violín y orquesta N° 5 en la mayor, K 219. ( Wolfgang Amadeus Mozart ).3. Concierto para piano y orquesta N° 4 en sol mayor, Op. 58 ( Ludwig van Beethoven )

SEGUNDO VIDEO CONCIERTO ( SÁBADO 19 DE DICIEMBRE, A LAS 20: 00 HRS, IAGO ( Macedonio Álcala núm. 507 centro ).1. Obertura de la Ópera Tannhäuser ( Richard Wagner )2. Concierto para piano y orquesta N°1 en do mayor, Op. 15 ( Ludwig van Beethoven )3. Concierto para piano y orquesta N° 2 en do menor ( Sergei Rachmaninov ).

Interpretará Cuarteto Latinoamericano a Heitor Villa-Lobos

2009-08-24T11:19:00.003-05:00

Acerca del grado de complejidad que presenta la ejecución de los 17 cuartetos del compositor brasileño, Aarón Bitrán asegura que desde el punto de vista instrumental, plantean una altísima demanda de virtuosismo.

Uno de los rasgos distintivos del Cuarteto Latinoamericano ha sido asumir cada concierto como un riesgo. En esta ocasión, ha preparado una serie de cinco conciertos en los que interpretará el ciclo completo con los 17 cuartetos para cuerdas del compositor brasileño Heitor Villa-Lobos, en ocasión del 50 aniversario de su fallecimiento.

Así lo dio a conocer el maestro Aarón Bitrán, uno de los dos violinistas de la agrupación, quien informó que las audiciones tendrán lugar del 28 al 30 de agosto, en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, con un costo de entrada de 20 pesos. Se trata de una apuesta poco común, ya que de acuerdo con el entrevistado, buena parte de estas obras son desconocidas para un 99 por ciento del público.

En opinión del maestro e intérprete, Villa-Lobos es quizá el compositor latinoamericano más importante, con un catálogo que contiene más de mil 500 obras de gran relevancia en el contexto musical del siglo XX y a quien no se le ha hecho justicia plena, en términos de que buena parte de ellas no han sido grabadas y que un gran porcentaje se podría decir que son inéditas.

Aarón Bitrán comentó que los cuartetos de este autor se tocan muy poco. “Aparte de nosotros, si uno busca en las programaciones de los grandes cuartetos europeos o de Estados Unidos, es rarísimo encontrar presencia de Villa-Lobos, lo cual me parece sorprendentemente injusto si consideramos que es uno de los grandes ciclos que se han escrito, al nivel de Bartok o Shostakovitch”.

Agregó que dentro del catálogo general de Villa-Lobos, los 17 cuartetos ocupan una parte importantísima, porque son obras que escribió a lo largo de toda su vida: el primero lo hizo en 1915 y el último en 1957, de tal manera que resumen 42 años de producción y eso permite un seguimiento de las distintas facetas de su lenguaje musical y refleja claramente lo que ocurrió en su vida creativa.

Este ciclo, explicó, se divide en tres grupos de cuartetos: del 1 al 6 fueron escritos entre 1915 y 1935, con un espíritu muy cercano a la música autóctona brasileña, claramente nacionalistas y muy lúdicos; el 7, 8 y 9, fueron creados durante la Segunda Guerra Mundial, y son muy densos y dramáticos; del 10 al 17, compuestos ya en la posguerra, vuelven a ser ligeros, de corte neoclásico y expresaban el resurgimiento de Brasil como una potencia.

Al aludir a la intención de hacer este ciclo, Bitrán señaló que lo interesante “es esta ambición totalizadora de tocarlos todos, pues como en otros casos hay obras maestras y otras un poquito menos interesantes, pero lo que pretendemos es ofrecer una especie de retrato de Villa-Lobos como un compositor que buscó a lo largo de toda su vida, a veces con hallazgos extraordinarios y en otras no tanto Pero el público podrá sacar conclusiones de cómo fue su proceso creativo y de evolución a lo largo de 45 años. Una oportunidad que se tiene muy rara vez en vivo”.

Acerca del grado de complejidad que presenta la ejecución de estos cuartetos, Aarón Bitrán hizo notar que desde el punto de vista instrumental plantean una altísima demanda de virtuosismo. “El conocía perfectamente bien los instrumentos de cuerdas, por eso no hizo concesiones. A veces tienen tal densidad que para el público es difícil percibir qué es lo importante y que está sucediendo. Ahí es labor del hacer un trabajo de balance, limpiar las texturas para que más fácil identificar lo relevante”.

Pero agregó dos factores adicionales. El primero, una complejidad interpretativa que demanda más de los dos ensayos de rutina que se acostumbran en las orquestas, lo que a su vez repercute en costos y hace casi imposible contar con el tiempo indispensable para hacerlo. “La esperanza está en grupos independientes como nosotros o en solistas que quieran invertir tiempo en proyectos de esta índole”.

Por si fuera poco, en la mayoría de los casos los músicos no quieren arriesgar al programar algo que no se ha oído y muchas veces, en busca del aplauso programan algo que está más que probado. “A mí me parece música muy buena, aunque quizá el 99 por ciento del público no la ha escuchado, pero un director no sabe que reacción va a producir. En ese sentido, pienso que se requiere más valentía por parte de quienes programan y más convicción en que se trata de un gran repertorio”.
“Desde mi punto de vista, ya llegó el momento de perder el miedo; no debemos tener empacho en programar en cualquier sala importante del mundo un concierto íntegramente latinoamericano. El chiste está en tocarlo bien, con la convicción de su valor, porque hablamos de música que se sostiene por sí sola y el público lo percibe”, concluyó.

Noticia obtenida del periodico "el imparcial"

Hallan dos trabajos inéditos de Mozart

2009-07-24T12:39:00.007-05:00

La Fundación Internacional Mozarteum señaló que las partituras son piezas para piano, la presentación oficial se realizará el 2 de agosto.

Viena.- La Fundación Internacional Mozarteum dijo que ha descubierto dos nuevos trabajos compuestos por Wolfgang Amadeus Mozart.
La fundación con base en Salzburg señaló que los trabajos, de los que no se tenía conocimiento previo, son piezas para piano.
Mozart, quien nació en Salzburg, vivió de 1756 al 1791. Tocó el piano desde muy temprana edad, comenzó a componer a los cinco años, y a lo largo de su vida escribió más de 600 trabajos, desde óperas y música de cámara hasta piezas para coro y conciertos de piano.
La fundación dijo el jueves que ofrecerán más detalles en una presentación oficial que se realizará el 2 de agosto.

Noticia obtenida del periodico "el imparcial"

“Los pájaros del alba”,raíz del Son Jarocho

2009-07-13T12:09:00.004-05:00

* El arte de esta agrupación musical es resultado de un largo recorrido por las comunidades del sur de Veracruz, ya que han viajado para conocer a los músicos tradicionales y entender el son jarocho.

El Son Jarocho es música echa a mano, “no es música de alta tecnología, nosotros somos músicos líricos que no leemos partituras y tampoco tenemos acceso a poder tener una educación en escuelas en forma, de academia, nosotros aprendemos con la mochila al hombro acudiendo a las comunidades”, dijo en entrevista Sael Bernal Zamudio, integrante del grupo “Los pájaros del alba”.
Acto seguido, Bernal Zamudio indicó que es por eso que la gente se identifica con la música tradicional, “ahora hay talleres para aprender a tocar esta música, pero la parte importante es ir a las comunidades, en los talleres aprendes una forma de tocar y el son jarocho es una música muy diversa. Si recorres las comunidades y ves a los músicos viejos te vas a dar cuenta que hay cantidad de estilos, en cuanto al baile, verso y la forma de tocar los instrumentos cambian de una región a otra”.
Zamudio platicó que la música jarocha se aprendió durante mucho tiempo de generación a generación, pero llegó el momento en que esta cadena se rompió y ahora están tratando de rescatar la música por medio de talleres y a través de un movimiento de esta música en el sur de Veracruz.
Al comentar que es un trabajo que no tiene mucho apoyo, el entrevistado dijo que lo que han impulsado ha sido por medio del tequio, “si uno hace una fiesta van a tocar todos los músicos de los pueblos cercanos sin cobrar nada y cuando ellos hacen una fiesta nosotros vamos”.
Al hablar de la música que interpretan “Los pájaros del alba”, el músico explicó que los sones jarochos tienen una gran riqueza, por ello, “si sólo se aprendiera en un taller quizá sería monótono y pobre”, pero si salen a las comunidades a conocer todos los estilos y riquezas, el género resulta interesante, ya que ellos la utilizan como un medio de expresión.
“Los sones hablan de la fauna, de las deidades, pero también la música se alimentó de las personas que viajaban de pueblo en pueblo, cantando lo que sucedía, cantando lo que pasaba en otros lugares, es una música que nos permite decir lo que pensamos o manifestar si estamos tristes o estamos contentos o inconformes, es el poder de la palabra” reiteró el entrevistado.
“Los pájaros del alba” es un grupo que surgió en el año 2000 en Cosoleacaque, Veracruz, a raíz de algunos talleres que impartieron en esa zona. “Las personas que nos enseñaron, nos heredaron esta música y nos encaminaron para que pudiéramos aprenderla”, enfatizó Sael Bernal.
Y señaló que para ellos el son jarocho ha sido un largo recorrido por las comunidades del sur de Veracruz, ya que han viajado para conocer a los músicos tradicionales y de esa forma puedan entender el son jarocho desde su historia y raíz hasta, “el modo de vivir de la gente que lo toca”

Noticia obtenida del periodico "el imparcial"

Suenan en el Alcalá Metales con Clase

2009-04-09T13:27:00.003-05:00

Dentro del Festival de Primavera Rodolfo Morales, se presentó el Quinteto de Metales con Clase, a través de un programa que tocó los periodos de la música clásica, popular y semiclásica.

a versatilidad de los metales se escucharon a inicio de semana en el teatro Macedonio Alcalá, los cuales llegaron con el Quinteto de Metales con Clase, a través de un programa que guió a los asistentes por los periodos de la música clásica, música popular y semiclásica, para cerrar con la tradicional.

El concierto abrió con un tema barroco de Georg Friedrich Andel: Los Reales Fuegos Artificiales, a decir de uno de los integrantes del quinteto, “está composición Händel la hizo para unos juegos pirotécnicos, el arreglo era para 40 trompetas y 70 cornos, era para una orquesta muy grande, ya que combinaban la melodía con los juegos pirotécnicos”.

Después, las notas de una pieza de Johann Sebastian Bach inundaron el teatro, "La Fuga", la cual describieron como una melodía que se repite pero en diferentes tonalidades.

Con un teatro donde reinaba el público adolescente, el "Quinteto de Metales con Clase" continuó con canciones del periodo clásico, fue cuando ejecutaron dos canciones de Mozart, primero la overtura Las Bodas de Figaro y después Rondo a la Turca. De ahí tocaron William Tell del compositor Rossin, la cual dio paso a un pequeño intermedio.

Una vez abierto el telón el quinteto interpretó La reina de la Noche, de Mozart, para depuse pasar a una pieza de música popular como fue el Vals Peruano, de Enrique Crespo; luego las sonrisas se dibujaron en el rostro de los jóvenes asistentes al escuchar las notas de ‘La Pantera Rosa’, (The Pink Panther) de Henry Mancin.

Luego el quinteto evocó a William Christopher Handy con San Luis Blues, de ahí llegó el tango La Cumparsita, de Gerardo Matos Rodríguez, que puso a los asistentes a mover los pies sin levantarse de sus lugares.

La lluvia de aplausos dio paso a la Marcha Triunfal, tema de la ópera de Aída, de Giuseppe Verdi; de ahí siguió "Lassus Trombone" de Henry Fillmore para dar fin al concierto con "That´s a Plenty" de Lew Pollack.

Los eventos del Festival Rodolfo Morales continúan hoy con "La Pasión Según San Mateo" de Johann Sebastian Bach con la Orquesta Sinfónica de Oaxaca y el viernes con el concierto del "Coro de Clarinetes".

"Noticia obtenida del periodico "el imparcial"

“Nuestro origen será siempre nuestro destino”: Luengas

2009-03-09T11:25:00.011-06:00

Al culminar el encuentro académico y artístico Instrumenta Tradición, su titular, Ignacio Toscano, dijo que Instrumenta seguirá caminando y trabajando en Oaxaca y por Oaxaca.

a Orquesta Típica de la Ciudad de Oaxaca, dobló ayer por la tarde los atriles y las partituras que durante tres intensos conciertos guiaron a los músicos, para que se remontaran al México del siglo XIX y principios del XX, época en que fueron comunes ‘Las Típicas’. “Porque nuestro origen será siempre nuestro destino”, dijo el etnomusicólogo Rubén Luengas al público que atestiguo el surgimiento de un proyecto musical que llegó de la mano de Instrumenta Tradición.

Su debut quedará marcado en la historia, formará parte de una de las páginas emblemáticas del teatro Macedonio Alcalá, donde cautivó a los presentes que vivieron la música de ‘La Típica’, a cargo del maestro César Delgado; tampoco se olvidará en esta tercera edición de Instrumenta Tradición el sonido tan peculiar que aportó el salterio en manos del Teniente Coronel Ricardo Flores, así como la mandolina a cargo de Verónica Acevedo, al himno de los oaxaqueños, ‘Dios nunca muere’, en el antiguo barrio de Santo Tomás Xochimilco.

Otros tantos oaxaqueños no faltaron a la cita de los domingos en la Alameda de León, arraigados melómanos que han visto pasar por este lugar a la Bandas de renombre, que no se han perdido el ritmo del danzón. En este lugar fueron testigos del cierre de Instrumenta Tradición, con el concierto de La Orquesta Típica de la Ciudad de Oaxaca.

En tres presentaciones, ‘La Típica’ de la ciudad de Oaxaca, logró arraigarse en el corazón de aquellos que la escucharon, llegaron y tocaron, con sonidos invadieron las almas de los presentes y se quedarán durante mucho tiempo, ya que el Director General de Instrumenta Oaxaca, Ignacio Toscano, auguró larga vida a la Orquesta Típica de la Ciudad de Oaxaca.

Durante 7 días, sonidos tradicionales inundaron los foros de la ciudad, desde el inició del programa se anunció que el Foro Tradición se dedicaría a la figura de la Orquesta Típica, se remontaron a los orígenes, historia y prospectiva, especialistas y público. Juntos descubrieron, analizaron y opinaron en torno a esta agrupación y ampliaron su panorama musical, Instrumenta Tradición cerró su tercera edición, pero sembró una semilla en los futuros formadores que impulsarán la música en las regiones de Oaxaca.

Toscano dijo que Instrumenta seguirá caminando y trabajando en Oaxaca y por Oaxaca; mencionó que ello no significa que Instrumenta sea solamente para los oaxaqueños, “en primer lugar lo es, pero también lo es para que México redescubra la música y participe en estas actividades, y vea que sí se pueden hacer muchas cosas aún con todas las realidades que estamos viviendo”.

El camino de ‘La Típica’
En cuanto a esta agrupación, en lo que resta del año tendrá nueve conciertos más, con otros programas y obras investigadas, de las cuales ya se tienen las partituras y se trabaja para llevar a ‘La Típica’ a otras partes del país.

Noticia obtenida del periodico "el imparcial"

Concierto de Órgano Antiguo

2009-01-03T12:22:00.007-06:00

Esta tarde, un selecto programa será interpretado por el organista oaxaqueño Héctor Cruz Espinosa, quien estará acompañado por la virtuosa Elizabeth Castañeda Hernández.

Para dar continuidad a los conciertos que desde el año 2001 realiza en Oaxaca la Academia Mexicana de Música Antigua para Órgano (AMMAO), a través del Festival Internacional del Órgano Histórico de Oaxaca, hoy sábado, como es costumbre y totalmente gratis, a las cinco de la tarde sonará el antiguo órgano de la Basílica Menor de la Virgen de la Soledad, bajo un magistral programa a cargo de los organistas Elizabeth Castañeda Hernández y Héctor Cruz Espinosa.

El programa que esta tarde hará vibrar a quienes se den cita en la Basílica de La Soledad, incluye un exquisito repertorio conformado por la inspiración de Antonio de Cabezón (1510-1566), Juan Bautista Cabanilles (1644-1712), Heinrich Schaideman (1595-1663), Jan Peterszoon Sweelinck (1562-1621), J.S.Bach (1685-1750) y Louis N. Clérambault (1676-1749), entre otros grandes autores.

La grandeza de las piezas no podría ser tan elocuente sin el talento de una organista como Elizabeth Castañeda Hernández, quien es originaria de la Ciudad de México, lugar donde inició sus estudios en la carrera de órgano en el Conservatorio Nacional de México, bajo la tutela del Mtro. Víctor Urbán.

Actualmente, Castañeda Hernández es la organista titular de la iglesia "Príncipe de paz" de la ciudad de México, además de que ha ejecutado con éxito el órgano de la Catedral de la Cd. de México.

Por su parte, el organista oaxaqueño Héctor Cruz Espinoza, quien forma parte de la Academia Mexicana de Música Antigua para Órgano, que dirigen los maestros Gustavo Delgado Parra y Ofelia Gómez Castellanos, es egresado de la Escuela Nacional de Música de la UNAM, con el título de licenciado en piano, bajo la guía del maestro Jesús María Figueroa.

Este reconocido oaxaqueño es pianista de la Camerata de Naucalpan, del Coro de madrigalistas de Bellas Artes del INBA, bajo la dirección de la Mtra. Digna Guerra y director de la orquesta de cámara y ensamble vocal "Colegium musicum de la Cd. de México”.

Entre su experiencia musical, Héctor Cruz ha tomado cursos de piano con Jorge Luis Prats, Frank Fernández, Manuel de la Flor e István Nádas. Se ha presentado en las salas más importantes de la Ciudad de México con diferentes ensambles de música de cámara y con reconocidos cantantes.

Dentro de la trayectoria de este músico, es destacable decir que en octubre del 2000 fue invitado por el Coro Infantil del Colegio Alemán a la Expo-Hanover; además de realizar una gira presentándose en Hamburgo y Berlín. Fue en el año 2001, cuando participara en la producción discográfica (Ecos), grabando dos obras para la sociedad de compositores de México como pianista invitado del trío Scherzando.

Su experiencia ha quedado evidenciada en diferentes festivales de Clarinete y colaborado como pianista acompañante en la Escuela Nacional de Música de la UNAM, el Conservatorio Nacional de Música y en el Centro Cultural "Ollin Yoliztly", así como con diferentes agrupaciones corales, como el coro de la Escuela Nacional de Música de la UNAM, entre otros.

noticia obtenida del periodico "el imparcial"

Magno recital de violín y piano en Santo Domingo

2008-12-22T12:05:00.004-06:00

En las instalaciones del Centro Cultural Santo Domingo, el violinista Osvaldo Urbieta Méndez y el pianista Gonzalo Gutiérrez ofrecieron un cálido concierto.

El violinista Osvaldo Urbieta Méndez y el pianista Gonzalo Gutiérrez, cobijaron con las notas de grandes piezas de música clásica, a todo al público que la noche del pasado viernes se dio cita en las instalaciones del Centro Cultural Santo Domingo, lugar en el que la dupla de músicos ofrecieron un cálido concierto.

Teniendo como testigos los antiguos muros de este convento, los dos artistas deleitaron la noche al compás de la “Sonata Nº 1 en Sol menos BWV 1001 para violón de Johann Sebastián Bach (1685 1750), esta pieza fue interpretada por Urbieta Méndez, quien inició sus estudios musicales a la edad de 7 años y que en el 2000 fue acreedor del premio “Hermilo Novelo” en el cuarto Concurso Internacional “Henrik Szeryng” otorgado al mejor interprete.

Posteriormente, al escenario de este Centro Cultural llegó el pianista Gonzalo Gutiérrez, quien con los sutiles golpes a las teclas de su oscuro plano, acompañó a su colega violinista para interpretar la sonora Nº 9 en La Menor Op. 47 para violín y piano “Kreutzer”, en tres tiempos, de Ludwing van Beethoven (1770 – 1827)

Entre aplausos del público, el dueto se dio tiempo para preparar las piezas que interpretarían después del breve intermedio musical, luego regresarían con la Introducción y Rondo Caprichoso O.p. 28 de Camille Sanit Saens (1835 – 1921). Posteriormente, a través del antiguo edificio viajaron las notas de la pieza “Melodía” de Pyort I. Tchaikovsky (1840 – 1893), ruso de quien se ha escrito que su música es de carácter cosmopolita en lo que respecta a las influencias –entre ellas y en un lugar preponderante la del sinfonismo alemán–, aunque no carente de elementos rusos, es ante todo profundamente expresiva y personal, reveladora la personalidad del autor, compleja y atormentada.

Este concierto presentado por “Chiaa scarú”, a través del Sindicato Universitario de Maestros, en colaboración con la Universidad autónoma “Benito Juárez de” de Oaxaca, llegó a su fin con la interpretación de Polonesa de Concierto en Re Mayor Nº 1 Op. 4 de Henry Wieniawski 81835 – 1880).

noticia obtenida del periodico el imparcial.

Piden a músicos oaxaqueños crear música para marimba

2008-11-24T11:28:00.008-06:00

Los delicados golpes que el solista realizaba para liberar los sonidos de la marimba, hicieron de esta noche una lluvia musical en la que se interpretó “Volando hacia el sur”, entre otros temas

Tras exhortar a los compositores oaxaqueños a componer piezas para marimba, tomando como referencia la composición de Víctor Rasgado, que se estrenó a nivel mundial este fin de semana, Javier Nandayapa se presentó en el escenario del teatro Macedonio Alcalá para ofrecer un concierto de música contemporánea mexicana, creada para este antiguo instrumento.

Ante el austero público reunido en la sala de este monumental teatro, la noche del pasado viernes, el músico solista ofreció un concierto caracterizado por incluir en el repertorio piezas contemporáneas, arreglos y un estreno mundial.

Realizado en el marco del Festival de Otoño “Eduardo Mata”, Nandayapa apareció cubierto por las sutiles luces que los reflectores proyectaban, así comenzó este encuentro musical con la interpretación de la pieza “Nandayapa” (Arroyo verde), que el compositor mexicano Jorge Córdoba creó especialmente para él.

Los delicados golpes que el solista realizaba para liberar los sonidos de la marimba, hicieron de esta noche una lluvia musical en la que se interpretó “Volando hacia el sur” del compositor Jesús Martínez y “Las Sandungas”, una muestra de tema y variaciones para marimba de concierto y vibráfono que el compositor Ricardo Martín realizó para Nandayapa.

Tras culminar esta pieza, en el escenario apareció la percusionista Mirna Yan, quien interpretó, de manera solitaria,“Tamborilero” de Luis Trejo e “Invocación”, una pieza para percusiones que reflejan los cuatro elementos de la vida: el fuego del dios Huehuetéotl, el agua de Tlaloc, la tierra de Xochipilli y el viento de Ehécatl.

Formando un dueto de percusiones, Nandayapa y Yan hicieron sonar “Chaparimba”, “Como Luz de Noviembre” y el estreno mundial de “Marimbulaciones”, pieza para marimba de conciertos que el compositor oaxaqueño, Víctor Rasgado, creó.

Al culminar esta pieza, el solista quien también se ha presentado en diferentes foros de Estados Unidos, España, Argentina, Libao, Guatemala, entre otros; se dirigió al público para hacerles saber que al igual que Rasgado, los nuevos compositores deberían de empezar a crear música contemporánea para marimba; sin embargo, reconoció que ésto llega a ser imposible porque el público está acostumbrado, a través de la marimba, a sólo escuchar música tradicional.

Finalmente, parea concluir su presentación en este festival, interpretó un arreglo que el mismo hizo del “Fandango teco”, al igual que un popurrí sonoro en el cual interpretó algunas de las piezas más representativas de las regiones de Oaxaca.

“La marimba siempre ha sido un ensamble muy tradicional, las piezas que en ellas se interpretan están arraigadas a las tradiciones, por tal motivo, son pocas las piezas que existen para los solistas de este instrumento; aunque en otros países, la marimba de conciertos es muy popular, en México apenas se comienza insertar este instrumento en las presentaciones clásicas contemporáneas" comento el musico.

Noticia obtenida del periodico "el Imparcial".

Dudamel rinde tributo a Bernstein en el Carnegie Hall

2008-11-18T16:52:00.002-06:00

“Uno de los mejores, si no el mejor. Y es una inspiración para mí. Era un hombre mágico... me encanta interpretar su música”.

Gustavo Dudamel rindió tributo a Leonard Benstein el domingo en el Carnegie Hall de Nueva York, al dirigir a la Orquesta Filarmónica de Israel en un espectáculo que terminó con una ovación de pie.

Dudamel dijo que lamenta no haber conocido a Bernstein. ``Eso me entristece porque era una personalidad muy especial'', dijo el maestro venezolano en entrevista con The Associated Press. ``Uno de los mejores, si no el mejor. Y es una inspiración para mí. Era un hombre mágico... me encanta interpretar su música.

El concierto comenzó con una cautivante ejecución de ``Halil'', un concierto para flauta que Bernstein compuso en 1981 en memoria de un flautista israelí muerto en la guerra de 1973. Con su mezcla de disonancia y tonalismo, de pasajes violentos alternando con otros más serenos, la música describe los horrores de la guerra y el anhelo de paz. Eyal Ein-Habar ejecutó la difícil y casi ininterrumpida parte solista con destreza técnica y gran sensibilidad.

A ésta siguió ``Jubilee Games'', compuesta por Bernstein hace 22 años para la Filarmónica de Israel, que dirigió en muchas ocasiones.

Fue una partitura ideal para Dudamel, que revolvió la olla de cacofonía caótica haciendo piruetas y agitando su cabellera ensortijada sobre el podio. Bailó durante los tramos jazzísticos y demostró la introspección de un rabino durante las partes más serenas.

El concierto terminó con la Cuarta Sinfonía de Chaicovski. Dudamel condujo esta pieza estándar del repertorio con nervio y garra, blandiendo la batuta como si fuera la espada de un matador. En algunos tramos la ocultó, para dirigir con la cabeza y los hombros. Sus pasos de baile sometieron al toro.

Tras la conclusión, la audiencia, encantada, se paró al unísono, rugiendo de place. En sus tres salidas, Dudamel invitó a los músicos israelíes a que recibieran sus merecidos aplausos, pero éstos los dirigieron al maestro.

Hubo dos bises: el intermezzo de ``Manon Lescaut'' de Puccini y la popular pieza latina ``Tico Tico''.

Para la música clásica, el Carnegie Hall fue el mejor de los mundos posibles este fin de semana.

Noticia obtenida del Diario Milenio.com

Urcan aires barrocos en Templos de Oaxaca

2008-10-07T10:08:00.006-05:00

El templo de San Juan de Dios y la iglesia de San Bartolo Coyotepec recibieron la inspiración de Johann Sebastián Bach, a través de la interpretación del violoncelista, Ignacio Mariscal.

La solemnidad del templo de San Juan de Dios fue parte de la presentación del violoncelista mexicano Ignacio Mariscal, quien la noche del pasado viernes llegó a nuestra ciudad para ofrecer un recital conformado por suites de Johann Sebastián Bach, y así dar inicio al ciclo de conciertos en los templos de nuestra ciudad.

Con la presentación del músico mexicano, de la cual fue testigo el público que se dio cita al inicio al ciclo de conciertos, denominado: “Rumbo al Conservatorio de Música Macedonio Alcalá”, que con el auspicio del Gobierno del Estado, busca llevar audiciones de música sacra y barroca a diversos recintos religiosos, tanto de la capital como de municipios conurbanos.

Durante el recital, cuyo inicio fue en punto de las ocho de la noche, el artista nacido en Monterrey Nuevo León, interpretó la Suite Nº 1 en Sol Mayor. BWV 1006; de igual manera, el público armonizó su noche con la Suite Nº 2 en Re Menor. BWV 1007 y, posteriormente, con la Suite Nº 1 en Sol Mayor. BWV 1008.

Lamentablemente, a pesar de la acústica que ofrece la antigua construcción del templo de San Juan de Dios, el ruido que provocan los puestos ambulantes que rodean arbitrariamente los alrededores, y el tráfico vehicular que provocan, se percibían en los adentros de este centro de culto, lo cual no permitía el buen deleite de las piezas que talentosamente interpretaba Mariscal.

Cabe mencionar, que este mismo concierto se presentó al día siguiente en el templo de San Bartolo Coyotepec, pueblo tradicional por la elaboración de cerámica en barro negro.

Es importante mencionar que Ignacio Mariscal es un ejemplo de un buen ejecutante, que reúne la instrucción de las escuelas europeas y un sentimiento innato especial. Ya sea sólo o en conjunto, la fuerza de su sonido, musicalidad y su digitación lo hacen vehículo ideal para las múltiples obras que aborda desde Bach hasta los contemporáneos.

Cabe recordar que al inicio de cada concierto, el maestro Javier García Vigil, director de la Orquesta Sinfónica de Oaxaca, antes de presentar al artista mexicano, se dirigió al público oaxaqueño para hacerles saber que estos conciertos han sido programados para dar a conocer el proyecto de creación del Conservatorio Macedonio Alcalá el cual, a su opinión, permitirá integrar el talento musical oaxaqueño.

Noticia obtenia del periodico el imparcial.

Hoy llega Haydn y Beethoven a Fonoteca Continúa la proyección de videoconciertos

2008-09-11T13:58:00.000-05:00

La Biblioteca del IAGO, la Fonoteca Eduardo Mata y el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo

invitan al

"CICLO DE VIDEOCONCIERTOS DIDÁCTICOS"

(septiembre 2008)

6 de septiembre
Primer videoconcierto

- Concierto de año nuevo con la Filarmónica de Viena, dirigido por Claudio

Abbado.

13 de septiembre
Segundo videoconcierto

- Concierto para violonchelo y orquesta en do mayor No. 1 de Joseph Haydn.

- Concierto para piano y orquesta No.3 en do mayor (Ludwig van Beethoven).

20 de septiembre
Tercer videoconcierto

- Novena Sinfonía (Ludwig van Beethoven).

27 de septiembre
Cuarto videoconcierto

- Selecciones de la ópera Madama Butterfly (Giacomo Puccini).

Sábados: 6, 13, 20 y 27 de septiembre

M. Bravo esquina García Vigil

Celebrará Filarmónica de la ciudad de México su 30 aniversario Ofrecerá la orquesta filarmónica una presentación acompañada por mariachi Los Camperos

2008-09-11T11:47:00.005-05:00

Ciudad de México (OFCM) celebrará su 30 aniversario y las fiestas patrias, el próximo sábado, en la Sala Silvestre Revueltas, del Centro Cultural Ollin Yoliztli.
Asimismo, en el marco de la Temporada de Verano "Sinfónicas en Naucalpan, la OFCM participará el domingo entrante, en el Parque Naucalli.
La OFCM realizará una presentación, en la que se interpretará el Concierto para violín y orquesta No. 1 (en re mayor), de Nicolo Paganini.
Los invitados para este par de conciertos son Alfredo Reyes Logounova, en el violín, Mariachi Los Camperos y el maestro Jesús Medina, como director huésped.
El mariachi interpretará el Popurrí Huasteco, Popurrí España, Popurrí Michoacán y Popurrí de Agustín Lara, con arreglos de Manuel Cerda y Jesús Guzmán.
El Popurrí Huasteco se estrenó en 1997 durante el Cuarto Encuentro Internacional del Mariachi y la Charrería en Guadalajara, con el Mariachi Los Camperos y la Filarmónica de Jalisco, bajo la dirección del maestro Guadalupe Flores.
Se caracteriza por las melodías dinámicas del violín y el falsete lírico en la voz, característica típica de la tradición huasteca en la región oriente de México.
En este arreglo se presentan tres de las melodías huastecas más populares: Serenata Huasteca, La Malagueña y El Gustito.
Popurrí España se estrenó en 2002 durante el Noveno Encuentro Internacional del Mariachi y la Charrería en Guadalajara, con el Mariachi Los Camperos y la Filarmónica de Jalisco, bajo la dirección del maestro Francisco Orozco.
Tiene como peculiaridad el sonido audaz de la trompeta, elemento típico del sur de España, y muestra cuatro de las composiciones españolas más reconocidas en México: Concierto de Aranjuez, La Malagueña, Cielo Andaluz y Las Bodas de Luis Alonso.
Reyes Logounova nació en la Ciudad de México en 1991. Inició sus estudios musicales a la edad de tres años: violín, con su padre, y piano, con su madre.
Su debut como solista de la OFCM, dirigida por el maestro Eduardo Alvarez en noviembre de 1997, lo convirtió en el más joven en la historia de las orquestas mexicanas.
En julio del 2004 debutó como solista en Europa, con la Orquesta Sinfónica del Festival Internacional Tigullio Liguria di Levante, dirigida por el maestro Jan Stulen, en la ciudad de Chiavari Italia.
Sus actuaciones abarcan no sólo varias ciudades de la República Mexicana, sino que se extienden a varios escenarios del extranjero.
El maestro Jesús Medina realizó sus estudios de Dirección de Orquesta en The Pierre Monteux School, en los Estados Unidos, bajo la guía del maestro Charles Bruck, y previamente con el maestro Enrique Diemecke, en la Ciudad de México.
Es Director Artístico de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes desde junio del 2002, además ha sido titular de la Filarmónica de la UNAM, de la Filarmónica de Querétaro y la Sinfónica de la UANL.
Se ha presentado en países como Estados Unidos, Singapur, Francia, España, Italia, Turquía, Serbia, República Checa, Venezuela, Brasil, Colombia y México, además de Centroamérica.
A la batuta de la Camerata de las Américas, Medina grabó en el año 2000, el CD llamado "Gauguin", del compositor mexicano Eugenio Toussaint, que fue nominado para el Grammy Latino 2001, en la categoría de Mejor Album Clásico.
Ha participado en los principales Festivales de México. En 1991, la Unión Mexicana de Cronistas de Teatro y Música le otorgó un reconocimiento por ser el mejor Director del Año.
El mariachi Los Camperos ha existido durante 46 años, se ha presentado a lo largo de Estados Unidos y Canadá; fue una de las cuatro agrupaciones de mariachi que colaboró con Linda Ronstadt, para la producción de sus discos "Canciones de mi Padre y Más Canciones".

En mayo de 2008, dicho mariachi se presentó en la Sala Silvestre Revueltas, de la Ciudad de México, con la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, agrupación con la cual también participó en el Walt Disney Concert Hall, en Los Angeles, California, en junio del mismo año.

Noticia obtenida del Diario el Universal

Nominan a Filarmónica de Bogotá a Grammy Latino

2008-09-11T11:26:00.003-05:00

La OFB fue postulada por el trabajo reunido en 2007 en cuatro discos compactos con 40 temas típicos colombianos grabados por la institución musical con arreglos sinfónicos

La Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB) fue nominada al premio Grammy Latino en la categoría de mejor álbum instrumental por su disco 40 años, lanzado el año pasado, informó hoy la Alcaldía de la capital colombiana.

La OFB fue postulada por el trabajo reunido en 2007 en cuatro discos compactos con 40 temas típicos colombianos grabados por la institución musical con arreglos sinfónicos, informó la Secretaría de Cultura de Bogotá.

La producción incluye los temas más conocidos del folclor colombiano en ritmos de las distintas regiones del país y la voz de la soprano Carmiña Gallo, obras del compositor José Barros y del director y autor Lucho Bermúdez, entre otros, así como un catálogo con las biografías de los compositores.

Con este álbum la OFB obtuvo por primera vez un disco de platino por sus ventas.

Noticia obtenida del Diario el Universal

Elizabeth Meza cerrará "Miércoles de música" en Teatro Casa de la Paz

2008-06-10T17:28:00.000-05:00

Realizó giras por varios países de Europa, en las que interpretó diversos géneros musicales como el jazz, pop, música latina, lo mismo que ritmos mexicanos.

México, DF.-Los últimos conciertos de jazz correspondientes al programa "Miércoles de música", celebrado por el Teatro Casa de la Paz, de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM), correrán a cargo de Elizabeth Meza, los días 11 y 18 de junio.

La referida artista mexicana inició su carrera artística al colaborar con diversos grupos y participar en grabaciones de discos, jingles y doblajes, entre otras actividades musicales.

En los años 80 decidió viajar a Inglaterra e incursionar como corista de bandas conocidas en esa época, tal fue el caso de Jazz-Funk, grabó "The Rules of Love" y participó en el disco como solista.

Realizó giras por varios países de Europa, en las que interpretó diversos géneros musicales como el jazz, pop, música latina (salsa y reggae), lo mismo que ritmos mexicanos.

Viajó a París y la provincia de Alsacia, en Francia, en donde cantó en clubes de jazz.

A principios de los 90 regresó a México en busca de una identidad propia.

Impulsada por su amigo y compañero de banda, el pianista Joao Henrique, decidió grabar "Tenderly", después hizo lo mismo con "Nocturnal", "Fascinación" y "Obsesión".

Esta última, su más reciente producción, es una compilación de los boleros más representativos de la época de oro con un tratamiento muy personal.

Información obtenida de Diario el Milenio.com

Muere diva de ópera Leyla Gencer

2008-05-10T19:40:00.005-05:00

Su carrera abarcó 30 años y más de 70 papeles.

Conocida como La Diva Turca, Gencer murió de insuficiencia cardiorrespiratoria en su casa de Milán el viernes, informaron La Scala y la Opera y Ballet Estatal de Turquía.

Ankara.-La soprano turca Leyla Gencer, quien desarrolló su carrera en La Scala de Milán, ha muerto, informaron el sábado dos teatros líricos. Tenía 80 años.

Conocida como La Diva Turca, Gencer murió de insuficiencia cardiorrespiratoria en su casa de Milán el viernes, informaron La Scala y la Opera y Ballet Estatal de Turquía.

Su carrera abarcó 30 años y más de 70 papeles. archivo

La Scala expresó su “enorme pesar'’ y dijo que la cantante tenía “una de las voces más emotivas de cualquier época'’. Sus actuaciones en La Scala proporcionaron “años de esplendor irrepetible'’.

Gencer, contemporánea de las legendarias Maria Callas y Renata Tebaldi, debutó en La Scala en 1957, en el papel de Madame Lidoine en el estreno de “Diálogos de Carmelitas'’ de Francois Poulenc.

Previamente, había actuado con éxito en “Madama Butterfly'’ de Puccini y “Eugene Oneguin'’ de Chaicovski en Nápoles.

Su carrera abarcó 30 años y más de 70 papeles.

“Leyla Gencer, artista mundial, era nuestro honor en la escena internacional y a inscrito su hombre en la historia de la ópera'’, dijo el ministro de Cultura turco Ertugrul Gunay.

Gencer nació en Estambul en 1928, de madre polaca y padre turco. Su maestra fue la cantante italiana Giannina Arangi Lombardi.

Debutó en 1950 en Ankara, en el papel de Santuzza en “Cavalleria rusticana'’.

AP.

Información Obtenida del Diario el Milenio.com

Instrumenta Tradición

2008-04-19T17:43:00.002-05:00

Músicos, investigadores, maestros e instrumentistas reunidos en la segunda edición de Instrumenta Tradición

Carina Pérez García

Promover acciones y enriquecer los procesos de desarrollo de la tradición musical oaxaqueña relacionándola con otras tradiciones de México y de otros países es la visión de la segunda edición de Instrumenta Tradición en la ciudad, según Ignacio Toscano, director general del festival.

En su presentación los organizadores manifestaron que Instrumenta Tradición pretende fungir como un espacio para la expresión y reflexión artística en cuanto a la creación de música tradicional; el festival contempla actividades académicas y artísticas que incluyen las presentaciones de músicos de varias regiones, lo cual hará posible el intercambio artístico a nivel internacional de los participantes.

Esta sección fue diseñada para la reflexión artística de los músicos oaxaqueños y los visitantes ya que como lo sostuvo el director artístico de Instrumenta, José Luis Caballero: “la música es policroma y contiene una gran diversidad”.

Desde músicos de bandas de la Sierra Norte hasta Goran Bregovic, músico originario de Bosnia Herzegovina se encontrarán en Instrumenta y podrán encontrar paralelismos a través la expresión artística que han elegido.

En cuanto a lo académico, en esta edición se le dará continuidad a segundo curso de fortalecimiento musical en el que participarán integrantes de 11 bandas y alumnos de la escuela de Bellas Artes, el resultado se podrá escuchar en dos conciertos, uno en el Andador Turístico y el otro en el Teatro Macedonio Alcalá.

Francisco Martínez Neri, rector de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca (UABJO) manifestó que está listo para recibir al festival y conjugar esfuerzos para seguir alentando a la organización de este tipo de festivales.

La Fundación Alfredo Harp Helú participa en Instrumenta a través de proyectos productivos que beneficiarán a músicos oaxaqueños; apoyará tres proyectos para las bandas de la Sierra Norte: Taller de Edición de Partituras, Taller de Luthería, Taller de elaboración de Cañas con el fin de contribuir al desarrollo integral.

El Foro Tradición que se organiza por segundo año consecutivo enfocará su atención en la organología de la música tradicional de nuestro estado. Investigadores, etnomusicólogos y músicos de cuerdas participarán en el encuentro con mesas de análisis, ponencias y conferencias.

Las bandas de San Bartolomé Zoogocho, Santa María Tlahuiltoltepec, San Agustín Etla, Santiago Zacatepec, Tierra Blanca, San Pedro y San pablo Ayutla, San Juan Juquila Mixe, Santo Domingo Xagacía, Santa María Yacochi, San Dionisio Ocotepec, Tamazulapan Espíritu Santo, Mixe; San Juan Tabaá y los alumnos de la Escuela de Bellas Artes de la UABJO, participarán en Instrumenta Tradición 2008.

Instrumenta Tradición se inaugurará el próximo martes 22, a las ocho de la noche en el Kiosco del Zócalo de la ciudad con el concierto del ensamble de 35 músicos: Brass Band, que centran su repertorio en música tradicional, lo dirige el maestro Leovigildo Martínez.

La fotografía también está presente en el festival, Estanislao Ortiz Escamilla participa con Músicos tradicionales de cuerdas, exposición sobre la preservación y difusión de este tipo de música; la muestra se inaugurará el 24 de abril a las seis de la tarde en el Centro Cultural Santo Domingo.

Una de las exclusivas de Instrumenta Tradición 2008 es la participación del compositor y guitarrista Goran Bregovic, quien unirá su ensamble a la Banda Instrumenta Oaxaca, conformada exclusivamente para el festival, en un concierto en la Plaza de la Danza, el próximo viernes 25 de abril a las ocho de la noche.

Informacion Obtenida del "Diario Noticias"

Crece Instrumenta

2008-04-19T17:25:00.007-05:00

El programa impulsado por Ignacio Toscano se abre a la danza y música contemporánea

DORA LUZ HAW

AGENCIA REFORMA

MÉXICO, DF

A cinco años de haber arrancado Instrumenta, programa permanente de desarrollo musical, crece al incorporar a su proyecto artístico dos nuevas iniciativas: Instrumenta Contemporánea y Creación Musical y Coreográfica en homenaje a Guillermina Bravo

Este proyecto impulsado por el promotor Ignacio Toscano y cuya dirección artística está a cargo del compositor José Luis Castillo, abre un espacio académico y creativo a la música acústica y electroacústica, así como al arte sonoro, dirigido a jóvenes compositores latinoamericanos.

La iniciativa comprende, a partir del 26 de septiembre, la realización de seminarios, tutorías y talleres, diversos conciertos y el estreno de más de 30 obras, entre ellas la ganadora del Tercer Premio Iberoamericano de Composición Rodolfo Halffter.

En el 2010, la coreógrafa Guillermina Bravo, considerada una de las máximas figuras de la danza en México, cumplirá 90 años, fecha que resulta a Toscano un buen pretexto para impulsar un programa en su honor.

El proyecto consiste en invitar a 12 coreógrafos y a 12 compositores a fin de que trabajen conjuntamente en 12 puestas escénicas que muestren la relación entre la composición coreográfica y la musical.

Entre los músicos invitados se encuentran Ana Lara, Mario Lavista, Marcela Rodríguez, Eugenio Toussaint, Federico Ibarra y Manuel Rocha, y entre los bailarines están Gabriela Medina, Lydia Romero, Alicia Sánchez, Vicente Silva y Benito González.

Las piezas, de 12 minutos cada una, contarán con el trabajo escenográfico y de iluminación de Alejandro Luna y Jorge Ballina y serán presentadas en noviembre del próximo año en el Palacio de Bellas Artes.

Mientras estos proyectos se van concretando, del 22 al 26 de abril se llevará a cabo Instrumenta Tradición, orientada a colaborar en los procesos de desarrollo musical de las distintas tradiciones oaxaqueñas.

En esta segunda edición reunirá a investigadores, maestros e instrumentistas, que darán cuenta de las expresiones musicales más relevantes de Oaxaca y centrarán su atención en la organología.

Se realizarán diversas mesas de trabajo sobre el tema de La desintegración de las bandas filarmónicas municipales y Toscano informó que se apoyarán por primera vez tres proyectos productivos para las bandas de la Sierra Norte, a través de un Taller de edición de partituras, un Taller de luthería y uno más sobre la elaboración de cañas.

Los organizadores explican que en 2008 se impulsarán el Premio de Música y Letras, el Premio Internacional Otto Mayer-Serra de investigación musical, y el Internacional Juan Vicente Melo de Ensayo literario sobre música.

Informes sobre la programación, consultar www.instrumenta.org.

■ DE SARAJEVO A OAXACA

Un grupo de jóvenes músicos oaxaqueños trabajará con el músico serbio-croata nacido en Sarajevo, Goran Bregovic, para ofrecer un concierto el 25 de abril en Oaxaca en el marco del 476 Aniversario de esa Ciudad, y otro más el 27 del mismo mes en el Zócalo capitalino a las 18:00 horas.

Este vínculo fue establecido por invitación del proyecto Instrumenta, con la intención de promover el intercambio artístico entre los músicos de diversas bandas de poblaciones de la Sierra norte de Oaxaca, con los miembros de la banda de Bregovic.

Se eligieron músicos excepcionales, explica el compositor José Luis Castillo, para conformar ex profeso la Banda Instrumenta, agrupación que realizará varios ensayos con la agrupación de Bregovic para llevar a cabo el programa musical "Cuentos y canciones para bodas y funerales".

Abrirá proyección de Pedro y el lobo “Humánitas 2008”

Fortino Torrentera

[22:36] Con la proyección del video mexicano “Pedro y el lobo”, ganador del Oscar 2008 al mejor cortometraje animado, este 30 de abril inician las actividades del festival “Humánitas. Fiestas de Mayo en Oaxaca”, donde el cantante español Alberto Cortés recordará a Álvaro Carrillo y tres cantantes oaxaqueñas deleitarán a propios y extraños con música de la Costa, región huésped de este encuentro.

Así lo adelantó Sergio Cervantes Quiroz, responsable de este festival durante la presentación de esta cuarta edición que tuvo lugar en el Museo del Palacio, donde el estado de Tabasco y la India serán los invitados especiales.

Tras ofrecer una numeralia donde la Secretaría de Cultura asegura que el 51 por ciento de los asistentes a las versiones anteriores han calificado con 10 las actividades de ese festival, el funcionario reveló que del 2 al 11 de mayo se desarrollarán más de 100 actividades con la presencia de 500 artistas que actuarán en jardines, teatros, museos y plazas públicas de esta ciudad para buscar superar los 100 espectadores.

El festival arranca con la apertura de una serie de exposiciones y el concierto en el centro de la capital que ofrecerá la cantante oaxaqueña “Lorena y Los Alebrijes” con su espectáculo “Repercusión negra”, el cual sí parte de una amplia investigación de campo sobre la música afrooaxaqueña.

La noche del sábado tres destaca el espectáculo de Danza y Música Tradicional de la India “Historias del Mahabharata”, interpretado por el grupo “Kalathanrangini Kathakali Trouppe” que se presenta en el atrio de la Catedral, mientras que en el Teatro Juárez se presentará “La corte de los Nawab” y en el Teatro Macedonio Alcalá “Canciones de amor”, interpretado por el Kalasagara Ensemble.

Una de las cantantes oaxaqueñas con mayor difusión es Susana Harp, quien la noche del domingo cuatro de mayo en el centro de la ciudad ofrece el show “Santa negritud, la raíz olvidada”, antecedida de un Encuentro de Poetas y Versadores Tradicionales de la Costa en el Museo del Palacio.

Una demostración del trabajo sobre el teatro Kathakali en el Teatro Macedonio Alcalá se programó para el lunes 5, como los libros de escritores de la Costa que un día después se presenta en la Casa de la Ciudad y Los Chileneros de Baltasar Velasco, frente al Museo del Palacio.

El miércoles siete estará lleno de arte gastronómico y como platillo fuerte el concierto en el centro del maestro Chanta Vielma Clavel y la cantautora Silvia María; hasta el otro día en que se presenta el espectáculo mestizo e indígena “Carnaval de la Diversidad Cultural” con el Pochó y Tamborileros de Tabasco; Tiliches de Putla de Guerrero, San Juan Colorado, Pinotepa de Don Luis, San Pedro Tututepec y Santos Reyes Nopala, de la Costa de Oaxaca, además del Encuentro de poetas de Tabasco, Oaxaca y la India.

Para el sábado 10 por la noche se ha programado la actuación frente al Museo del Palacio de la diva costeña, Alejandra Robles, conocida en el medio musical como “La Sirenita”, mientras en el Teatro Macedonio Alcalá se presenta el espectáculo de danza y música tradicional de la india “Rathna Kumar”.

El gran cierre será el domingo 11 cuando el cantante español Alberto Cortés ofrezca un concierto “Recordando a Álvaro Carrillo” compartiendo el escenario con las dos divas más jóvenes de Oaxaca, Susana Harp y Alejandra Robles.

Informacion Obtenida del "Diario Noticias"

Hoy, Damo Susuki en “La Curtiduría”

2008-04-19T17:22:00.002-05:00

Fortino Torrentera

Este sábado se presenta en “La Curtiduría” el músico alemán Damo Suzuki para presentar su disco “Confeti de mierda”, en torno al cual se han sumado artistas alternativos del país y de Oaxaca, informó la coordinadora de comunicación de ese centro, Marcia Sánchez.
Indicó que en el marco de las actividades de “Ambulante Sonidero” y en colaboración con Pasagüero, hoy a las 22:00 horas en 5 de Mayo 307 en el barrio de Jalatlaco, el músico de descendencia oriental quien impulsa su proyecto Damo Suzuki Network con la disquera “Nuevos Ricos” que integra una red de colaboradores.
Indicó que por ello el legendario músico integró la producción “Confeti de mierda” que es una compilación de lo que denomina las nuevas bandas asesinas como el caso de “Sound Carriers” compuesta por Alexis Ruiz (Jessy Bulbo), Carlos Navarrete (Six Million Dollar Weirdo, Los Fancy Free), Carlos Icaza (Los Fancy Free, El Pan Blanco), Martín Thulin (Los Fancy Free), Jay de la Cueva (Titán, Moderatto) y Julián Lede (Titán, Silverio).
Para este concierto se ha sumado el talento y creación de la agrupación de Oaxaca, “Chinos Libres”, con la presencia de Blanca Díaz, Kleiber Fon Carayan, Brak, Bux, Ipsofacto Pérez, quienes comparten el escenario con Damo Suzuki.
Este músico pasó los últimos años de la década de 1960 viajando por Europa, tocando en las calles, durante la etapa final de su adolescencia. Cuando Malcolm Mooney, vocalista de CAN, dejó dicha banda, Holger Czukay y Jaki Liebezeit encontraron a Suzuki cantando en una calle de Munich.
Éstos invitaron a Suzuki a integrarse a CAN y se presentó con ellos en un concierto esa misma tarde; por lo que en los años 70 Damo Suzuki, junto con CAN y otros grupos como Kraftwerk, Faust y Neu! inventaron un nuevo género musical conocido como Krautrock, que se definió como un sonido diferente al rock británico y norteamericano e influenció a músicos como Brian Eno y David Bowie, y más tarde a Joy Division y los Happy Mondays, por citar algunos. El acceso a este concierto tendrá un donativo de 20 pesos.

Informacion Obtenida del Diario "Tiempo en Linea"

Tocarán “la rumba más larga del mundo” en Cuba

2008-04-19T17:04:00.001-05:00

Previo a gala de la Cubadisco 2008, cientos de percusionistas y cultores del folclor cubano afrocubano recorrerán la isla del 3 al 27 de mayo y se rendirá homenaje póstumo a percusionistas como Arístides Soto y Chano Pozo.

La Habana, Cuba.- Cientos de percusionistas y cultores del folclor afrocubano recorrerán toda Cuba del 3 al 27 de mayo, en lo que se anuncia como “la rumba más larga del mundo”, previa a la gala de la Feria Internacional Cubadisco 2008.

El suceso es el hecho más relevante del Cubadisco 2008, dedicado a la cultura africana, según fuentes del Instituto Cubano de la Música (ICM), organizador anual de esta feria destinada a promocionar la industria discográfica de la isla, informan hoy medios cubanos.

La rumba es un género cantable y bailable, principalmente de origen africano, que se interpreta percutiendo tambores o simplemente cajones de madera y claves. Su práctica es común en las fiestas de carnaval que se organizan en Cuba.

El ICM dijo que también se rendirá homenaje póstumo a los legendarios percusionistas Arístides Soto, que falleció en febrero a los 77 años, a Chano Pozo (1915-1948) y a todos los grandes rumberos en la historia de la isla.

Asimismo, reunirá a centenares de músicos en parques y plazas de 14 ciudades, desde la oriental provincia de Guantánamo hasta La Habana.

En 2004 se realizó el “son más largo del mundo”. Las más de 300 horas de rumba precederán al Festival Internacional Cubadisco, en el Teatro Karl Marx de La Habana, que es el mayor de Cuba y el Caribe con unas cinco mil butacas.

Informacion Obtenida de "Diario Milenio.com"

Designan a Lomónaco director artístico de Orquesta Sinfónica del IPN

2008-04-19T17:02:00.002-05:00

México, DF.-Juan Carlos Lomónaco fue nombrado director Artístico de la Orquesta Sinfónica del Instituto Politécnico Nacional (OSIPN), reconocida como la mayor exponente cultural de esa casa de estudios.

Al asumir el cargo, consideró que dirigir esa orquesta es un gran reto, porque sin duda es una de las más importantes de México.

“Es una Orquesta con una trayectoria musical importante y una gran personalidad; estoy convencido de que la OSIPN cuenta con los elementos para llegar a ser el pilar de las orquestas del país”, comentó.

Estableció que el sector más importante al que quiere llegar es al alumnado politécnico, para llevarles la música como un elemento de introducción a la apreciación del arte y contribuir a ofrecer una educación integral a los jóvenes.

Lomónaco señaló que además de las funciones en el auditorio Jaime Torres Bodet, realizarán presentaciones en algunas escuelas del IPN que cuentan con espacios propicios para llevar a cabo conciertos y difundir la música clásica entre los estudiantes.

El director artístico expuso que es de vital importancia erradicar el mito de que la música clásica es para gente erudita o mayor, al tiempo que invitó a los jóvenes a asistir a los conciertos y a acercarse a ese género musical.

Juan Carlos Lomónaco es egresado del Curtis Institute of Music, de Philadelphia, Estados Unidos, donde estudió dirección de orquesta.

También ha sido titular de las orquestas sinfónicas Carlos Chávez, del Conservatorio Nacional de Música y Ollín Yoliztli, entre otras.

En el extranjero ha dirigido la Orchestra Filarmonía Veneta, en Italia; Polish Chamber Philarmonic, en España; Sinfónica de Vojvodina, en Serbia; Longy Symphony Orchestra, en Boston; Sinfónica Simón Bolívar, en Venezuela; Sinfónica de Lima, en Perú, y Sinfónica Juvenil de Ecuador.

Desde los 17 años ha formado y dirigido varias agrupaciones musicales, y a los 23 años debutó con la Orquesta Sinfónica Nacional de México, de la cual fue director asistente durante tres años.

Informacion Obtenida del "Diario Milenio.com"

El pianista italiano Pietro de Maria será el solista de la OFUNAM

2008-04-19T17:01:00.001-05:00

La Orquesta Filarmónica se presentará el sábado y domingo próximos en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario, para interpretar las sinfonías 40 y 41, así como el Concierto para piano Num. 21.

México, DF.-La OFUNAM continúa con actividades correspondientes a la Segunda Temporada 2008 y ahora, bajo la dirección de Alun Francis, ha preparado un programa dedicado al compositor austriaco Wolfgang Amadeus Mozart, y el pianista italiano Pietro de Maria acompañará a dicha orquesta.

La Orquesta Filarmónica de la Universidad Nacional Autónoma de México (OFUNAM) se presentará el sábado y domingo próximos en la Sala Nezahualcóyotl, del Centro Cultural Universitario, para interpretar las sinfonías 40 y 41, así como el Concierto para piano Num. 21.

La Sinfonía 40 será la primera obra de las presentaciones. Fue compuesta en el verano de 1788, durante un período verdaderamente prolífico, ya que también terminó las sinfonías 39 y 41.

Es interesante mencionar que de todo el repertorio sinfónico de Mozart, sólo dos están escritas en una tonalidad menor, la Num. 25 y ésta, la Sinfonía Num. 40 en sol menor.

Otro dato es que la partitura está escrita para flautas, oboes, clarinetes, fagotes, cornos y cuerdas, dejando fuera a los timbales y a las trompetas.

Inmediatamente después se podrá disfrutar del Concierto para piano Num. 21, que fue compuesta por el genio de Salzburgo durante febrero y marzo de 1785.

Pietro De Maria, quien interpretará la parte de piano solista, estudio en Venecia con Giorgio Vianello y Gino Gorini.

Se graduó del Conservatorio de esa misma ciudad y continuó sus estudios con Maria Tipo, en el Conservatorio de Génova.

Se presenta con regularidad en los principales festivales y salas de concierto de Europa y, de la misma forma, ha participado con muchos directores, entre los que destacan Roberto Abbado, Umberto Benedetti Michelangeli, Gary Bertini, Myung-Whun Chung, Vladimir Fedoseyev y Daniele Gatti.

Ha sido ganador de varios premios como el Dino Ciani, de Italia, el Géza Anda, de Suiza, y el Premio Mendelssohn, de Alemania.

Finalmente, el conjunto universitario ejecutará la última composición sinfónica de Mozart, la Sinfonía Num. 41, Júpiter, fechada el 10 de agosto de 1788.

Con respecto al nombre de Júpiter, es importante mencionar que no fue idea del compositor, sino del empresario Johann Peter Salomon, a quien también se le conoce por las sinfonías Salomon, de Haydn. Hasta hoy todavía no se sabe si Mozart vivía cuando se estrenó esta pieza.

Informacion Obtenida de "Diario Milenio.com"

Ofreció tenor italiano Gianluca Zampieri un magno concierto

2008-04-19T16:58:00.004-05:00

México, DF.-El tenor italiano Gianluca Zampieri, acompañado del pianista mexicano Sergio Vázquez, ofreció hoy un magno concierto, con obras de Manuel María Ponce, Franz Liszt, Giuseppe Verdi y Ruggero Leoncavallo, en la Sala Carlos Chávez, en esta ciudad.

Con el acompañamiento de Vázquez, Zampieri, quien debutó en 1992 aún siendo estudiante en Viena, inició el concierto con “Dos canciones”, de P. F. Tost, para escuchar los primeros aplausos del público.

Zampieri, quien ha actuado en las principales ciudades de Italia, continuó con un “Homenaje a Edith Piaf”, de Francis Poulenc, para volver a constatar el gran talento del tenor y su tesitura de voz.

Luego siguieron obras como “Balada mexicana e Intermezzo”, de Manuel M. Ponce, así como “Paráfrasis de Rigoleto de Verdi”, de Franz Liszt, que cautivó nuevamente al público asistente a este magno recital.

Ante los aplausos del público, Zampieri interpretó arias de ópera de Giuseppe Verdi, para plasmar nuevamente su talento en el escenario de la sala universitaria, de la máxima casa de estudios.

Luego interpretó obras de Giacomo Puccini, Ruggero Leoncavallo, P. Solorzábal, R. Falvo y J.F. Halévy, para recibir fuertes aplausos del público.

Gianluca Zampieri, quien se ha presentado en países como Alemania, Perú, Suiza, Hungría y la República Checa, ha personificado los roles más importantes dentro del repertorio operístico de Italia y Francia.

En el 2005, Zampieri participó en el estreno de “Guntram”, de Richard Strauss, en Catania, Italia.

Por su parte, Sergio Vázquez, inició su aprendizaje musical a temprana edad, bajo la guía de Elizabeth Guerrero, y concluyó sus estudios bajo la dirección de Alberto Cruzprieto.

Su debut orquestal lo realizó con la Camerata de Coahuila, dirigida por Ramón Shade, y también se ha presentado con la Orquesta Sinfónica de la Universidad Bellas Artes y la Camerata de las Américas.

Informacion Obtenida de "Diario Milenio.com"

Dedica Elisa Pérez Meza nuevo disco a compositores sinaloenses

2008-04-19T16:55:00.002-05:00

La hija del trovador del campo Luis Pérez Meza presentará el próximo 3 de mayo en el teatro Angela Peralta, dicha placa apoyada por el Instituto Municipal de Cultura, Turismo y Arte de Mazatlán.

Mazatlán, Sin.-La cantante Elisa Pérez Meza rinde homenaje con su nuevo disco “Asomate a mi alma” a destacados compositores sinaloenses entre los que se encuentran José Angel Espinoza “Ferrusquilla”, Fernando Valadez y Braulio Benítez.

La hija del trovador del campo Luis Pérez Meza presentará el próximo 3 de mayo en el teatro Angela Peralta, dicha placa apoyada por el Instituto Municipal de Cultura, Turismo y Arte de Mazatlán.

Los primeros pasos de Elisa como cantante se dieron unos años después del fallecimiento de su padre, cuando era estudiante en la Universidad Autónoma de Sinaloa y su repertorio era de trova cubana y canción latinoamericana.

Pero su carrera inició de manera formal en el año 2001 cuando un grupo de estudiantes de música del Centro Municipal de Artes de Mazatlán conforman el grupo Nidart y desde entonces se ha presentado en diversos eventos culturales dentro y fuera de Sinaloa.

“Asómate a mi alma” es un homenaje a los compositores sinaloenses con temas como “Seis años”, “Cariño nuevo”, “Echame a mi la culpa”, “Regalo del cielo”, “Como de que no”, “Corazonada”, “Una pura y dos con sal”, “Dios no lo quiera” y “Esta noche la paso contigo”.

En esa producción conformada por 15 canciones colaboraron los músicos Emmanuel Delgadillo, (guitarra); José Ramón Rojas, (requinto); Aarón Figueroa, (contrabajo); Ricardo Montes (percusiones); Mónica Osuna de Lizárraga y Adriana Arámburo, (violines); así como Omar López Mejía (sax) y Jesús Ivanov Becerra (trompeta).

Informacion Obtenida de "Diario Milenio.com"

Convocan a conservar archivos sonoros de valor histórico

2008-04-19T16:52:00.001-05:00

Con la finalidad de contribuir con la conservación de las joyas sonoras, la Fonoteca Nacional invita a participar en el Programa Nacional de Rescate y Salvaguarda de Archivos Sonoros, cuya convocatoria ya está abierta.

Se busca la investigación para la identificación y salvaguarda de los documentos sonoros, que por su valor social, cultural o histórico, constituyan parte del patrimonio sonoro nacional, a través de la estabilización, catalogación y digitalización profesional.

Con lo anterior, se pretende contribuir con la conservación de las colecciones sonoras de los proyectos seleccionados y, en los casos que así lo requieran, las colecciones podrán permanecer en las bóvedas de la Fonoteca Nacional para ofrecer una mejor salvaguarda.

Se desea rescatar archivos que hayan sido grabados en México desde finales del Siglo XIX hasta la actualidad, y esto aplica a cualquier soporte en el que se presente, ya sea cilindro de cera, cinta de carrete abierto, dat, disco compacto, cassette y minidisc.

El Programa desea garantizar la preservación de los contenidos de las colecciones de los proyectos seleccionados, a través de la digitalización, de acuerdo con estándares internacionales, y dar acceso público en general, estudiosos y maestros, a los documentos.

La convocatoria va a instituciones públicas y privadas, archivos locales, municipales, estatales y coleccionistas particulares interesados en recibir apoyo de la Fonoteca Nacional para catalogar, estabilizar, digitalizar y tener copia de su archivo digitalizado.

Los proyectos seleccionados recibirán apoyo fin de atender uno o varios de los procesos documentales entre los que destacan limpieza, estabilización, catalogación, digitalización, restauración digital y tratamiento de deterioros físicos y químicos, entre otros más.

Los interesados pueden consultar la convocatoria en el portal (www.conaculta.gob.mx) del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) , del 1 de abril al 29 de agosto de 2008; "Rescatar los archivos sonoros es tarea de todos" , menciona la convocatoria.

Para salvaguardar el patrimonio sonoro nacional, además del Programa Nacional de Rescate y Salvaguarda de Archivos Sonoros, la Fonoteca Nacional ha emprendido diversas acciones, las cuales cuentan con el apoyo de especialistas de áreas inscritas en la materia.

Por ejemplo, la elaboración del Catálogo Nacional de Acervos Sonoros de México, establecido a fin de contribuir a la identificación del patrimonio sonoro de nuestro país. Es una iniciativa a disposición de instituciones públicas y privadas.

Por otro lado, impulsar al proyecto "Creación del Paisaje Sonoro de México" , para identificar, grabar, documentar, preservar y difundir la diversidad sonora del país. En relación con este proyecto destacan grabaciones de los estados de San Luis Potosí y Veracruz.

También, la elaboración de material didáctico e impartición de cursos de Catalogación y Conservación de Archivos Sonoros a 31 responsables de fonotecas de las estaciones del Sistema de Radiodifusoras Culturales Indigenistas, en cuatro entidades del país.

mfsla/ mzr

Notimex
El Universal
Ciudad de México
Sábado 19 de abril de 2008

Trigésimo aniversario de la trayectoria profesional de uno de los mejores flautistas del mundo

2008-04-14T15:32:00.013-05:00

El del sábado fue un concierto de tres equis en el Palacio de Bellas Artes.

(Horacio Franco con la violinista Erika Dobosiewicz de
Capella Cervantina Foto: Francisco Olvera)

No por otra razón, sino porque se trató del festejo por el trigésimo aniversario de la primera presentación de Horacio Franco en ese mismo recinto, el mayor escenario cultural del país.

Considerado uno de los mejores flautistas de pico del mundo, la suya fue una actuación memorable, entregada, gozosa, llena de virtuosismo y derroche físico, con una sala a reventar.

Más de dos horas de música de excelente y sabrosa factura; programa variado, sin prejuicios: lo mismo Bach que los Beatles, Vivaldi que uno que otro cachondo danzón o lo abstracto de la música contemporánea.

Refinamientos y sutilezas al por mayor en la interpretación mantuvieron al público en estado permanente de fascinación, embebido en una atmósfera colectiva de alegría y placer.

Un concierto fuera de los cánones convencionales, no sólo por esa inusitada mezcla de géneros y épocas, sino por la ruptura que el músico mexicano impulsa desde hace varios años de ese modelo de solemnidad acartonada, decimonónica, prevaleciente en la mayoría de las salas del mundo.

Sin poses, Franco salió al escenario con una apariencia más propia de un estrella de rock o de pop que de un músico de concierto: pantalón negro ceñido, un lustroso chaleco en ese mismo color, adornado en su parte frontal con dos dragones en vino; sin camisa, resaltando así sus marcados brazos, producto del trabajo en el gimnasio; una arracada en su oreja derecha y peinado punk, con una cresta de cabello que abarcaba desde la frente hasta la coronilla, en mitad de su cabeza.

Para la ocasión, el flautista diseñó un programa variado con el cual buscó adentrar y propiciar en la audiencia diferentes estados emocionales y espirituales. La primera parte del concierto estuvo dividida en cinco apartados. El primero, intitulado El infinito, con el preludio de la Partita BWV 1006, de Bach.

Le siguió después Lo profundo, también representado por ese autor alemán, con su Sonata en si menor; y luego Lo expresionista, con Ícaro obra escrita en 1990 para el flautista por la mexicana Ana Lara.

Vino más adelante el momento de Entre lo terrenal y lo espiritual, una suerte de collage que mucho define lo que es el intérprete y sus gustos, con piezas de Bach, partes de las suites francesas e inglesas, varias rolas de los Beatles y algunos danzones. Y para cerrar, El swing, con una partitura de Claude Bolling.

Con más de una hora de duración, en ese primer segmento del concierto el músico actuó lo mismo solo que acompañado por los clavecinistas José Suárez y Fabián Espinoza, así como por el contrabajista Víctor Flores, con quien mantiene desde hace algunos ayeres el inusual dueto de La bella y la bestia.

Abucheos para Vela

Denominada Los más grandes, la segunda parte de la velada estuvo dedicada predominantemente a la música de Vivaldi, con tres de sus conciertos, en cuya ejecución Horacio Franco estuvo al frente de la Capella Cervantina, agrupación fundada y dirigida por él.

Como parte del festejo, el flautista develó, casi al principio de su actuación, un clavecín que fue decorado, así se acostumbraba en el barroco, con la pintura Tráfico de almas, un regalo que le hizo el pintor Eduardo Núñez, en atención a este trigésimo aniversario. También, antes de comenzar a tocar, recibió un breve homenaje institucional en el que el titular del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y la directora del Instituto Nacional de Bellas Artes, Sergio Vela y María Teresa Franco, respectivamente, le entregaron un diploma y le dedicaron breves discursos de reconocimiento a su labor de intérprete, docente y como promotor musical y cultural.

Por cierto, Vela recibió incipientes rechiflas y abucheos de entre el público, lo mismo cuando lo presentaron que cuando iba a iniciar su intervención.

Ángel Vargas (Diario La Jornada)

Diario Milenio (Noticias Recientes)

1.RINDEN TRIBUTO A LES LUTHIERS CON EL ESPECTÁCULO "CLARO DE LUNA”

El proyecto único en su tipo, que desarrollan egresados de la Escuela Nacional de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), presentará su primer sencillo “Claro de luna” (Suite espacial), en homenaje a Les Luthiers.

México, D.F.- Música, teatro y humorismo conjuga el espectáculo “Humorosamente Mpkstroff” que los días 2 y 3 de mayo próximos ofrecerá funciones en Mérida, Yucatán, mientras que los 11 y 18 del mismo mes en la Ciudad de México.

Se trata de un trabajo interdisciplinario, dirigido por Mauricio Durán en la parte musical y por Jorge Galaviz en lo escénico. Las obras son del quinteto argentino Les Luthiers, con arreglos y adaptaciones.

Al regresar de Mérida, “Humorosamente Mpkstroff” se presentará los 11 y 18 de mayo en el Teatro Bar “El Vicio” con un elenco integrado por Mauricio Durán, Leonardo Luna, Vinicio Marquina, Hugo Grob y Bernie Egremy.

Durante 2006 y 2007, el Ensamble Mpkstroff sobresalió con el espectáculo “Con Cierto Homenaje a Les Luthiers” en escenarios como Kiosko de la Alameda Central, el Teatro Bar El Vicio, la Planta de Luz de Germán Dehesa; y diversos foros y espacios de la UNAM.

Mpkstroff tiene como finalidad difundir la música de Les Luthiers con miras a consolidar un proyecto inédito que ya se ha comenzado a gestar en el estudio de grabación.

“Humorosamente. Mpkstroff” es un espectáculo de humor músico-teatral que promete ser una experiencia única y diferente, con la garantía de casi tres años de trabajo del ensamble en diversos escenarios de la capital mexicana.

Notimex

2.OFCM interpretará programa 12 de su Temporada de Conciertos 2008

Con estas obras se integra el décimo segundo programa de la Temporada de Conciertos 2008, bajo la dirección del director español Max Bragado-Darman.

México, DF.-La “Obertura Rosamunda”, de Franz Schubert; el “Concierto para Viola”, de William Walton; y la “Suite de sueño de una noche de verano”, de Félix Mandelssohn, serán interpretadas por la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México (OFCM), los días 12 y 13 de abril, en la Sala Silvestre Revueltas.

Con estas obras se integra el décimo segundo programa de la Temporada de Conciertos 2008, bajo la dirección del director español Max Bragado-Darman.

Este último, nacido en Madrid, es en la actualidad el director musical y artístico de la Monterey Symphony, en California.

Muchos artistas distinguidos han colaborado bajo su dirección y tales son los casos de Alicia de Larrocha, Teresa Berganza, Horacio Gutiérrez, Elmar Oliveira y Anne Akiko Myers.

Lo mismo que Andre Watts, Reiko Watanabe, Mark Seltzer, Jard Van Ness, Angel Romero, Aaron Rosand, Dickran Atamian y Gary Graffman, entre otros.

En 2003 terminó la nueva edición de la ópera “María del Carmen”, de Enrique Granados.

También ha sido director titular de las orquestas Sinfónica de Gran Canaria, Concerto Grosso de Frankfurt, Alemania; Classic Chamber Orchestra, de Nueva York; Juvenil de Nashville, Orquesta Sinfónica de la Universidad Estatal de Ohio, Orquesta Sinfónica y de Cámara del Cleveland Institute of Music.

Asimismo ha colaborado con la Orquesta del Teatro San Carlos de Lisboa, la Sinfónica de Londres y la del Metropolitan de Nueva York, como otras muchas en Estados Unidos. En España ha dirigido las orquestas más importantes del país.

Por su parte la violista estadounidense Rita Porfiris ha sido miembro de la Sinfónica de Houston desde 1995. Es originaria de Nueva York y recibió su grado de licenciatura y maestría en ejecución de viola de la Escuela Juilliard.

Ha sido violista principal invitada en la Sinfónica de Indianápolis, violista principal con la Sinfónica del Nuevo Mundo y la Schleswig-Holstein Orchester, así como en la sección de Radio-Sinfonie Orchester Berlin y la Baroque Orchester Berlin.

Sigue Interpretará OFCM… dos… Berlin.

Rita también fue miembro durante una larga temporada del Cuarteto Plymouth formado en la Sinfónica del Nuevo Mundo, con el cual recorrió Estados Unidos de Norteamérica, Europa y Sudamérica, recibiendo elogios por parte de los críticos.

Recibió el prestigioso Prix Mercure de Austria, así como uno de los premios más altos en la Competición de Música de Cámara Fischoff, la Competición para Viola William Primrose, y fue galardonada en la Competición Internacional para Cuartetos Paolo Borciani.

En lo que corresponde a Obertura de la música incidental a Rosamunda, Princesa de Chipre, su autor, Schubert, hizo de cada año de su vida adulta un año productivo en el ámbito de la creación musical.

En febrero de 1823 compuso su “Sonata para piano en la menor”. En ese mismo año pasó parte del verano en un hospital, y es probable que durante su estancia en el nosocomio, haya empezado a trabajar en uno de sus proyectos más ambiciosos: la ópera Fierabrás.

No obstante, la enfermedad, la soledad y los fracasos no le impidieron crear ese mismo año una de sus obras más notables, el hermoso ciclo de canciones titulado La bella molinera, que es uno de los puntos culminantes del repertorio del lied de todos los tiempos; 1823 fue también el año en que Schubert escribió la música de Rosamunda.

En 1823, en el Theater an der Wien, de la capital austriaca, se puso en escena la obra teatral “Rosamunda”, escrita por la señora Helmina Von Chézy y con la música incidental compuesta por Schubert.

La pieza, que hoy se conoce como la “Obertura a Rosamunda”, nació originalmente como obertura para “El arpa mágica”, y la obertura interpretada originalmente con la representación teatral fue en realidad la obertura de Alfonso y Estrella.

Después, el “Concierto para viola y orquesta”, de Walton, tuvo al parecer como fuente de inspiración el “Primer concierto para violín de Prokofiev”, obra con la cual comparte ciertas características a pesar de la evidente diferencia estilística y expresiva entre el compositor inglés y su ilustre colega ruso.

Dos cualidades resaltan sobre las demás: una solidez formal que habla bien de la soltura con que Walton manejaba las estructuras clásicas, y una vena poética de lirismo noble y contenido que por momentos pareciera ser un rostro oculto de Walton.

“El Concierto para viola”, de Walton, fue estrenado en Londres en 1929, bajo la dirección del compositor, llevando como solista a Paul Hindemith (1895-1963), quien además de ser el compositor alemán más notable de su tiempo, fue un espléndido ejecutante de la viola.

Sigue Interpretará OFCM… tres… viola.

Tres décadas después del estreno de la obra, Walton retomó la partitura de la obra y realizó una revisión de su “Concierto para viola”, en 1962, dándole la forma definitiva con que hoy se le conoce.

Finalmente, Mendelssohn compuso la “Obertura sueño de una noche de verano” en el año de 1826, cuando tenía 17 años, y esperó otros 17 para componer el resto de la música incidental, cosa que hizo a petición expresa del rey Federico Guillermo IV de Prusia, en el año de 1843.

La obertura fue estrenada en concierto por Carl Loewe en 1827, al año siguiente de su creación, y la música incidental completa se estrenó en octubre de 1843 en el Teatro de la Corte de Potsdam, acompañando a una puesta en escena de una comedia de William Shakespeare.

Notimex

3.Conmemorarán con recital 60 aniversario luctuoso de Manuel M. Ponce

Lo ofrecerá el guitarrista Raúl Zambrano, quien ofrecerá el recital, se especializó en el repertorio segoviano, particularmente en la ejecución de la música de Manuel M. Ponce para guitarra.

México, DF.-En conmemoración por el 60 aniversario luctuoso del compositor mexicano Manuel María Ponce, el guitarrista Raúl Zambrano ofrecerá un recital en el marco del ciclo Música de Cámara, el próximo 13 de abril, en el Anfiteatro Simón Bolívar.

Nacido en Zacatecas el 8 de diciembre de 1882, Manuel M. Ponce estudió en el Conservatorio Nacional de Música hasta 1903, para luego viajar a Italia y Alemania, entre 1906 y 1908, antes de regresar a México para dedicarse a la docencia de piano e historia de la música.

Aunque compuso para varios instrumentos dominó la guitarra, luego de la amistad que sostuvo con el guitarrista español Andrés Segovia, recibiendo el Premio Nacional de Ciencias y Artes en 1947.

Por su parte Raúl Zambrano, quien ofrecerá el recital, se especializó en el repertorio segoviano, particularmente en la ejecución de la música de Manuel M. Ponce para guitarra.

Asimismo fue el fundador del Cuarteto de Guitarras Manuel M. Ponce, en 1994, y lo dirigió a partir de 2002.

Como parte de su carrera artística ha estado presente en Bélgica, España, Portugal, Francia, Italia, Cuba, Chile, Perú, Costa Rica, Paraguay, Rusia, Estados Unidos e Inglaterra.

También ha sido solista del Cuarteto de Cuerdas de León, de la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes, de la Orquesta Sinfónica del Estado de México y de la Orquesta Filarmónica de la Universidad Nacional Autónoma de México.

Además de la Orquesta Sinfónica de Michoacán, de la Académica del Estado de San Petersburgo y de la Orquesta de la Ciudad de Asunción, entre otras.

Zambrano ha trabajado bajo la batuta de Gordon Campbell, Enrique Bátiz, Lior Shambadal, Fernando Lozano, Arkady Steinluth y Luis Szarán.

Durante el recital se interpretarán el Preludio en mi mayor, la Suite en la menor, la Sonata romántica y Variations sur “Folia de España” et Fugue.

Notimex

TALLER DE NEUROARTES

2008-04-07T15:20:00.000-05:00

Estimados amigos de Oaxaca

La Universidad Autónoma "Benito Juárez" de Oaxaca

y la Fonoteca "Eduardo Mata"

Invitan

A músicos, escritores, artistas plásticos, profesionistas, catedráticos y estudiantes en artes, ciencias y humanidades así como al público en general al

Taller de Neuroartes. El arte como búsqueda de conocimiento

Imparte: Luc Delannoy (neurocientífico, musicólogo, escritor y filósofo)

Duración: 15 horas

Fecha: Del 14 al 18 de abril del 2008.

Horario; De 17:00 a 20:00 horas

Cuota de Recuperación: $300.00

Sede e inscripciones: Fonoteca Eduardo Mata
(M. Bravo 116 esquina García Vigil, Oaxaca, Oax., México)
tel: (951) 514 1933

Contenido temático

Módulo I

Introducción al cerebro

La variabilidad y la plasticidad cerebral

Módulo II

Neuroestética

El cerebro visual

La constancia cromática

Las bases biológicas del arte

Arte y corteza prefrontal

Módulo III

Neuromusicologia

El Cerebro musical.
Música y expectativas musicales.

Emociones musicales.

Perfil del alumno que ingresa:

El aspirante debe mostrar un interés por el conocimiento del ser humano, por las expresiones culturales y científicas contemporáneas; por la investigación así como una disposición para la lectura, la escritura, e diálogo y la reflexión.

Perfil del alumno que egresa:

Los egresados serán capaces de desarrollar un diálogo responsable e investigaciones vinculadas con las principales corrientes estéticas, filosóficas y neurocientíficas de este principio de siglo con propósito de promover un nuevo humanismo: Mostrarán una mejor capacidad de integración en la sociedad contemporánea.

*Los participantes redactaran ensayos que serán analizados durante el taller.

Agradecemos la difusión de este taller entre tus amigos y conocidos, a través del correo electrónico y verbalmente. Muchas gracias.

Invitan
Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca Fonoteca Eduardo Mata Biblioteca del IAGO

Hoy, sábado, 5 de abril, veremos Selecciones del ballet Espartaco

2008-04-05T14:08:00.002-06:00

Estimados amigos en Oaxaca

Les recordamos que hoy sábado se proyecta el tercer VIDEOCONCIERTO DIDÁCTICO EN LA FONOTECA EDUARDO MATA, comentado por el maestro Sergio Spíndola

Los ciclos de videoconciertos didácticos que organiza la Fonoteca Eduardo Mata tienen como finalidad el brindar al público la oportunidad de apreciar conciertos de grandes orquestas sinfónicas del mundo, así como a directores de orquesta, solistas, agrupaciones de cámara y funciones de ópera renombrados internacionalmente, que interpretan a diferentes compositores del repertorio universal. Asimismo se proponen para que el público asistente reciba una guía para la mejor comprensión y apreciación de la música deconcierto. El videoconcierto estará comentado por el maestro Sergio Spíndola.

Hoy, sábado, 5 de abril, veremos Selecciones del ballet Espartaco (de Aram Khachaturian).
Patio del Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo/Footeca Eduardo Mata
(M. Bravo 116, esquina García Vigil, Cetro Histórico, Oaxaca, Oax., México)

entrada libre

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La finalidad esencial de realizar estos programas es contribuir a motivar a todo tipo de público a acercarse a apreciar la música que fue creada por grandes compositores de la música de concierto, y así generar un público atento y sensible a este tipo de música, lo que representa una experiencia realmente enriquecedora para toda la vida.

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Sergio Spíndola ha realizado una labor de divulgación musical en diferentes medios y espacios culturales como la Fonoteca Eduardo Mata del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, desde hace varios años, impartiendo conferencias sobre temas de música de concierto. También ha colaborado para el periódico El Imparcial, las revistas Pauta, Revista de Revistas de Excélsior, Pro-Ópera, entre otras, publicando artículos sobre temas musicales y de cultura general. Ha sido asesor de la Orquesta Sinfónica de Oaxaca, así como condujo y produjo el programa radiofónico Encuentros con la Música, transmitido por Radio Universidad de Oaxaca.

La Academia de la Música hace justicia con Joaquín Díaz

2008-04-04T16:54:00.004-06:00

Autor de 60 discos y 51 libros

Joaquín Díaz es un hombre pegado al folclore. A la tradición musical y oral de su tierra, Castilla-León, que ha investigado durante 40 años de fertil producción. Casi 60 libros y otros tantos libros que le convierten en un eslabón entre la cultura con temas como las canciones españolas en el sudoeste de Estados Unidos que le han llevado 17 años de investigación. Tanta dedicación verá este jueves reconocimiento con el premio A Toda Una Vida, que recibirá en Valladolid, en la XII Entrega de los Premios de la Música. Se salda, o restaña, una "deuda histórica" con la cultura española, según los responsables de la gala. Un espíritu curioso al que le quedan "demasiadas cosas pendientes por hacer"

Este jueves, Joaquín Díaz, compartirá este jueves honores junto a artistas como Luis Eduardo Aute, Andrés Calamaro, Miguel Bosé o Deluxe, candidatos a las distintas categorías de esta gala musical. Díaz, alma máter de la Fundación que lleva su nombre en Urueña (Valladolid), verá así agradecida su plena dedicación a la difusión y preservación del folclore castellano. Una mirada a lo local, a lo cercano, con la que trata de frenar el auge homogeneizante de la globalización, una tendencia, dice, que puede tener "graves consecuencias" sin factores que la equilibren.

Eduardo Laporte. Madrid (Nota del IMPARCIAL)

Conferencia Hildegard Von Bigen

2008-03-27T16:12:00.000-06:00

La Fonoteca Eduardo Mata
y el
Museo de la Filatelia
tienen el agrado de invitarle a la Conferencia

HILDEGARD VON BIGEN

martes 1 de abril
a las 19:30 hrs
en las instalaciones del MUFI (Museo de la Filatelia)
Reforma 504 Centro.
Participan:

PATRICIA MENDOZA
MATEO PLIEGO
Y JULIO GARCÍA

Llamada en su época la Sibila del Rhin, Hildegard von Bingen es una de las mujeres más enigmáticas de la historia. A pesar de haber vivido hace casi mil años, su figura sigue estando vigente en la cultura europea. La abadesa benedictina del siglo XII, de las tierras del sacro imperio romano germánico, ha legado una obra gigantesca donde trata sobre lo humano y lo divino. En vida fue admirada y respetada por monarcas, papas, nobles caballeros y doctos frailes, algo inaudito para una mujer en la Edad Media. En la actualidad muchos la reclaman como precursora e inspiradora, desde músicos New age hasta ecologistas o feministas.

Considerada la primera bióloga alemana, además de la primera médica y la primera feminista, Hildegard von Bingen es sin dudas una de las mujeres más extraordinarias de la Edad Media europea. Esta monja emancipada fue también una intelectual que logró conquistar grandes espacios durante su retiro en un convento. Allí, además de escribir sus obras más importantes, concibió una nueva imagen de la mujer. Describió a Dios con atributos femeninos, algo revolucionario para la época. Convirtió las debilidades atribuidas a las mujeres en autoridad y luchó por la equiparación de los sexos en cuanto al castigo por los pecados. No tuvo reparos en pelearse con los representantes de la Iglesia, cuando en aquellos tiempos, este modo de pensar era inconcebible. La música es otro de los puntales en la obra de la abadesa de Ruperstberg. La consideraba un medio para comunicarse con Dios y una forma de alegrar el espíritu ante las penas de este mundo, recobrando la armonía perdida. La mayoría de sus composiciones son audaces y se apartan de los estilos de la época. Son obras que abarcan amplios registros, con melodías muy trabajadas, donde la música es tan importante como la poesía.

Jorge Laraia

CICLO DE VIDEOCONCIERTOS DIDÁCTICOS

2008-03-20T15:46:00.000-06:00

EL INSTITUTO DE ARTES GRÁFICAS DE OAXACA

a través de la FONOTECA EDUARDO MATA

invitan al

CICLO DE VIDEOCONCIERTOS DIDÁCTICOS

Comentados por el Arq. Sergio Spíndola

Que se llevarán a cabo los sábados 22 y 29 de marzo y 5 y 12 de abril a las 19:00 hrs. en el interior del Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo (M. Bravo 116 esq. García Vigil, Centro), con la siguiente programación:

Primer videoconcierto

Trío para piano, violín y violonchelo no. 5, k. 542 (Wolfgang

Amadeus Mozart)

Suite sinfónica el pájaro de fuego (Igor Stravinsky)

Segundo videoconcierto

Romanza para violín y orquesta no.1 en sol mayor (Beethoven)

Romanza para violín y orquesta no.2 en fa mayor (Beethoven)

Quinta sinfonía (Beethoven)

Tercer videoconcierto

Selecciones del ballet spartaco (Aram Khachaturian)

Cuarto videoconcierto

Selecciones de la ópera otelo (Giuseppe Verdi)

Reseña

Los ciclos de videoconciertos didácticos que organiza la Fonoteca Eduardo Mata tienen como finalidad brindar al público la oportunidad de apreciar funciones de ópera y conciertos de grandes orquestas sinfónicas del mundo, a cargo de directores de orquesta, solistas y agrupaciones de cámara renombrados internacionalmente, quienes interpretan a diversos compositores del repertorio universal. Asimismo ofrecer información y una guía para una mejor audición y apreciación de estos conciertos, a cargo del Arq. Sergio Spíndola.

La finalidad esencial de realizar estos programas es contribuir a motivar a todo tipo de público a acercarse a apreciar la música que fue creada por grandes compositores de la música de concierto, y así generar un público atento y sensible a este tipo de música, lo que representa una experiencia realmente enriquecedora para toda la vida.

Estos videoconciertos se llevaran a cabo en las instalaciones del Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo, ubicado en M. Bravo 116, esquina García Vigil, Centro, a las 19 horas en las fechas que a continuación se señalan. La entrada es libre.

Sergio Spíndola (comentarista del ciclo).

Sergio Spíndola ha realizado una labor de divulgación musical en diferentes medios y espacios culturales como la Fonoteca Eduardo Mata del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, impartiendo desde hace varios años, conferencias sobre temas de música de concierto. También ha colaborado para el periódico El Imparcial, las revistas Pauta, Revista de Revistas de Excélsior, Pro-Ópera, entre otras, publicando artículos sobre temas musicales y de cultura general. Ha sido asesor de la Orquesta Sinfónica de Oaxaca, y ha sido conductor y productor el programa radiofónico Encuentros con la Música transmitido por Radio Universidad de Oaxaca.

2007-05-19T09:50:00.000-05:00

JOHN CAGE: partir de cero

Vivian Abenshushan

Darnos cuenta de que no poseemos nada,
esa es nuestra poesía.
J. C.

Cuando tenía quince años mi padre me prestó un librito de Aaron Copland sobre Cómo escuchar música (música “clásica” o “culta”, se entiende, ese tipo de música para la que uno se tiene que educar), en el que introducía algunos conceptos fundamentales como armonía, timbre, contrapunto... También explicaba la diferencia entre sonata, sinfonía, concierto, y daba ejemplos de algunos epígonos de la música occidental como Bach, Mozart y, a veces, el propio Copland. Aunque estaba escrito con un estilo amigable y festivo, un estilo como el de la música de Copland, aquellos conceptos perduraron poco tiempo en mi memoria. Y, sin embargo, yo escuchaba música. Lo hacía con frecuencia desde que era niña, sobre todo los domingos por la mañana cuando mi padre encendía el tocadiscos de la sala, tomaba un trinche de carnes frías en la mano y con ella dirigía, en calzoncillos, a una orquesta invisible. Scarlatti, Schubert, Schumann, Saint-Saëns, Mahler, Rachmaninoff, Shostakovich, Prokofiev (los rusos me gustaban especialmente). Alguna vez puso a Xenakis. Pero jamás lo vi dirigir una pieza de John Cage.
Aunque es común encontrarlos reunidos en CDs del tipo The Contemporary American ‘C’, donde aparecen como los compositores distintivos del estilo estadounidense, es probable que no exista nada más antagónico en la historia de la música moderna que la obra de Copland (Brooklin, 1900) y Cage (Los Ángeles, 1912). De un lado, el héroe de la armonía inconfundible (pienso en El Salón México, en Billy the Kid, en toda la música que escribió Copland para el cine); del otro, el niño salvaje que propagó la desarticulación del lenguaje musical (la armonía y la tonalidad: ¡al cesto!) y buscó extinguir con sus procedimientos las nociones de estilo y composición (es decir, de cualquier cosa que fuera inconfundible). De hecho toda la estética, el pensamiento y la vida personal de Cage no son más que una permanente demolición del tipo de cosas que representaba Copland, es decir, una tradición en ruinas.

Vivian Abenshushan (Ciudad de México, 1972) es narradora, ensayista y editora, autora de El clan de los insomnes (Tusquets, 2004). Es colaboradora de suplementos y revistas como El Polemista, Letras Libres, Fahrenheit y Nouvelles du Mexique. Es cofundadadora de la editorial Tumbona Ediciones: www.tumbonaediciones.com

Tomado de Revista Replicante No 10, Sección "Pensamiento y reflexión", México, 2007

2007-04-29T10:11:00.000-05:00

Despiden con la primera sinfonía de Rachmaninov a Mstislav Rostropovich

Agencias AFP, DPA, REUTERS

Moscú, 28 de abril. Con música, como tal vez él mismo hubiera elegido, este sábado fue velado el cuerpo del chelista, director y compositor ruso Mstislav Rostropovich, considerado uno de los músicos más importantes del siglo XX, quien falleció a los 80 años de edad el pasado viernes, víctima del cáncer de hígado que padecía desde hace varios meses.
El féretro de Rostropovich permaneció durante todo el día en una sala del Conservatorio de Moscú, donde grabaciones de su música y la ejecución de la primera sinfonía de Rachmaninov a cargo de una orquesta, sirvieron de telón de fondo para la llegada de cientos de personas, que acudieron con flores a despedirlo.
Su viuda, la soprano Galina Vishnevskaya, recibió el pésame de los visitantes, entre quienes se contaron numerosos personajes de la política y las artes rusas, como el presidente Vladimir Putin, la vicepresidente de la Cámara baja, Liubov Sliska, y el escritor Víctor Ernfeiev.
Tras la misa fúnebre de hoy en la Catedral del Cristo Salvador, el músico será enterrado en el cementerio de Novodevichy, donde la semana pasada fueron llevados los restos del ex presidente ruso Boris Yeltsin.

"Me hizo llorar. Pero trajo calor a mi corazón"

La muerte de Mstislav Rostropovich generó múltiples reacciones de condolencia que resaltaron su "inmensa" calidad artística y compromiso político contra el estalinismo.
El director argentino-israelí Daniel Barenboim consideró al chelista como un "verdadero titán", y uno de los intérpretes y compositores más determinantes del siglo pasado. Por su parte, el italiano Ricardo Muti dijo que "su desaparición deja a la música y a la cultura sin una de las figuras más extraordinarias de nuestro tiempo."
En el mismo sentido se pronunciaron el director japonés Seiji Ozawa, el escritor ruso Alexandr Solyenitzin -gran amigo de Rostropovich- y el presidente francés Jacques Chirac. Al sentir de quienes lo conocieron se suma el de Vladimir Mijailov, un hombre ruso de 80 años que acudió al funeral ayer y definió con sencillez: "La primera vez que lo oí me hizo llorar. Pero también trajo calor a mi corazón".

Fuente: La Jornada, domingo, 29 de abril de 2007
Fotografía: Reuters, Funeral de Mstislav Rostropovich en el Conservatorio de Moscú

2007-01-13T13:01:00.000-06:00

LIBRO DEL MES

Héctor Villareal, Imaginarios musicales de la globalización. Fondo Editorial Tierra Adentro (322). Primera edición, 2006, 130 p.

La globalización ha llegado ya… bailando modernidad. Nuestros vínculos con el pasado, nuestras relaciones interpersonales, nuestra conciencia de sí, la construcción de nuestra imagen y de la imagen del mundo son en conjunto puntos de partida y al mismo tiempo resultados, son procesos vivos y a la vez mediaciones que tienen lugar en el mundo y sus intersticios. Este ensayo, que parte de los presupuestos del mundo contemporáneo, se enfoca a esclarecer el papel de los medios de comunicación masiva en su vinculación con la industria discográfica y las maneras en que individuos y grupos, a nivel mundial, se apropian o se disocian de tales elementos, en función de la construcción de sus identidades. Imágenes auditivas que confluyen en un mundo de significaciones sociales y culturales sometido a vertiginosos cambios o… repeticiones, asociados a géneros y subgéneros que reivindican lo mismo movimientos sociales que la defensa de derechos humanos o diversas propuestas estéticas. En una palabra, nos acercamos aquí a la militancia de audiencias conscientes que buscan espacios alternativos para extender los límites impuestos por la rígida globalización económica al tender puentes entre las diferencias étnicas, sociales y culturales. El autor se extiende en su análisis y puntual descripción en torno a las muy variadas expresiones musicales de hoy: de la world music al psychodelic trance, describe las diversas cumbres de los actuales fenómenos comunicativos; como la world beat, el Love Parade, la kraftwerk, el tecnochamanismo y otros.

Un jurado formado por Dana Gelinas, Anamari Gomís y Vicente Quirarte concedió el Premio Nacional de Ensayo Joven José Vasconcelos 2006 a este libro.

2007-01-06T14:39:00.000-06:00

La música, opción preferida de los radioescuchas capitalinos

Jóvenes entre los 10 y los 24 años de edad están expuestos al medio 10 horas diarias

Por Arturo Cruz Bárcenas

Según el análisis, las mujeres escuchan la radio más que los hombres. Se escucha radio contra la soledad, para contrarrestar el aburrimiento y, sobre todo, por entretenimiento. La música es la opción más elegida en la ciudad de México, por encima de los noticiarios u otra variante, como los deportes.
En la urbe operan 52 estaciones concesionadas (de 16 grupos radiofónicos), cada una con contenidos distintos y que conforman la Asociación Nacional de Radiodifusores del Valle de México (ARVM), que encargó a la empresa Ipsos Bimsa un estudio que comenzó en 2004 y se concretó en 2006.
Casi 12 millones de personas eligen diariamente entre un millar de programas de radio disponibles durante las 24 horas del día.
Análisis de Pearson
En otra investigación, realizada por Pearson "con los más altos estándares de investigación y supervisada por los comités de investigación y fomento de la ARVM", se muestra "una radiografía de los hábitos de los radioescuchas capitalinos mientras estamos fuera del hogar", escribe la ex presidenta del Consejo Directivo de la asociación, Karen Sánchez Abbott.
El público objetivo fue el de aquellas personas que escuchan la radio al menos 20 horas a la semana, y de éstas al menos 12 fuera del hogar. La entrevista fue cara a cara y casa por casa. Así, la radio se escucha fuera del hogar durante 3.8 horas en promedio al día; en el auto particular la media es de dos horas diarias.
En promedio, los habitantes del área metropolitana del valle de México la escuchan 39.6 horas a la semana dentro y fuera del hogar, donde los hombres la escuchan más. Las personas atienden la radio por entretenimiento, principalmente, "para hacer menos pesadas las horas laborales e informarse de lo que pasa en el mundo". La radio es un acompañante. En todos los sitios base de la encuesta (trabajo, automóvil u hogar) este medio se escucha para "no sentirse solo o para mejorar el estado de ánimo".
El porcentaje de las personas que escuchan la radio fuera del hogar llega a 30 por ciento a partir de las seis de la mañana y se mantiene con ligeras variaciones hasta las seis de la tarde. Los máximos de audiencia son entre las seis y las 11 de la mañana, y de las dos a las seis de la tarde.
Noventa y tres por ciento de los mil encuestados escucha música cuando está en el trabajo; 34, noticias; 7 por ciento, deportes; 6, contenido; 5, reporte del tránsito, y 5 por ciento, espectáculos. Los porcentajes no suman cien por ciento por tratarse de multirrespuestas. En el auto los resultados son similares: 85 por ciento, música; 31, noticias. Hay poco interés por la salud (sólo 2 por ciento).
Las mismas tendencias se observan en microbús o peseros: 97 por ciento, música; 13, noticias; reporte de tránsito, 6, y espectáculos, 3. En estos transportes, los escuchas más asiduos son empleados de nivel medio (27.1 por ciento), seguidos por estudiantes (26.3) y comerciantes (6.7).
El sondeo indica que la percepción general es que ha aumentado la flota vehicular en la ciudad. "Más automóviles significan más radios encendidas durante más tiempo".
Análisis de Ipsos Bimsa
Según el otro estudio (de percepción del medio, de Ipsos Bimsa), las mujeres escuchan más la radio (51 por ciento, contra 49 de los hombres). Treinta y tres por ciento de la audiencia tiene menos de 25 años.
A partir de la adolescencia, las personas eligen, optan. Aunque la radio goza de la preferencia de personas de todos los niveles académicos, destaca la participación de los sectores con mayor instrucción, ya que no siempre encuentran en otras alternativas (la televisión) contenidos que los satisfagan.
Es un medio que se caracteriza por la fidelidad de sus escuchas, ya que el auditorio en el cual las emisoras gozan de más apego está entre los 15 y los 24 años de edad. Cada segmento económico se identifica con alguna emisora o programa en el cuadrante, ya que es un medio incluyente.
El lugar donde se encontrará una radio encendida con mayor frecuencia es el automóvil, seguido del hogar y el trabajo. La gente busca informarse, relajarse, divertirse y encontrarse.
Los jóvenes entre 10 y 24 años están expuestos al medio a lo largo del día, con una completa permanencia entre las 9 y las 19 horas. Esto se debe a que las emisoras se actualizan todas las semanas al incorporar nuevos tracks musicales, lo que las convierte en el medio ideal para estar al tanto en las propuestas de los músicos, diyeis e intérpretes.
Para los ejecutivos (mayores de 25 años que trabajan dentro de los tres primeros niveles jerárquicos de la compañía y con personal a su cargo), el horario ideal para sintonizar la radio es por la mañana y alrededor de las ocho de la noche, tiempo en el que están en su auto. A lo largo del día, encuentran en distintas emisoras asesoría especializada que les ayuda a orientar sus decisiones y a construir una opinión sobre diferentes temas. En contraste, la televisión capta a este nicho sólo por las noches.

Tomado de La Jornada, sección Cultura, sábado, 6 de enero de 2007

LA FONOTECA NACIONAL, LISTA PARA FUNCIONAR

2007-01-02T15:59:00.000-06:00

Elvira García

A unos días de que concluyera el sexenio de Vicente Fox, Li dia Camacho, directora de Radio Educación, y Sari Bermúdez, hoy ex titular del Conaculta, organizaron una visita guiada por los edificios que conforman la Fonoteca Nacional.
Concebida desde hace buen tiempo como necesaria para albergar los miles y miles de fonogramas que existen en radiodifusoras, institutos de cultura y centros de investigación relacionados con audiocintas que rescatan memoria histórica de México, el proyecto de la Fonoteca Nacional fue puesto en papel por Lidia Camacho, que se lo presentó a la SEP y a Sari Bermúdez, quien lo incluyó en el Programa Nacional de Cultura 2001-2006.
Para el año 2002, y aún a inicios del 2003, ese proyecto se antojaba como un sueño, un ambicioso paso casi imposible de llevar a la realidad, por el costo y la complejidad técnica del mismo. Sin embargo, la urgente necesidad de que la memoria sonora de México -generada principalmente por la radio cultural- tuviese un recinto que albergara todos sus cintas, hizo posible que se le encontrara presupuesto a lo que existía sólo en el papel.
En agosto del año 2004, el gobierno de Fox asignó un inmueble a la Fonoteca. Se trataba de la Casa de Alvarado, histórica finca del siglo XVIII, en la calle de Francisco Sosa. Arquitectos, ingenieros y restauradores pusieron manos a la obra para rescatar ese espacio del deterioro en que se encontraba, invadido por plagas de toda especie. A la par se construiría un nuevo edificio.
A finales de noviembre de 2006, los trabajos de los edificios que albergarán la Fonoteca Nacional quedaron prácticamente concluidos y fueron presentados a los medios. La Casa de Alvarado y el nuevo edificio se asientan en una superficie de 6 mil 352 metros, y en la reconstrucción y creación de la obra trabajaron especialistas. Unos, en restauración de monumentos históricos, que se hicieron cargo del rescate de la casa y le devolvieron las condiciones arquitectónicas y de seguridad que garantizan su permanencia. Otros, en la construcción de bóvedas de preservación de fonogramas. Y otros más, en la arquitectura del paisaje.
Así las cosas, poca distancia de Casa de Alvarado, y sobre una superficie de mil 200 metros, se construyó un edificio de tres pisos, con todas las condiciones de humedad, de temperatura, antisismisidad y prevención de incendios. Aquí están las bóvedas donde han de resguardarse cintas, discos y todo tipo de registros analógicos y digitales; ahí también se ha creado un área dedicada a la recepción de fonogramas provenientes de todo México, así como otra que servirá para la limpieza, catalogación y digitalización de tales fonogramas, mismos que en otro espacio del edificio serán digitalizados. Una vez terminado ese proceso, los fonogramas podrán ser consultados, vía internet o ahí mismo, en la fonoteca.
En la antigua Casa de Alvarado se ha diseñado ya una audioteca y salas de lectura. También habrá aulas para talleres de capacitación y espacios para investigadores. Hay también un auditorio y áreas de cafetería. El jardín, por su parte, está siendo reconstruido por un arquitecto del paisaje que le devolverá la traza que tenía en el siglo XVIII.
La Fonoteca Nacional es ya una realidad, aunque está casi vacía. Por ahora, cuenta con un acervo de 140 mil registros analógicos, entre discos y cintas, pero tendrá la capacidad de contener un millón 340 mil de éstos. Y en lo que se refiere a registros digitales, la bóveda tiene capacidad para preservar 2 millones de horas. Hoy cuenta ya con una riqueza inicial de 10 mil, producto de la donaciones particulares y gubernamentales.
La Fonoteca dará servicio al público al final del primer trimestre de 2007, y estará abierta a todos, seamos o no especialistas en radio o investigadores. Será un recinto de disfrute y de aprendizaje del valor que tiene la memoria sonora. Sólo falta que Segio Vela, titular de Conaculta, diga quién va a dirigirla. Esperemos nombre a alguien que respete la vocación del recinto.

Tomado de www.eluniversal.com.mx, (sección Medios de por medio), martes 02 de enero de 2007

50 AÑOS DE LA CANCIÓN DE AUTOR

2006-11-29T11:10:00.000-06:00

Palabras para una música

Por Moncho Alpuente

La canción de autor española nace en París en 1956, entre el exilio y la inmigración, cuando Paco Ibáñez pone música y voz a una letrilla de Góngora, La más bella niña, bajo la influencia del que sería luego su amigo y maestro Georges Brassens. Esta fecha fundacional la suscribe Fernando González Lucini en el preámbulo de su documentada obra de reciente publicación ...Y la palabra se hizo música, que recorre al detalle 50 años de canción de autor en España. El periodo embrionario de la nueva canción se sitúa entre 1956

y 1959, cuando Raimon compone su emblemática y metafísica, Al vent, tras un inspirador viaje en moto entre su Xàtiva natal y Valencia. La censura franquista y la frontera de los Pirineos, que nos separan de Francia, como rezaba la cantinela escolar de aquellos años, impiden la difusión de las canciones de Paco fuera de los circuitos internos de la intelectualidad y la clandestinidad, mientras que la nova cançó catalana, apoyada por una industria cultural propia y centrada en la defensa de la lengua, consigue traspasar las fronteras interiores y preautonómicas y transforma en inesperado acicate el presunto inconveniente de la diferencia lingüística. La cançó servirá como punto de referencia a nuevos cantores vascos y gallegos apadrinados muchas veces por la discográfica catalana Edigsa.
La novedad y la vitalidad de la nueva canción suscitará, a finales de los años sesenta, el interés de las compañías discográficas nacionales que siempre habían desconfiado de lo que despectivamente llamaban "canción protesta", acertando casi siempre, porque la mayor parte de los cantantes-autores (el apócope cantautor aún no ha sido acuñado) se vinculan en lo personal y en lo artístico con la izquierda antifranquista.
El retorno de Paco Ibáñez en 1968 y el éxito impredecible de su Andaluces de Jaén, sobre un poema de Miguel Hernández, marcan el momento álgido del movimiento de la canción de autor, promovido y representado por agrupaciones como Els Setze Jutges en Cataluña, Ez Dok Amairu en Euzkadi, Voces Ceibes en Galicia o Canción del Pueblo en Madrid. La industria discográfica intentará explotar la veta con la invención de nuevos artistas y espúreas denominaciones de origen: "nueva canción castellana", "extremeña"... Una nueva etiqueta importada de Estados Unidos, folk, propiciará la aparición de solistas y grupos provistos de instrumentos acústicos y dispuestos a buscar las raíces del folclore sin entrar en controversias políticas ni tentar a la censura que se ceba con los supuestos cantantes de protesta. Con Paco Ibáñez el arco de poetas musicables se amplía, de Góngora y Quevedo a Gabriel Celaya, Blas de Otero, Cernuda o José Agustín Goytisolo pasando por Lorca, Hernández y Machado, introducido en el repertorio del gran público por las versiones de Joan Manuel Serrat.
Entre la clandestinidad de los recitales en universidades y centros obreros y el éxito popular de algunos de los suyos, la canción de autor evoluciona y amplía sus referencias, la influencia de Brassens, Brel y los cantantes poéticos franceses deja paso al influjo del folk estadounidense revitalizado y puesto al día por Bob Dylan y Joan Baez, herederos de la tradición luchadora de Woody Guthrie y Pete Seeger. La pauta la marcará otra vez Barcelona con el Grup de Folk, miscelánea agrupación de la que surgirán artistas como Maria del Mar Bonet, Pau Riba o Sisa. Hay una línea divisoria, imperceptible a primera vista, que separa los productos del folk comercial, como María Ostiz, de los genuinos representantes de la "protesta" cantada. En todos los rincones peninsulares e insulares cantantes autores, musicadores de poetas y recuperadores del folclore compiten en igualdad con las corrientes en boga de la música ligera, con el rock, el pop y sus múltiples variantes. En el inicio de la década de los setenta la canción de autor ofrece una importante nómina de artistas, a los "clásicos", Raimon, Serrat, Ibáñez, se les suman Llach, Aute, Víctor Manuel, Pablo Guerrero, María del Mar Bonet, Ovidi Montllor, Carlos Cano... en los pequeños circuitos y en los grandes escenarios, los cantautores se reproducen en vísperas de un cambio de régimen alentado y adelantado por ellos con sus obras.
A la muerte del dictador los cantautores se sitúan en la cresta de la ola, las canciones prohibidas se corean en público y los artistas perseguidos reciben su desagravio en loor de multitudes y participan activamente en la primera campaña electoral en apoyo de coaliciones y partidos de izquierda. Para muchos de ellos será el canto del cisne, pronto el término cantautor perderá su prestigio, identificado, confundido, con una forma de hacer en la que el fondo prevalece sobre la forma, la letra sobre la música. A su significado estricto: cantante que interpreta sus propias composiciones o pone música a versos ajenos, la palabra cantautor incorpora una pesada rémora hasta el punto de que muchos de sus representantes más característicos y carismáticos huirán y se desdecirán de su condición.
En los años de la movida la canción de autor sobrevive reducida otra vez a pequeños escenarios urbanos donde no caben los instrumentos electrónicos y los decibelios de los grupos de la moda juvenil. A contracorriente y desde las catacumbas una nueva generación de cantautores sin etiquetas se prepara para un nuevo asalto guitarra en ristre combinando músicas y palabras incipientes, el éxito de Joaquín Sabina, irónico y ecléctico, alienta a los catecúmenos y derriba incómodas e injustas barreras.
Ensalzada y vilipendiada, perseguida y celebrada, la canción de autor española de la segunda mitad del siglo XX, al margen de su no siempre reconocida relevancia artística, ha sido parte integrante y vital de los movimientos sociales que lucharon contra la dictadura y a favor de una libertad de expresión que hoy siguen defendiendo activamente nuevos y numerosos cantautores que hacen memoria de este tiempo como dice el poeta Luis García Montero, citado en el libro de Fernando González Lucini: "...La memoria vive en las huellas que deja el tiempo sobre la arena, o en los estribillos que dejan las canciones sobre la historia".

Fuente de texto e ilustración: Babelia, suplemento del diario El País, sábado 25 de noviembre de 2006.

FESTIVAL X-TACIÓN DE MÚSICA 2006

2006-11-21T17:58:00.000-06:00

ARRANCA FESTIVAL X-TACIÓN DE MÚSICA 2006
En su segunda edición participan grupos de danza, música y artistas plásticos

¿Qué es la música sino un arreglo de memoria, una oración a la nostalgia?
¿Qué es una estación sino un punto de llegadas y partidas, de reencuentros y adioses, de inicio y fin del viaje?

Con la participación de 15 grupos musicales y de danza provenientes de distintos lugares del estado y de la Ciudad de México, el próximo domingo 26 de noviembre se llevará a cabo el Festival X-Tación de Música 2006 en las instalaciones de la antigua estación de trenes de Oaxaca.
El Festival está concebido como una fiesta de entrada libre para el pueblo oaxaqueño; por lo tanto, para llevar a cabo dicho evento se han sumado los esfuerzos de instituciones independientes como el Museo del Ferrocarril Mexicano del Sur, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, la Fonoteca Eduardo Mata, Instrumenta Oaxaca, Arcano 14, Zon Producciones y Mogote Producciones; así como de distintos artistas, empresarios y promotores culturales de nuestra ciudad.
De esta forma se pretende dar continuidad a la primera edición de este festival que se realizó el 9 de noviembre de 2003.
X-Tación de Música 2006 presentará diversas expresiones musicales repartidas en dos grandes escenarios: las otrora áreas de andenes y de carga de la antigua estación de ferrocarril. Además se proyectarán películas y cortometrajes relacionados con este histórico medio de transporte y se realizará una exposición colectiva de reconocidos artistas plásticos oaxaqueños; esto dentro del espacio que ofrecen dos viejos vagones adaptados como sala de proyección y galería, respectivamente.
Por otra parte, en los jardines se ubicará un tianguis tradicional para la venta de libros, discos, comida y antojitos.
Como cierre del festival, el grupo mexicano Nine Rain presenta su más reciente disco: México Woke Up, luego de su exitosa presentación en el Teatro de la Ciudad de México el pasado 21 de octubre.

Los trenes, vehículos de cruce y encuentro
Una estación de ferrocarriles con 100 años de historia y de historias, un centro de flujos, de encuentros de antaño. Hoy, sin el bullicio de vagones en marcha, la antigua estación es un foro, un teatro “encontrado”, un lugar ideal donde la música en vivo tendrá resonancia con el pasado. La misma música será un modo de viajar.
El vaivén de trenes, el fluir de pasajeros y vagones hoy vueltos episodios sonoros. La música es la maquinaria que nos hará viajar en domingo sobre estos rieles.~

Los participantes:

Sursum Corda
Factor Antígeno
The Dark Beyond
Nunduva Yaa Ensamble
Taller de Son Tapacamino
Compañía De Danza Contemporánea
Grupo de Danza y Percusión Oxchú
Los Prendidos
Chinos Libres
Son Gubidxa
El Gabinete
Nine Rain
_____________________________

Contra los vicios y el aire gris que se respiran en Oaxaca, contra el silencio y la estridencia, hay aún bastiones que valen la pena para el pueblo civilizado, para la lectura, la palabra, la música. En este noviembre de agravios entrecruzados queremos construir un "respiro espiritual" sobre rieles con esta segunda edición de X-tación de música: Los organizadores:

Museo del Ferrocarril Mexicano del Sur
Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca
Fonoteca Eduardo Mata
Mogote Producciones
Instrumenta Oaxaca
Zon Producciones
Arcano 14

GRABACIÓN: PRIMER ENCUENTRO NACIONAL DE MÚSICA TRADICIONAL

2006-11-18T19:15:00.000-06:00

Los grupos musicales que participaron en el encuentro han empleado una serie de estrategias para difundir su música y son promotores culturales.

Notimex, México, DF: El intercambio de ideas y la música popular ejecutada durante el Primer Encuentro Nacional de Intérpretes y Promotores de la Música Tradicional Mexicana quedaron grabados en el DVD y el CD “Son Raíz. Concierto de Música Tradicional”.
La víspera fueron presentados ambos materiales que resguardan lo acontecido en el acto efectuado en diciembre de 2004 en Pátzcuaro, Michoacán, donde participaron promotores y grupos musicales de seis regiones culturales de México: Huasteca, Sierra Gorda, Sotavento, Purépecha, Tierra Caliente y Yoreme.
En esa ocasión, los participantes compartieron reflexiones sobre la música tradicional como eje de identidad y acordaron estrategias para recuperar el sentido de estas expresiones dentro de sus comunidades y colocarla en los medios de comunicación masiva como parte del patrimonio cultural del país.
Durante la presentación del DVD y el CD, la directora de Vinculación Regional del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Amparo Sevilla, expresó su orgullo y satisfacción por la aparición de ambos materiales.
Recordó que se trata del registro de las actividades del encuentro que se encaminó a “retomar el profundo sentido filosófico y la riqueza de la música tradicional como formadora de identidad”.
Los grupos musicales que participaron en el encuentro, dijo, son promotores culturales que han empleado una serie de estrategias para difundir su música.
En tanto, el DVD y el CD servirán como material didáctico para los músicos comunitarios, por lo que niños, jóvenes y adultos conocerán de las regiones culturales y conciertos y entrevistas de reconocidos promotores, quienes explican el simbolismo que envuelve cada género musical, añadió.
El CD contiene 16 piezas grabadas en vivo, que incluyen géneros musicales como el son huasteco y jarocho; sones del venado y pascola, de mayos y yaquis; y música tradicional purépecha, como las pirecuas, son calentano, gustos, décimas y son arribeño.
Por su parte, Ismael García Marcelino, maestro de purépecha, explicó la importancia de cada uno de los ingredientes que conforman una festividad tradicional: los bailarines, la comida, la música y el mezcal.
“La vinculación entre la danza y la música tradicional tiene una razón de ser sólo sí se les relaciona con el sentido de la celebración, la fecha, el sitio, la gente y organización natural conque se hace esa festividad; es decir con el conciente comunitario por delante”, anotó.

CONCIERTO PARA NIÑOS SORDOS

2006-11-16T19:02:00.000-06:00

Aturo Espinosa

Aunque suena imposible, la Orquesta Juvenil del Estado de México ofreció el martes por primera vez un concierto para sordos que inundó la Sala Felipe Villanueva no sólo de melodías, sino de globos y felicidad callada.
No fue un concierto común, pues los 300 niños con discapacidad auditiva que participaron en él, "escucharon" la música de una manera muy peculiar... a través de los globos inflados. Todos los niños y sus papás sostuvieron la esfera entre sus manos; pasados unos segundos, las sonrisas no se hicieron esperar cuando el sonido de los instrumentos hizo vibrar los globos para permitirles "sentir" el concierto. Algunos de los menores se instalaron en la duela donde se coloca la orquesta para percibir mejor las vibraciones. Los aplausos de los menores no se hicieron esperar, al estilo de los sordomudos: levantando las manos y moviendo sus dedos en silencio. Fueron tres las piezas que se interpretaron en el recital, que tuvo una duración de 50 minutos, el Huapango, de Moncayo, La fuerza del destino, de Verdi y una obertura de la Sinfonía en Mi menor de Dvorak. Además, los jóvenes músicos también mostraron a los niños sus instrumentos, desde las violas y violines, hasta el arpa y los fagotes. "No me dijeron que era para niños con discapacidad, me dijeron que era un concierto didáctico. Estoy muy emocionado porque espero que les sirva", explicó Héctor Sámano, violinista de la orquesta que reúne a 70 músicos.
Lorenzo Medina, coordinador del Programa de Discapacidad y Cultura, explicó que los globos inflados tienen una estructura similar a la del oído humano, pues vibran con el sonido. "No puedo mentir, no pueden escuchar la música, pero sí pueden sentir los sonidos y las vibraciones de los instrumentos, además de que los acerca a la formación de una orquesta en un escenario. "Ésta es la primera vez que hacemos esto y esperamos que dentro de su silencio les guste este mundo maravilloso", comentó Medina.

Tomado del diario Reforma, 16 de noviembre de 2006

PRESIONA INTERNET A INDUSTRIA DEL CD

2006-11-10T13:19:00.000-06:00

Acepta Nick Gold, productor de "world music", que el cambio tecnológico los ha desbordado

Por María Eugenia Sevilla

Nick Gold, músico y productor inglés del sello World Circuit, acompañado por el pianista cubano Rubén González. Fotografía: Christina Jaspars / cortesía Discos Corasón para el diario Reforma

Considerado un visionario por acrisolar el término de world music, con el que descubrió estrellas como los Buena Vista Social Club para el mercado internacional, Nick Gold, director del sello World Circuit que cumple 20 años, confiesa no saber qué hacer ante el cambio tecnológico que está desplazando al disco por la descarga de música en internet."
No sé en qué dirección ir", reconoce el empresario inglés, quien en entrevista telefónica desde Londres se dice preocupado al desconocer qué pasará con la figura del productor, con la que por dos décadas ha conceptualizado los discos como objetos y productos musicales completos."
La magnitud del cambio fue un shock", afirma el productor, quien no puede recordar cuántos grupos ha grabado en estas dos décadas."
Es un problema muy muy difícil, creo que nadie sabe a dónde va todo esto; especialmente lo es para mí, porque durante 20 años hemos trabajado muy duro para crear algo que funcionara como CD".
Cuando se le pregunta por las estrategias a seguir para hacer frente a un futuro que ya ha provocado el colapso de disqueras en todo el mundo, Gold responde que su fuerte no es la tecnología."
Me siento un dinosaurio", admite. "A mi hijo de 10 años no le interesan ya los CDs, que para mí fueron una revolución, y ahora tengo que aprender". "Nos estamos adaptando muy lentamente (...) Estamos tratando de que la música pueda descargarse en sitios de internet legítimos".
Mary Farquharson, fundadora con Anne Hunt de World Circuit, admite también ignorar el rumbo que deben tomar ahora sellos como aquél y como el mexicano Discos Corasón, que bajo su dirección representa a World Circuit en el País.
La periodista inglesa reconoce que no logra entender las nuevas formas de consumo cultural y tecnológico para adaptarse al cambio de paradigma."
Somos necios con el disco porque es nuestro mundo, nuestra pasión; vamos a cambiar, pero le toca a otras generaciones abrir brecha".
Farquharson admite que la música del mundo nunca ha sido un gran negocio, pero aclara que aún no ha sido golpeada por la alternativa virtual." Nos ha golpeado más la piratería", considera, y se dice optimista porque su público va en aumento.

En torno a 1984, Farquharson y Hunt organizaban giras en el Reino Unido de músicos extranjeros que eran afamados en sus países de origen, pero desconocidos fuera.
En 1987 ambas convencieron a Gold —talentoso trompetista que nunca había laborado en un sello discográfico— de dirigir sin sueldo una disquera inexistente que buscaría dar permanencia y proyección internacional a esos músicos."
No fabricamos artistas, no presentamos música exótica, sino buena música", subraya la empresaria, quien con Hunt y Gold creó la denominación musical que, si bien ha sido criticada por su vaguedad, permitió introducir la pluralidad étnica, folclórica y de fusión contemporánea al mercado, a la vez que el compositor y cantante pop Peter Gabriel lanzaba el sello Real World, con el mismo perfil."
Era un momento fabuloso (en Inglaterra) porque toda esa escena estaba sucediendo simultáneamente; no sé si tenía que ver con el post punk", señala la pionera, quien recuerda que en aquella ebullición Gabriel tuvo que hacer algunas presentaciones para reunir fondos y pagar las deudas que dejó el recital del grupo Musicians of the Nile en 1985.
Gold también se declara optimista ante el futuro en tanto el sello difunde y produce no sólo a artistas de calidad, sino que logra registrar una energía poco usual en las grabaciones de estudio."
Lo logramos al provocar reacciones entre los músicos; como cuando grabamos Afro Cuban All Stars, añadimos un poco de tensión al reunir generaciones distintas en el estudio, de modo que los jóvenes se superaban al tocar con sus héroes. Siempre tratamos de captar eso que constituye la razón para querer grabar".

Tomado del diario Reforma, Ciudad de México, 08 de noviembre de 2006

DE SON A SON

2006-09-25T15:09:00.000-05:00

Son Gubidxa: Rosita. Autor: Juan Stubi. Track 5

canción popular de Juchitán, en zapoteco

Por Luis Manuel Amador

A quienes fuimos testigos de los ensayos y arrebatos musicales registrados en casa de Anastasio Hernández nos costaba trabajo pensar que el grupo sobreviviría un año. Corría el mes de octubre de 1995. Las razones, contradictoriamente, eran la estrechísima amistad de quienes comenzaban a reunirse en torno de ese misterioso proyecto sin nombre y los forcejeos del talento en común unido a una rara disposición para acordar sus términos musicales definitivos. Los que se reunían entonces llevaban años de recorrer diversas agrupaciones artísticas en el Istmo de Tehuantepec, cada uno por su lado, y mucho más tiempo de conocerse en la amistad generosa amparada por discos escuchados, guitarras, versos, amigos y nombres de muchachas.

Tiempo después la mitad de los miembros originales, desesperados, desidiosos o cuya batería agotó sus reservas, se dedicó a otra cosa y colgó su instrumento en un armario, firmó contrato con otro grupo musical o se alejó de los micrófonos y de las citas para los futuros ensayos. Algunos asumieron la apuesta arriesgando sus dos únicos capitales: la certidumbre de la determinación y su amor por la música. En 1997 el grupo asistió, a iniciativa de Chuchumbé A.C. (organización musical pro rescate y promoción del son tradicional veracruzano), como invitado al IV Festival de Música Tradicional Jarocha. Ese fue el comienzo de una serie de presentaciones en público de Son Gubidxa en la escena que le correspondía.

El grupo se fue asentando y madurando en su propuesta. Quienes asistimos a sus primeros ensayos ya no podíamos permitirnos la libertad de dejar de seguirlos, de escucharlos cada vezque pudiéramos, así fuera sobre los foros públicos o en el patio de una casa. Así, nuestro escepticismo del principio se hizo el reclamo de un disco que les pedíamos todos cada vez, más desesperados por su posposición que ellos por editarlo. Tuvieron que pasar más de diez años para que este grupo juchiteco grabara su primer disco: De son a son... un homenaje, y el resultado ha valido la pena. Integrado por doce piezas musicales, esta grabación recoge diversas voces del panorama musical oaxaqueño (istmeño) y veracruzano. Si la voz de los poetas también es parte de la música regional del Istmo y del Sotavento, ¿por qué no incluir poemas, musicalizados o hablados? Si el anonimato amenaza con sepultar a los poetas que, sin leer ni escribir (Pedru Baxha, Juan Stubi), dejaron sus luminosas canciones como testimonio de su paso por la tierra, ¿por qué no considerar su inclusión en un disco de música? Esto es parte de lo que ha realizado Son Gubidxa, porque también es un homenaje a los poetas que han aprendido a considerar como suyos y de todos.

Hay igualmente alguna pieza, de entre las doce, que son obra de un compositor singular y brillante que nació en Jáltipan: David Haro. El día de la presentación del disco en Juchitán, el cantautor veracruzano —entusiasta de esta agrupación istmeña— no se conformó con cantar con ellos en el foro; asumió el papel de un animador antisolemne que subió cual rumbero con maracas en mano ante una multitud que no cesaba de bailar.

Son Gubidxa es una extraña y afortunada suerte de fusión que promueve y contagia, donde se pare, los ritmos afrocaribeños y la música del Istmo de Tehuantepec (en español y en zapoteco) con los aires del sotavento. Son Gubidxa significa Son del sol, “la ambivalencia del término nos lleva a concluir, por una parte: hijos del sol, y por la otra: canto del sol”, que da testimonio de los sonidos del mundo, de las “alegrías y tristezas que cotidianamente acontecen”, apunta Jorge Katz.

En el camino musical que les ha correspondido, los integrantes de Son Gubidxa han decidido seguir siéndole fieles a las raíces compartidas del mestizaje sobre la tierra, y ahora, bajo la luz del árbol solar del trópico, este es el primer disco que certifica con creces la apuesta de los que se reunieron hace más de diez años a ensayar su derrotero en un pueblo donde las fiestas y la música nunca terminan.~

EL 5 DE SEPTIEMBRE DE EDUARDO MATA

2006-09-05T17:56:00.000-05:00

Luis Manuel Amador

Un músico nació en la Ciudad de México el día que una ciudad de Oaxaca conmemoraba la victoria contra una invasión militar en su incursión fallida. El 5 de septiembre de 1866 el pueblo de Juchitán libró la batalla donde venció al mejor ejército del mundo en l siglo XIX. Ahora, en 2006, Juchitán de Zaragoza asumirá el adjetivo "Heróica" como prefijo. La ceremonia oficial para la erección del nombre se pospuso y, mientras todo sucede, el músico nacido en la misma fecha continúa viviendo en la voluntad de la memoria y de un acervo musical. La Fonoteca Eduardo Mata comparte una semblanza de este maestro, oaxaqueño adoptivo, que por devoción hizo de Oaxaca su ritual de pasaje para consagrarse a la música.

Eduardo Mata Asiaín nació el 5 de septiembre de 1942, en México, D.F. y fue un reconocido músico y director de orquesta. Estudió composición en el Conservatorio Nacional, donde fue alumno de Carlos Chávez. Fue jefe del Departamento de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), de 1965 a 1972, y asesor artístico y director de Ópera del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) durante los años 1972-1985.

Fue director residente en el Festival del Berkshire Music Center (1964), director permanente de la Sinfónica de Guadalajara, director artístico de la Sinfónica de la UNAM (que transformó en Filarmónica), director residente de la Sinfónica de Phoenix (1974-78), director musical de la Sinfónica de Dallas(1977-), director temporal de la Sinfónica de Londres (desde 1974) en giras por Bulgaria, Austria y México; director invitado de la Juvenil Italiana (1986-87) y director huésped de diversas orquestas de Alemania, Japón, Suecia, Dinamarca, Italia, España, Holanda y los Estados Unidos de Norteamérica. En 1986, durante el Festival Internacional Cervantino, dirigió los conciertos de Brandenburgo con una orquesta de cámara formada expresamente para esa presentación.

Autor de Trío para Vaughan Williams (1957), Sonata para piano (1960), Improvisaciones para clarinete y piano (1961), Sinfonía N° 1, Clásica (1962), la Suite para Ballet Dévora (1963), Sinfonía N° 2, Romántica (1963), el Ballet Los Huesos Secos (1963), Improvisación para cuarteto de cuerdas y piano a cuatro manos (1964), Aires (1964), Improvisación para violín y piano (1965), Sonata para Cello (1966), Sinfonía N° 3 para alientos y como obligado (1966), entre otras obras. Fue miembro de El Colegio Nacional desde 1984.

Eduardo Mata llegó a la ciudad de Oaxaca a los 5 años de edad cuando su padre, Federico Mata Sarmiento, fue nombrado Jefe de Hacienda por el presidente Miguel Alemán.

Don Federico Mata nació en Oaxaca, en el Barrio de los siete príncipes. Después de una prolongada ausencia regresó a su tierra natal junto con su esposa, Ana María Asiaín, y sus hijos Federico, Ana María y Eduardo.

Eduardo Mata inició su educación musical en Oaxaca, al escuchar a la Banda de Música del Estado en los días cuando acompañaba a su nana a las clases de música de ésta. A la edad de 11 años regresó con su familia a la Ciudad de México.

A pesar de sus múltiples compromisos, siempre se dio tiempo para regresar a la tierra de su infancia. A la edad de 16 años dirigió a la banda de música del estado en un concierto dominical.

En 1976 trajo al Teatro Macedonio Alcalá, a la Orquesta Nueva Filarmónica de Londres. En 1982 volvió a inaugurar el Festival de Primavera, para celebrar los 450 años de la fundación de la ciudad de Oaxaca, así como cada año, hasta 1985, para dirigir la Banda de Música del Estado y a una pequeña orquesta integrada por músicos oaxaqueños, en el Teatro Álvaro Carrillo. Entre fines de los ochenta y principios de los noventa apoyó al Patronato para la restauración del órgano de Tlacochahuaya.

En Octubre de 1993 dirigió a La Camerata y al pianista Alberto Cruzprieto en el exconvento de Santo Domingo (concierto que quedó grabado en un disco compacto). Después de ese concierto firmó ante notario su ingreso como miembro del Pro-Oax, para sumarse a los trabajos de esta Asociación Civil.

En 1994 dirigió a los solistas de México, a beneficio de la restauración del Teatro Macedonio Alcalá, de Oaxaca. Desde que regresó a su país, en 1993, Mata tenía en mente múltiples proyectos: volver a la composición, impartir seminarios de dirección orquestal, formar músicos mexicanos, dirigir obras de nuevos compositores nacionales, realizar giras internacionales con solistas de México, grabar una serie integral de música Iberoamericana. Uno de los proyectos que más lo entusiasmó fue la fundación de una fonoteca y una escuela de música en Oaxaca.

El 4 de enero de 1995 una aeronave Piper Aerostar pretendía surcar el cielo por la ruta que va de Cuernavaca a Dallas. Tras despegar de la pista, el aeroplano sufrió la avería de un motor y se estrelló intentando, en vano, un aterrizaje forzoso. Eduardo Mata no era pasajero de la nave que cobró la vida de las personas a bordo del vuelo: él conducía la nave, y no hubo sobrevivientes. La muerte lo sorprendió dos años antes de ver realizado uno de sus anhelos, la fonoteca que hoy perdura gracias a su generosidad, y que lleva su nombre.

Primer movimiento (Allegro, 5:14). Symphony No 9 in E-flat Major, Dmitri Shostakovich. The Dallas Symphony Orchestra. Director: Eduardo Mata

LA VANGUARDIA ES UN CALLEJÓN SIN SALIDA

2006-08-25T22:31:00.000-05:00

Por Rodrigo Carrizo Couto
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Pianista, cantante, arreglista y director de cine, el francés Michel Legrand es, sobre todo, uno de los grandes compositores de música para películas.
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Michel Legrand pertenece a esa extraña categoría de músicos cuya obra es conocida en los cinco continentes, pero pocas son las personas que podrían ponerle nombre o cara al autor de esas melodías. Nacido en París en 1932 en el seno de una familia de la burguesía armenia de la diáspora, Legrand se formó como pianista clásico bajo la dirección de Nadia Boulanger (quien tuviera alumnos tan célebres como Astor Piazzolla, Egberto Gismonti o Quincy Jones). Comenzó su carrera en el jazz y la canción popular para más tarde dedicarse al cine trabajando con Jean-Luc Godard, Claude Lelouch, Louis Malle o Robert Altman. Reinventor de la comedia musical junto a Jacques Demy (Las señoritas de Rochefort o Los paraguas de Cherburgo), Legrand ganó tres oscars por la música de Verano del 42, de Robert Mulligan; El Caso Thomas Crown, de Norman Jewison, y Yentl, de Barbra Streisand. El veterano músico no es un hombre que se trague las palabras ni caiga en la falsa modestia. Calificado de “intransigente y sin ninguna diplomacia”, Legrand recibió a Babelia antes de su concierto en el Casino de Montreux.

PREGUNTA. Usted tuvo una relación muy especial con el gran pianista Bill Evans, quien interpretó y grabó muchas de sus composiciones. ¿Cómo nació esa relación?

RESPUESTA. Bill Evans descubrió mis temas a través de un editor que era un amigo común y se convirtió con el tiempo en uno de los mejores embajadores de mi música. Bill me pidió que le compusiera un concierto para piano y orquesta. Pero me dijo: “Por favor, hazlo fácil de leer y tocar porque no tengo mucha técnica”. Lamentablemente, murió antes de que pudiera hacer su sueño realidad.

P. Su actividad es apabullante. Director, pianista, compositor, arreglista, cantante e incluso cineasta. ¿Cuál es su secreto?

R. Lo que me interesa es evolucionar en todas las disciplinas posibles en música. Yo quería saber orquestar, arreglar, tocar jazz y clásica, cantar y trabajar para la televisión y el cine. Yo quería saberlo todo. De hecho, mi trabajo se divide en fases muy claras. Durante los años cincuenta me dediqué a la industria del disco, con trabajos en Francia y Estados Unidos. En los sesenta trabajé para los cineastas de la nouvelle vague con los que compuse la música de más de cien películas. En los setenta fue mi periodo americano. Tuve suerte, mi primera banda sonora allí ganó un oscar. Fue El Caso Thomas Crown, y ese premio me abrió todas las puertas. Cada fase me ha permitido explorar una disciplina diferente. Puede decirse que soy un debutante perpetuo. Cuando alcanzo la gloria en una determinada rama de la creación, me paro. A llegar a la cumbre de un arte es muy fácil ir cuesta abajo.

P. Un compositor español de música de cine dijo una vez que si la música de una película es memorable o toma demasiado protagonismo está mal hecha. ¿Qué le respondería?

R. Ese hombre debe ser un imbécil. Lo principal en la música de cine es que sea bella, que sirva a la película y que se tenga en pie fuera de la pantalla. La música de cine debe poder tocarse fuera del contexto de una proyección, si no es que algo falla. Es un segundo diálogo, que nos habla y nos dice cosas. En ese diálogo está la esencia del trabajo del compositor.

P. ¿Hay compositores actuales de cine que le interesen?

R. No encuentro a ningún buen compositor de cine hoy día. Sólo quedan John Williams y Ennio Morricone, aunque éste últimamente a veces me aburre.

P. Su obra se mantiene en general dentro de la tonalidad más clásica y melódica. ¿Cuál ha sido su relación con las vanguardias del siglo XX?

R. Las conozco muy bien. La vanguardia musical es un callejón sin salida. El atonalismo, el serialismo y las músicas experimentales están muertas. La obra de gente como Boulez o Stockhausen me parece a menudo algo muy parecido a una estafa. Lo bueno es que comenzamos a darnos cuenta del fraude. Pienso que el lenguaje futuro de la música estará cercana al trabajo de los grandes maestros del pasado. Pocos son los compositores de hoy que sepan improvisar una fuga a cuatro voces a la manera de Bach. Hay que saber hacer las cosas de la forma canónica, si no uno no puede crecer ni considerarse un verdadero creador.

P. ¿Cuáles son sus proyectos actuales?

R. Ahora estoy fascinado con la idea de montar comedias musicales para la escena, tras todas las que hice para el cine. Trabajo en una serie de musicales que se estrenarán en París, Londres y Nueva York. Uno retoma el tema del Conde de Montecristo y el otro habla del caso Dreyfuss.

P. ¿Cree que su música le sobrevivirá dentro de 50 años?

R. No me interesa la eternidad. No tengo ninguna ambición de dejar "obra" detrás. ¡Lo único que me gustaría poder dejar al morir son deudas! (risas).
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Fuente: Babelia, suplemento semanal de El Pais, España, sábado, 26 de agosto, 2006

VIDA Y OBRA DE FRANZ JOSEPH HAYDN

2006-07-28T20:51:00.000-05:00

Con la colaboración de Ixchel Dzohara Gutiérrez

.Franz Joseph Haydn: Concierto para violonchelo en C
Orquesta de la Academia de St. Martin in the Fields.

Rostropovich - Haydn 3er Movimiento [1]

Rostropovich - Haydn 3er Movimiento [2]

FRANZ JOSEPH HAYDN

(Roharu an der Leitha, 31 de marzo de 1732 - Viena, 31 de mayo de 1809).

Junto con Mozart, Haydn está considerado como el máximo compositor del periodo clasicista de la música y uno de los más grandes compositores de este género. Se le considera el padre de la sinfonía y del cuarteto tal como los conocemos en la actualidad. También fue innovador en definir la forma de la sonata y de componer sonatas para teclado y tríos para piano.

Nació en una pequeña población cerca de la frontera con Hungría, fue el segundo de los doce hijos de Matthias Haydn y Anna Maria Koller. El padre era fabricante y reparador de carros al servicio del conde Harrach.

En 1740 Haydn alcanzó la edad y la voz en la que ya no pudo alcanzar tonos agudos, por lo que fue despedido del coro. Unos amigos lo acogieron en su casa, y decidió convertirse en músico. Transcurrieron diez años difíciles en los que tuvo que trabajar en diversos empleos relacionados con la música. Uno de ellos fue como sirviente y acompañante de un compositor italiano. No obstante, Haydn sacó partido de estos años y fue adquiriendo mayores conocimientos, hasta el punto en que compuso sus primeros cuartetos de cuerda y su primera ópera. Paulatinamente, su reputación como compositor empezó a desarrollarse.

Al final de este período, en 1759, Haydn recibió una oferta de empleo importante, que fue la de director musical del conde Morzin. Su misión consistía en dirigir la pequeña orquesta del conde y programar la música para cada evento. Al mismo tiempo componía. Escribió sus primeras sinfonías para orquesta. El conde Morzin padecía dificultades económicas, y a los dos años despidió a todos sus músicos. Haydn encontró enseguida un empleo similar como asistente del director musical de la familia Esterházy, una de las más ricas e influyentes del imperio austriaco, que residía el invierno en Viena y el verano en dos palacios de su propiedad, uno al sur de la capital y otro en Hungría. En su nuevo cargo, Haydn tuvo una gran responsabilidad que consistía en componer música para cada ocasión, dirigir la orquesta, interpretar música de cámara con miembros de la orquesta y también de la familia, también organizar el montaje de óperas. A pesar del intenso trabajo, Haydn se consideró un hombre afortunado. Los Esterházy eran amantes y conocedores de la música y le dieron todo el apoyo que necesitaba para su labor, incluso su propia pequeña orquesta.

Al ver que su situación era estable, Haydn se casó en 1760, pero el matrimonio no se entendía y nunca tuvo hijos. Por el contrario, tuvo una larga relación sentimental con una cantante de los Esterházy, con la que, según algunos biógrafos, tuvo uno o varios hijos.

Transcurrieron casi 30 años en los que Haydn trabajó en este cargo y en los que compuso un sinfín de obras. A lo largo de este tiempo su estilo fue desarrollándose y su popularidad fue creciendo. Llegó a componer tantas obras para su publicación como para los Esterházy, tan conocidas actualmente como sus Sinfonías de París, que fueron compuestas en aquellos años. En 1781 Haydn estableció una estrecha amistad con Mozart, sobre cuyo trabajo había tenido alguna en los años anteriores. Sintió una gran admiración por Mozart y por la maestría con la que éste había escrito sus recientes óperas y conciertos. Mozart se esforzaba en componer música de cámara que estuviese, en su opinión, a la altura de la de Haydn, a quien dedicó unos cuartetos de cuerda.

En 1790 murió el patriarca de los Esterházy y su sucesor resultó ser un hombre sin interés por la música. Despidió a la orquesta y jubiló a Haydn. Por ello Haydn aceptó la oferta de un empresario musical alemán para viajar a Inglaterra y dirigir sus nuevas sinfonías con una gran orquesta. Su estancia en ese país fue un éxito, alcanzó fama y considerables ingresos. En Inglaterra compuso también algunas de sus obras más sobresalientes, como las Sinfonías de Londres (entre ellas la Sinfonía nº 104 "Londres") y las Sinfonías Militares, el Cuarteto Reiter o el Rondó Gitano para trío con piano.

Habiendo considerado quedarse en Inglaterra, Haydn finalmente volvió a Viena, donde se hizo construir una gran casa y decidió dedicarse a la composición de música sacra. Escribió dos grandes obras: el Oratorio La Creación y el Oratorio Las Estaciones, así como seis Misas. También compuso los últimos nueve Cuartetos de cuerda. A partir de 1782 una enfermedad que había tenido volvió a aparecer y se desarrolló a tal grado que ya no era capaz de componer, si bien en su mente las ideas de nuevas obras fluían. A pesar de estar bien cuidado y no faltarle nada, así como amigos y el aprecio como músico, debió pasar sus últimos años entristecido por no poder trabajar en sus obras.

Haydn murió a los 77 años de edad, mientras Viena era atacada por las tropas de Napoleón. Sus últimas palabras las dirigió a sus sirvientes para tranquilizarlos acerca de las bombas que caían sobre la ciudad.

Fuente: http://es.wikipedia.org/

SOBRE JEAN BIRKIN Y SU ÚLTIMO CD: FICTIONS

2006-07-20T13:05:00.000-05:00

Jane Birkin, Vanessa Paradis

& Alain Lanty: La ballade de Johnny

Por Eduardo Berti

Los franceses suelen decir, no sin sarcasmo, que la expresión “cocina inglesa” es un oxímoron. Los ingleses podrían muy bien replicar lo mismo acerca del “rock francés”. Que la cultura racionalista francesa parece llevarse muy mal con el espíritu del rock no es novedad, basta y sobra con ver la actitud de Godard filmando a los Rolling Stones... Claro que toda regla tiene una excepción; y la brillante excepción es Serge Gainsbourg. A quince años de su muerte, varios artistas de peso internacional (Franz Ferdinand, Michael Stipe, Karen Elson, Portishead, Placebo y Marianne Faithfull, entre otros) acaban de rendirle tributo a través de un CD, Monsieur Gainsbourg, donde versionan algunas de sus mejores composiciones. Es la primera vez, desde el auge de Brel, Brassens, Aznavour y Leo Ferré en los 70, que un cantautor francés obtiene semejante reconocimiento (póstumo o no) desde la otra orilla del canal de la Mancha. Y como no podía ser de otra forma, en la foto de cubierta Gainsbourg aparece, en un vieja foto de corte “retrofuturista”, al lado de la actriz y cantante británica Jane Birkin, durante años su mujer y también la madre de Charlotte Gainsbourg.

Gainsbourg y Birkin, mítica pareja si las hay, se conocieron en 1968, durante el rodaje de la película Slogan. Ella tenía apenas 22 años, no hablaba una gota de francés (hoy lo hace pero con un fuerte acento que se niega a retroceder), había estado casada con John Barry, el autor de la banda sonora de James Bond, y acababa de interpretar un papel en la recordada Blow Up de Antonioni. Él tenía casi 40, había dado sus primeros pasos a fines de los 50 influido por Boris Vian, y ya había grabado varios álbumes en los que, además de unas letras provocativas, colmadas de sarcásticos juegos de palabras, combinaba influencias musicales con un libertad inaudita para los cánones de la chanson tradicional: jazz, pop, rock, bossa y hasta pasajes de salsa.

Es casi seguro que, de no haber conocido a Gainsbourg, Birkin jamás se hubiese volcado a la música; su voz es frágil, de escasos matices, y su timidez sobre el escenario llega a atentar contra la expresión. Pero Gainsbourg (un enamorado de las mujeres que ya había hecho cantar a Brigitte Bardot y más tarde haría lo propio con Isabelle Adjani, Vanessa Paradis y hasta Catherine Deneuve) logró lo en teoría imposible con el escandaloso “Je t’aime, moi non plus”, su primera coparticipación artística.

Gainsbourg había escrito la canción pensando originalmente en Bardot, pero la diva rehusó el desafío. Cuando la versión con los gemidos de Jane Birkin salió a la luz (en el “año erótico 69”, parafraseando a Gainsbourg), muchas radios optaron por no emitirla y hasta el mismo Vaticano reaccionó. El mito quiere que Gainsbourg y Birkin hicieran el amor en el estudio, mientras grababan. La respuesta de él fue que “de ser así, no habríamos grabado una canción de pocos minutos sino un long-play entero”.

La colaboración entre ambos no se limitó a este episodio. Uno de los álbumes más famosos de Gainsbourg (La historia de Melodie Nelson, de 1971) tuvo a Birkin como clara musa inspiradora. Dos años más tarde ella reincidió como solista con Di doo dah, disco compuesto y producido por Gainsbourg. Siguieron Lolita Go Home, Ex fan des sixties y la banda sonora de la primera película dirigida y escrita por Gainsbourg y también titulada Je t’aime, moi non plus. Allí Birkin aparecía con una perturbadora belleza andrógina. Por esos años ella siguió con su carrera actoral y pudo vérsela en Don Juan 73 de Roger Vadim (junto a... Birigitte Bardot en su última actuación para el cine) y en la taquillera Course á l’echalotte (o La carrera de la cebolla) de Claude Zidi, al lado de Pierre Richard.

Al morir Gainsbourg, en mayo de 1991, Birkin y él llevaban casi nueve años separados. Ella se había unido al director cinematográfico Jacques Doillon, padre de su hija Lou. Él ya le había dedicado la canción “Je suis venu te dire que je m’en vais” y ya había tenido un hijo varón con su última pareja, Bambou. Pero ambos habían seguido trabajando juntos a pesar de la separación (Gainsbourg le produjo tres discos más, incluido Baby Alone in Babylon), por lo tanto Birkin, siempre afincada en París, acabó encarnando para los seguidores franceses el rol de viuda oficial, máxime después de los conciertos de 1991 en el Teatro Casino de París, los cuales, apenas dos meses tras la muerte de Gainsbourg, marcaron una suerte de despedida en público.

Birkin intentó retornar a la canción tras la muerte de Gainsbourg; pero el proceso, además de lento, fue difícil. Su primer intento (A la ligera, 1998), no convenció a la crítica pese a reunir casi una selección de compositores franceses: Alain Chamfort, Laurent Voulzy, Alain Souchon y Etienne Daho, entre otros.

Un lustro después, en 2003, Birkin conoció al violinista Djamel Benyelles y al percusionista Aziz Boularoug. Del encuentro nació Arabesque: vale decir, las canciones de Gainsbourg, descendiente de judíos rusos, pero con instrumentos y aires decididamente árabes. El proyecto cobró aún mayor envergadura tras una gira por Israel y Palestina, documentada en un dvd revelador que incluye una actuación en la zona de Gaza.

Sólo entonces, tras Arabesque, Birkin pudo concretar el verdadero comienzo de su vida musical sin Gainsbourg. Primero con Rendez-vous (2004) y ahora con su reciente Fictions. Ambos tienen elementos en común : eclecticismo, arreglos pop-rock, invitados prestigiosos. En Rendez-vous aparece nada menos que Bryan Ferry, y Birkin canta no sólo en francés, como era su costumbre, sino mayormente en inglés o incluso en portugués al lado de Caetano Veloso o en italiano al lado de Paolo Conte. Fictions, por su lado, marca una suerte de regreso a Inglaterra; una fuga hacia los orígenes pero no únicamente teñida de nostalgia, ya que junto al inmortal “Waterloo Sunset” de The Kinks y a “Mother Stands for Comfort” de Kate Bush se cuentan composiciones de Beth Gibbons, Neil Hannon / The Divine Comedy, The Magic Numbers y Rufus Wainwright, por citar algunos nombres. Y un pequeño gran detalle: por el CD se pasea la guitarra de un cierto Johnny Marr.

Fictions no es un disco excepcional, así como Birkin nunca fue una gran cantante. Así y todo, el resultado es muy bueno, por momentos hasta conmovedor. Nada en teoría más lejos de su voz quebradiza y aniñada que el universo de Tom Waits y, sin embargo, la versión de “Alice” merece la pena. Nada más difícil de lograr que un buen cover de Neil Young y, sin embargo, Birkin sale airosa con el emblemático “Harvest Moon”. Si Henri Salvador, ya octogenario, pudo actualizarse a sí mismo sin perder un ápice de autenticidad, ¿por qué no Jane Birkin a sus flamantes 60 años? El fantasma de Gainsbourg, ella se lo ha quitado de encima de un modo grato sin dudas: viendo cómo cada noche asola a más y más personas. ~

Tomado de la revista Letras Libres, en "Artes y medios", México, julio de 2006

SONNY ROLLINS, COLOSO DEL SAXO

2006-07-10T16:31:00.000-05:00

Sonny Rollins, 1963

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"Improvisar es como vivir un trance espiritual"

Los festivales de jazz se multiplican en verano, y son cerca de treinta los que se desarrollan durante el mes de julio en España. Sonny Rollins es una de las grandes glorias de la historia del jazz. El saxofonista, que cierra el festival de Vitoria, fue músico de Miles Davis y Thelonius Monk, entre otros. Babelia lo visitó en su residencia de las afueras de Nueva York.

.SONNY ROLLINS, 1963

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Por José María García Matínez

El mundo del jazz se postra a sus pies: Sonny Rollins puede presumir de haber vivido en el filo de la navaja como "el hombre que no le teme a nada", en palabras del también saxofonista Barney Wilen. Un lobo solitario con la capacidad de transformarse en un ser distinto a cada nuevo paso; asomarse a su vasta obra discográfica tan poco convencional produce vértigo. Autor de una docena de obras maestras imprescindibles, Rollins ha escrito su propia historia del jazz. El día 15, tocará en Vitoria, en una única aparición europea durante el mes de julio que servirá para presentar los temas de su nuevo disco, Sonny, please, primero que edita para su propia compañía, Doxy Records. Una oportunidad única de escuchar en directo al mítico saxophone colossus.

Doscientos kilómetros al norte de Nueva York, siguiendo el curso del río Hudson. Una minúscula comunidad rural que sólo existe en el mapa. Ni siquiera el dueño del pequeño taller de automóviles contiguo a la nada ostentosa casa de campo donde mora la última leyenda viva del jazz conoce su existencia. Theodore Walter Rollins, 75 años, lleva una vida solitaria y escueta menos propia de un coloso que de un ser humano vulnerable y tierno que ha de convivir con el recuerdo omnipresente de Lucille, su compañera y colaboradora, fallecida hace dos años. "Antes me pasaba las horas ensayando en el cobertizo. Mi mujer encendía la luz en el porche de la casa y yo sabía que ella estaba ahí. Cuando volví al lugar después de su muerte, el hecho de no ver la luz fue tan duro que no he podido tocar nunca más en aquel lugar".

PREGUNTA. A su experiencia traumática durante el 11-S, le siguió un disco, Without a song, grabado sólo cuatro días después de los hechos.

RESPUESTA. De algún modo, en ese disco traté de explicar todo lo que viví aquel día. Yo tenía un apartamento en el piso superior de un edificio próximo al World Trade Center; estaba esperando a mi conductor cuando oí al primer avión acercándose y el ruido sordo del impacto, y luego el segundo..., fui escaleras abajo y me encontré con que todo el mundo estaba en la calle corriendo y gritando aterrorizado. Pero así es la guerra. El 11-S me dio una idea precisa de hasta qué punto puede el ser humano ser cruel. Pero también fue un desastre tóxico como nunca ha habido, y lo extraordinario es que aún hoy nadie se ha ocupado de limpiar la zona y se encuentran con que hay mucha gente que vive o trabaja ahí enferma o muriendo. Yo mismo sentí una sensación muy extraña en el estómago hasta que me di cuenta de que había estado aspirando aquel aire corrompido... lo perdí todo pero al menos tenía un segundo lugar para vivir.

P. Detrás dejaba la ciudad donde nació y se dio a conocer...

R. Siempre digo que nací en el momento adecuado, en el lugar adecuado. En los años treinta, Harlem era el centro de la cultura negra. Todo el mundo venía a Harlem y la música estaba por todas partes. Fats Waller tocaba al otro lado de la calle donde yo vivía y Louis Jordan, mi primer ídolo, lo hacía en un club enfrente de mi colegio. Yo solía ir al Savoy Ballroom o al Apollo Theater al salir de clase, y escuchaba a Buddy Johnson, Duke Ellington, Lionel Hampton, Jimmy Lunceford..., estaba en medio de todo aquello y, sin darme cuenta, lo absorbí todo, sólo por el hecho de estar allí. Ésa fue mi verdadera escuela.

P. También escuchaba mucha música caribeña.

R. Mis padres eran de origen caribeño y les encantaba. A veces, me llevaban a los bailes caribeños en Harlem. Por eso, tocar calipso, para mí, es algo natural, y todavía lo hago, aunque a mi modo.

P. No pasó mucho tiempo antes de que se convirtiera en un habitual de los escenarios.

R. Éramos los chicos nuevos del barrio: Jackie Mclean, Kenny Drew, Art Taylor y yo. Tocábamos por todo Harlem en todo tipo de locales recónditos y siniestros, pero no nos importaba porque Harlem, en aquella época, era el lugar donde había que estar y donde iban los veteranos buscando rostros nuevos. "He oído hablar de ese jovencito, Sonny Rollins, me han dicho que es muy bueno". A través del cantante Babs Gonzales, empecé a tocar con Fats Navarro y con Bud Powell. Era una sensación rara: ellos me miraban como a un igual, como si yo fuera un tipo de experiencia, y yo me sentía enormemente adulado. Por no hablar de la noche en que vino a verme Miles Davis a un club del Bronx llamado 845 donde tocaba en los intermedios; cómo explicar lo que sentí cuando me dijo las palabras mágicas: "¿Quieres tocar en mi banda?".

P. La crítica alentó una supuesta rivalidad entre usted y John Coltrane, su compañero de atril en el conjunto de Miles.

R. En algún sentido sí éramos rivales porque, en aquellos días, siempre tenía que darse una "batalla de saxos", Dexter Gordon contra Gene Ammons, etcétera. Lo nuestro era como una continuación de aquella práctica. Pero la verdad es que éramos buenos amigos; tanto que Coltrane era una de las pocas personas a las que podía pedirle dinero prestado.

P. También frecuentó igualmente al pianista Thelonious Monk.

R. A Monk le conocí a través de Lowell Lewis, un amigo de la escuela que tocaba la trompeta con él. Éramos uña y carne. El problema es que Monk ya tenía saxofonista y lo peor es que era realmente bueno. No paramos hasta que conseguimos echarle. El resto fue sencillo: Lowell consiguió que Monk fuera a escucharme, le gusté y me contrató. Y ése fue el comienzo de mi relación con Monk.

P. Su búsqueda de nuevas vías de expresión, lo llevó en los sesenta a interesarse por el nuevo jazz de Ornette Coleman.

R. La primera vez que escuché a Ornette fue en un disco titulado Something Else!!! Me gustó muchísimo y eso que eran los tiempos en que su música era enormemente discutida. Luego vino a verme durante mi primera visita a California con Max Roach, y nos caímos bien. Por las noches, íbamos los dos y Don Cherry a la playa para tocar frente al Pacífico. Hasta el día en que leí una entrevista en la que decía que no había un solo músico al que le gustara su música, y me incluía a mí. Daba la impresión de que me dedicaba a ponerles trabas a los jóvenes, lo que no es mi estilo ni nunca lo ha sido. Aquello me enfadó mucho y aún estoy ofendido.

P. A principios de los años sesenta, y tras una de sus recurrentes desapariciones, fue descubierto tocando el saxo bajo el puente de Williamsburg, en Nueva York, un lugar que usted introdujo en la mítica del jazz a través de su disco The Bridge.

R. Para mí, era un lugar donde practicar. Y no estaba siempre solo, Steve Lacy me acompañó en más de una ocasión. Lo cierto es que llevo toda mi vida trabajando a fondo para engrandecer mi sonido. Mis ídolos, como Coleman Hawkins, se distinguían por su sonido poderoso, tanto que a menudo se veían obligados a prescindir del micrófono. Pero yo nunca he tenido ese don. Por eso acudo a lugares a cielo abierto donde tengo que esforzarme para hacerme escuchar.

P. Usted se define como un "buscador espiritual". A un tiempo, es uno de los pocos músicos de su generación que nunca profesó la fe islámica.

R. Por supuesto, conozco a muchos musulmanes de los tiempos en que la mayoría de los músicos en Harlem se convirtieron al islam, como mi amigo Yusef Lateef o Art Blakey. Mi caso era algo distinto. Yo no quería que mi vida estuviera centrada en el uso de las drogas como único medio para acceder a una cierta espiritualidad. Las drogas funcionan en el momento y ya está. Afortunadamente, me di cuenta de que aquello era una trampa. Desde entonces, he buscado el camino verdadero en todas las religiones.

P. Escuchándole tocar en directo, se tiene la certeza de que existe un hilo argumental sólido en sus improvisaciones.

R. No es algo de lo que pueda hablar demasiado porque, mientras improviso, las cosas pasan demasiado deprisa y no tengo tiempo de pensar. Improvisar es como vivir un trance espiritual, no es algo que se pueda analizar mediante la razón. La esencia de la improvisación es permitir que la música surja por sí misma. Es un ir siempre adelante: no puedo quedarme tocando cosas que ya sé. El mayor obstáculo con el que me encuentro ahora para desarrollar mis ideas es la edad. No puedo practicar diez horas al día como hacía cuando era joven. Ahora tengo dificultades incluso para soplar a través del instrumento.

P. Dígame qué lo impulsa a seguir en la brecha.

R. Lo mismo que cuando empecé: la búsqueda de algo que no creo haber encontrado todavía. Es algo que quiero expresar con mi música. El qué, no lo sé. Sé que está ahí. Quizá sea lo que algunos llaman el "acorde perdido"... sólo sé que trabajo en ello y espero aproximarme poco a poco a mi objetivo. Quizá nunca llegue a conseguirlo pero sé que estoy en el buen camino. La vida es corta y no puedes pensar en hacerlo todo en una sola vida.

Tomado de Babelia, suplemento del diario El País, sábado, 8 de julio de 2006

Escucha, de Sonny Rollins:
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Duke of Iron

Body and Soul, Brass Trio

LUTO POR LIGETI

2006-06-13T18:10:00.000-05:00

Horas antes del deceso, el compositor tuvo una despedida en la UNAM

Murió György Ligeti, creador de intensos hitos en la música

Por Mónica Rodríguez y Pablo Espinosa

Enriqueció el arte con sonidos inconfundibles, dijo ayer el canciller austriaco.

El compositor cosechó mayor popularidad con sus partituras cuando Stanley Kubrick las usó en sus películas

El compositor austriaco de origen húngaro György Ligeti, una de los motores fundamentales de la música del siglo XX, falleció este lunes a los 83 años de edad en Viena.

El canciller austriaco, Wolfgang Schuessel, dijo a manera de despedida: ''Ligeti enriqueció el arte musical con sonidos inconfundibles. Produjo hitos en la historia de la música".

Apenas unas horas antes de que expirara, había sonado en México una de sus partituras, el Concierto para violín y orquesta, con la Orquesta Filarmónica de la UNAM y la joven solista Jennifer Koh, quien puso en vida una cadenza escrita ex profeso por el maestrísimo John Zorn.
Fue una despedida hermosa para este compositor que es ampliamente apreciado por el público mexicano, no sólo por la celebridad que cobró Ligeti luego del estreno de una de las obras maestras de Stanley Kubrick: 2001, odisea del espacio, además de que en la obra póstuma de este cineasta, Ojos bien cerrados, también figura de manera espléndida el pensamiento musical ligetiano.

Despedida sin saberlo

El mediodía de este domingo se congregó en la Sala de Conciertos Nezahualcóyotl un público numeroso, espléndido, concentrado en el genio de Ligeti. A la misma hora en que la atención nacional estaba en otros menesteres (la transmisión del futbol), en el Centro Cultural Universitario -otras voces, otros ámbitos-una multitud intensa prorrumpió en vivas y aplausos al compositor, a la joven violinista, a la OFUNAM, al director huésped, Donald Schleicher, y en ausencia, a John Zorn, un músico de culto cuya presencia hace unos tres años en el Antiguo Colegio de San Ildefonso provocó tumultos. Grandiosa despedida -sin saber nadie que el maestro agonizaba en Viena-, a uno de los compositores fundamentales de nuestra época, György Ligeti.
Así como la leyenda quiere que Mozart haya escrito su propio Requiem, cosa poco probable, pongamos en este instante en el tornamesas Lux aeterna, para 16 voces mixtas a capella, para despedir en la intimidad a Ligeti, quien también escribió un Requiem. Ambas obras, Lux aeterna y Requiem, suenan en la banda sonora de 2001, odisea del espacio.

Los sonidos inconfundibles a los que se refirió el canciller austriaco recibieron en los años 60 el nombre de ''micropolifonía" y consistían en densidades sonoras de muchas líneas modulares que Ligeti entretejía para crear complejas redes de sonidos. En las décadas posteriores amplió tales conceptos y creó complejidades mayores, descubrió nuevos sonidos y dejó manifiesta su pasión por la física cuántica y los sonidos producidos por artefactos semiautónomos, pero mecánicos como los relojes, los metrónomos y dispositivos musicales (como los que en México inventó Conlon Nancarrow) para los que produjo obras maestras, es decir los hitos a los que hizo referencia ayer el gobernante austriaco.

Autor multipremiado
Hace tres años Ligeti escribió: ''Con respecto a mi situación y a la de mis colegas, soy consciente de que el compositor actual de música 'seria' vive en un diminuto nicho cultural, emparedado entre la expansión comercial de la electrónica del entretenimiento y los espejos brillantes de la actividad tradicional y prestigiosa de conciertos y ópera."

La anterior fue una cita que retomó, en un artículo que publicó en La Jornada el 25 de agosto de 2003, el también compositor Mario Lavista del músico húngaro naturalizado austriaco, la cual prosigue: ''Nosotros', los compositores de música 'seria', sólo tenemos un valor de pantalla para el mecenazgo actual: en realidad, no somos necesarios. Sin embargo, el nicho -diminuto y, en apariencia, carente de función social- se encuentra, por así decirlo, en la superficie de una burbuja de jabón: su tamaño es infinitamente pequeño, pero sus posibilidades de expansión espiritual son infinitamente grandes, mientras la burbuja resista.''

György Ligeti fue distinguido con los galardones internacionales de música más prestigiosos del mundo, entre los que figuran el Praemium Imperiale japonés, el premio Balzan, el Ernst von Siemens, el premio musical de la UNESCO, el galardón de Kyoto y el sueco Polar.
Otros de sus aportes más importantes, relacionados con disciplinas como la pintura, las matemáticas, la etnomusicología y la lingüística.

Ligeti no sólo era considerado uno de los más extraordinarios músicos contemporáneos, sino también un analista de la música moderna.

De padres húngaros, Ligeti nació el 28 de mayo de 1923 en una pequeña localidad de Transilvania. Casi toda su familia, de origen judío, fue asesinada por el régimen nazi.
Su padre murió en el campo de concentración de Bergen-Belsen y su hermano más pequeño en Mauthausen. Su madre sobrevivió al confinamiento en Auschwitz-Birkenau.

Tomado del diaro La Jornada, Cultura, martes, 13 de junio, 2006

Escucha de Ligeti:

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Six bagatelles: Zephyr Wind Quintet

Le Grand Macabre (1978). Esa-Pekka Salonen, conducting the London Sinfonietta Voices and Philharmonia Orchestra

ESQUIVEL BROWN: Entrevista y nota al margen

2006-06-02T18:47:00.000-05:00

Luis Manuel Amador
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Si el Festival del Centro Histórico en la Ciudad de México fue pretexto para homenajear a Juan García Esquivel (Tampico, Tamaulipas 1918-Jiutepec, Morelos 2002), el director de orquesta y prodigio del piano que se adelantó a su tiempo hubiera celebrado la repetición, en Oaxaca, del mismo ritual celebratorio en su memoria. El disco Esquivel! Remixed (Independent Recordings - Sony BMG México, 2006) fue el tributo que se presentó ante una asistencia de casi quinientas personas que esa noche del 27 de mayo presenciaron un documental sobre su trayectoria, escucharon una marimba interpretando sus temas y atestiguaron que las artes plásticas oaxaqueñas también tienen a un DJ en su inventario.
Los productores del disco-homenaje son Steven Brown y Carlos Becerra. Becerra es mexicano, productor de la casa Arteria, promotor de rescates, giras y conciertos musicales a los que siempre vale la pena asistir. Norteamericano, líder del grupo de jazz y música electrónica Tuxedomoon, Steven Brown, también apasionado de la herbolaria y de la música inencontrable, vive hace años en Oaxaca. Esta es una charla sostenida con él a propósito de “los motivos del disco”.
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-Steven, realmente pocos saben de Independent Recordings. ¿Qué es y cómo nació esta editorial musical y la idea de que fuera Esquivel el músico al que rindieran homenaje en disco?
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-De hecho empezó la idea con otro nombre en el 99. Carlos [Becerra] todavía vivía en Los Angeles y tenía la idea de sacar una compilación de música mía. En ese entonces no se había hecho ninguna compilación de mis trabajos. Teníamos a Esquivel en mente, y después de hablar con algunas compañías pequeñas independientes, sin éxito, Carlos dice: mira, ¿por qué no lo hacemos nosotros mismos?, aquí en Los Angeles hay maquiladoras, no cuesta mucho hacer un disco, ya tenemos la música. Y así fue. Sacamos un disco: Subway to Cathedral, que era mi primera compilación, la sacamos nosotros solos, independientes, bajo el signo de Arteria. Y luego sacamos otros discos, uno de un grupo de Holanda y uno de Inglaterra, distribuidos por Opción Sónica en México. No pasó nada durante varios años, hasta que el año pasado decidimos seguir adelante otra vez, de manera más seria, y formamos esta compañía que llamamos Independent Recordings con el propósito de sacar música buena en México, que no sea pirata, de calidad, a un precio accesible. Y mucha música importada, pero también música nacional con este propósito. La industria está muy jodida por la piratería, pero curiosamente no afecta música más experimental o menos conocida, música más independiente...
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-Claro, siempre se centra en la música comercial.
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-Aunque sí se encuentra a Tuxedomoon y Lila Downs en la calle, pero menos, ¿no? Los piratas van detrás de lana fácil. El primer disco era de Tuxedomoon, el último, Cabin in the sky, que salió en Europa en 2004 y en México en 2005, maquilado en México. Después hicimos una licencia de Crammet. Por cierto, ¿ya los encontraste en la Fonoteca?, se llama The new sound of the world, son tres discos en un paquete. De Brasil, Italia y los Balcanes, una especie de world music electrónica y no electrónica, muy bueno; y sacamos estos tres por el precio de un disco el año pasado y se vendió bastante bien, distribuido por Sony BMG. Ahora, con Esquivel es el tercer disco, con la misma filosofía de sacar un músico mexicano, de calidad, a precio accesible, un disco, temas originales, dos discos con remixes. Pero los temas originales tienen un sonido que no han tenido ni siquiera en los años sesenta, porque no tenían tecnología digital. Está remasterizado por Brother Cleve, del grupo Combustible Edison, que tiene un sonido impresionante. Luego hasta yo no puedo entender cuál es el remix y cuál es el tema original; cuando escucho el disco digo ¿éste cuál es?, porque el sonido es tan actual, limpio y moderno. Los dos discos son buenísimos. Cuatro años tardó y creo que vale la pena. Entonces eso es Independent Recordings y ya vamos con el siguiente megaproyecto, que será Pérez Prado. Por lo pronto tenemos otros un poco más modestos que ojalá salgan muy pronto. Uno es la historia de la música electrónica, y el otro es un concierto en vivo con Steven Brown y Blaine L. Reiniger en la Sala Netzahualcóyotl de la Ciudad de México en 1993. Son los dos proyectos pendientes.
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-¿Entonces este disco aún no existe?, ¿Y que tal si ya anda circulando en versión pirata?
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-Sí, seguro, pero entonces eran cassetes, ¿no? A menos que quieras por ahí checarlo.
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-¿Qué se espera de haberlo presentado en Oaxaca? Lógicamente Esquivel es un gran músico que merece ser conocido en su propio país. ¿En Oaxaca hay lugares donde se puede encontrar esta música?
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-Bueno, en el Internet. Es muy curioso, en Oaxaca no hay una buena tienda de discos. Puedo estar equivocado. A lo mejor sí y estoy mal. Pero no hay una buena tienda con selección variada. Pero eso no quiere decir que no hay público. Hay muchos jóvenes que quieren algo nuevo, algo diferente de lo comercial. De “Pinotepa” puedes encontrar ten thousand de la versión, pero esta gente joven encuentra lo que quiere en el Internet, gratis además. Entonces en parte por eso también están desapareciendo las disqueras, las tiendas de discos. En Estados Unidos ya casi no existen, en Europa menos. Son como las librerías, que están desapareciendo. Es el asunto. Ahora la idea de presentar el disco es hacer un poco de ruido alrededor y sí, va a estar disponible en la Grañén Porrúa y no sé dónde más, en Fábricas de Francia, en la zona de Plaza del Valle. Como todo lo bueno, si lo quieren escuchar hay que buscarlo.
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-Bueno, si lo quieren sólo escuchar ahí está en la Fonoteca...
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-Exactamente, hay muchos discos buenos en la Fonoteca. Y estamos en un momento histórico porque nadie sabe qué va a pasar con la música grabada, con la música para comprar. Nadie sabe. Las tiendas ya son una cosa de la historia. Hasta los CDs van en el mismo camino que los acetatos, en poco tiempo no van a existir.
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-Acabas de tocar un punto importante. No sé si lo percibas así, pero el consumo universal de la cultura, del conocimiento, se está reduciendo a la información etérea, que no queda ni en el aire. La información está en un procesador, en un reproductor, un aparato que guarda miles de obras. Ya no está en un disco o en un libro. A veces hay gente que ni siquiera va a los conciertos porque sabe que después los va a conseguir en un formato de video que luego bajará de la red y copiará para guardarlo en un minúsculo objeto. ¿Piensas que hay una “ausencia de la presencia” del arte...?
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-No, es otra manera de conseguir, de concebir el arte, es lo que digo del momento histórico. Por esas razones los chavos tienen sus i-pods con cuántos miles de canciones. ¿Cómo crees? Hace veinte años con un disco estabas feliz, con un disco o dos discos, tus favoritos, los que escuchabas todo el año. Ahora, olvídalo. He visto amigos bajando discos y discos. En dos horas bajan diez CDs. A mí me parece vulgar, obsceno. Nunca vas a escuchar toda esa música, ¿por qué hacen eso? Es como una manía. Yo lo veo así, claro. Estoy viejo y soy hasta conservador, pero así es el mundo, y como dices tú, todo está en los chips, la música está como ya, una cosa sí es cierta: hay mucho menos respeto, mucho menos apreciación para la música, para el arte, para el cine, porque es tan fácil y tan prolífico y hay tanta información que ya nada tiene el peso que tenía antes. No estoy diciendo que está mal. Estoy diciendo que qué bueno que todo es gratis. La cosa es ¿cómo van a vivir los artistas que hacen esas cosas? Todo arte debería ser gratis, como antes. Por un lado es muy bueno eso, por otro lado nadie sabe a dónde va. Yo no sé.
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-Yo tampoco. ¿Esa es la idea de Independent Recordings? Hacer más accesibles discos que no son fáciles de conseguir a veces y que no editan las grandes empresas comerciales para que la gente aprenda a disfrutar otro tipo de música en otro nivel. Porque cualquiera puede bajar de Internet casi cualquier cosa, pero no he visto mucha música de Esquivel en la Internet, por ejemplo, supongo que hay pero...
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-Bueno, lo sigue editando cada año BMG. Pero digo, lo que hicimos nosotros es (si se puede decir así) mucho mejor de lo que hasta ahora se ha hecho de Esquivel. ¿Por qué? Para ellos Esquivel es otro artista entre los miles que tienen. Entonces sacan como pan caliente los discos y no se toman el cuidado de hacer la masterización, eso que hemos hecho nosotros.
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-Claro, el cuidado de la edición.
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-Exactamente, como tú haces con los libros, hay que hacer lo mismo con los discos. Y las grandes compañías no lo hacen, menos cuando es alguien que no vende, como Esquivel, que es parte de un “catálogo viejo”.
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-Siempre, a pesar de la información, de las toneladas de música, de lo incapaces que somos algunos de recordar una sola canción porque nuestro cerebro queda perturbado por tanta información, hay música que nunca debería quedar descatalogada. (Brian Eno, que también ha hecho aportaciones interesantes.) Luego, ¿qué nos deja Esquivel en este disco como un sabor que vale la pena probar?
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-Yo hablé de Brian Eno en mi programa de radio anoche, de su último disco. Pero mira, otra vez hablando de Internet y la música gratis y todo eso, otra diferencia es que los discos de Independent Recordings (o cualquier otro disco bien hecho) tiene un sonido mil veces mejor de lo que se baja de Internet. No es emepetres, es calidad…
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-Es audio de verdad.
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-Es audio, sí, y otra razón al comprar discos: la gente que sabe prefiere comprar un disco que bajar lo mismo gratis del Internet. O hacer las dos cosas, pero ¿la pregunta qué?...
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-Que qué nos deja para volver a probar una grabación. Es parte de eso que dices: la pulcritud, el cuidado…
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-Exactamente. Bueno, Esquivel ya lo dejó, ya dio sus frutos porque ya son parte del universo y desde los 50, los 40. Hasta nosotros, te dije una vez, que estábamos grabando nuestro primer disco en San Francisco, el primer LP. Queríamos un sonido especial de la tarola. Pasamos el sonido, ya grabado, electrónico, de la tarola, en una pequeña bocina puesta encima de las cuerdas de un piano, y ahí estaba el micrófono grabando el sonido de esa tarola saliendo de las cuerdas del piano. Yo no sabía, no sabíamos que Esquivel había hecho algo muy parecido 20 años antes, pero ¡con su voz! Su voz dentro del piano. Bueno, él metió su cabeza, un micrófono, y cantó así, encima de las cuerdas del piano para esa canción muy especial.
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-Qué loco…
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-Por decir, es como ya parte del ambiente. ¿De dónde viene la inspiración del artista? De ahí. Y ahí va todo: Esquivel, John Cage, Stravinsky, Michelangelo…
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-En este disco está gente muy importante, artistas reconocidos en todo el mundo: Cronos Quartet, Principe Federman, Señor Coconut… ¿Cómo se logró convocar a esta gente para grabar el disco-homenaje a Esquivel?
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-Por criterio: uno, calidad; y el otro, reconocimiento, nombre. Es como una mezcla, un compromiso entre las dos cosas. Y tres: gente que conocemos ya. Con varios de ellos ya hemos trabajado antes. Y otros reconocidos: Peter Principle (trabajo con él desde hace como 30 años, es el bajista de Tuxedomoon), Alessandro Cardellini (es un músico de Roma, amigo de nosotros), Señor Coconut (Carlos ha trabajado con él varios años haciendo conciertos, más que otra cosa, en México), ha hecho conciertos durante 15 años. Casi todos los conciertos más chingones en México los han hecho él y su socio Saucedo. Pero a Buscemi ya lo conocíamos, a Gak Sato ya lo conocíamos, Montefiori Cocktail ya tocó con Carlos en México, y así. Entonces vemos a la gente que nos gusta pensando en el proyecto. Puede estar interesada para funcionar esta persona con este proyecto, y va. Luego ellos mandan sus maquetas, sus proyectos.
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-Y además, aquí, en el disco, todos ellos admiran y conocen la música de Esquivel.
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-Sí, todos, creo que todos conocían ya a Esquivel, sin ser fans…
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-Ni groupies…
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-Sí, bueno… Brother Cleve, que está en el disco y que hizo la masterización. ¿No viste el concierto? Ah, que no tienes tele. Ahí salió él, que trabajó con Esquivel los últimos siete años de su vida, de Cuernavaca a Nueva York, para grabar. Y estuvo con él hasta su muerte.~
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Fotografìa de Steven Brown tomada del diario La Jornada, 16 de marzo, 2005

ESQUIVEL Y LA CULTURA LOUNGE

2006-05-12T21:13:00.000-05:00

Por Bernardo Esquinca

Era el hombre de los lentes negros. Unos enormes anteojos de pasta que se convirtieron en su sello. Al final ya no los usaba, una operación le corrigió la vista.

Juan García Esquivel nació en Tampico en 1918. Murió el pasado jueves 3 de enero, en Cuernavaca, pero los medios de comunicación lo dieron a conocer hasta el miércoles 9. Visionario adelantado a su época, figura de culto en Estados Unidos y Europa, el músico es todavía un gran desconocido en México. Sin embargo, sus composiciones han estado en el inconsciente de varias generaciones, a través de sus trabajos para famosas series de televisión. De su autoría son los temas de El hombre nuclear, Kojak, Los Picapiedra, Columbo, Dinastía y La familia Monster, por mencionar algunos. Incluso hizo canciones para el popular programa infantil Odisea Burbujas. Durante la década de los sesenta fue uno de los protagonistas del llamado space age pop. Sus excéntricos arreglos (lo mismo incluía percusiones latinas que guitarras surf) para temas clásicos como "Malagueña", "El cable", "Night and day" y "Estrellita", aunados a sus propias y singulares composiciones, entre las que destacan "Mini skirt", "Mucha muchacha" y "Guanacoa" (aquella que dice: "A Guanacoa me voy, aunque no haya carretera") se escucharon durante la época de oro de las orquestas.

Tras vivir en Las Vegas durante 14 años, donde presentaba su show en el Stardust, Esquivel regresó a México. Después de realizar los temas de la mencionada Burbujas, se autoexilió en Cuernavaca. No obstante, el genio de Esquivel resurgió junto con el revival que la música lounge experimentó en los noventa. Sus discos fueron editados en compacto (entre ellos, Cabaret mañana, Music from a sparkling planet y See it in sound), Rolling Stone lo entrevistó, Microsoft utilizó su música para el programa Windows 95 y personalidades que van de Matt Groening (creador de Los Simpson) a Bono de U2 y Tarantino se vieron influidas por su trabajo. En una entrevista le preguntaron qué pensaba sobre la revalorización de su música, y contestó: "Esto prueba que no estaba equivocado, aunque tuve que esperar 35 años para ser descubierto."

Curioso: el segundo aire de Esquivel coincidió con su operación de los ojos. La miopía se la habían curado a más de uno.

La música lounge nació en Las Vegas a mediados de los años cincuenta. Louis Prima, Martin Denny, Lex Baxter y, por supuesto, Esquivel, entre otros, mezclaron géneros como el swing, el jazz, la música de orquesta, el bossa nova y el mambo, y le dieron banda sonora a un estilo de vida que marcó toda una época: la de los clubes nocturnos donde galanes con pinta de 007 seducían a chicas con pinta de Ava Gardner, mientras sostenían en sus manos helados y transparentes martinis. Un tiempo de hedonismo sofisticado, que figuras de la talla de Frank Sinatra y Marlene Dietrich aderezaron con sus juergas y chismes sexuales —el Hollywood actual todavía añora aquellos escándalos.

Una de las corrientes de la cultura lounge ("fiestera", "comodina", "vagabunda") que más prosperó fue la exótica: muebles que imitaban la piel de las cebras, zapatos con las motas encendidas del leopardo, máscaras africanas que colgaban de las paredes y misteriosos sonidos que parecían provenir de islas remotas. Yma Sumac fue la suma sacerdotisa. Su poderosa voz de soprano se elevaba sobre candentes mambos logrando un inquietante y genuino contraste.

En México, el gran representante del estilo de vida lounge fue Mauricio Garcés. Su afán de conquistar mujeres en las playas de Acapulco —acompañado de su infalible escudero Pelayo—, las casas art déco y la música de sus películas llegan a causar sensación en las nuevas generaciones.

Toda esta cultura sucumbió a principios de los setenta, con la aparición de la música disco, y posteriormente quedó sepultada en los ochenta, "la década en la que se perdió el buen gusto". Pero, como decíamos, los noventa fue el tiempo del regreso. Antes de morir, el siglo XX le dio una segunda oportunidad al lounge e insólitamente volvió a ponerse de moda: las cocteleras se desempolvaron en los bares, Capitol lanzó la serie de recopilaciones históricas bautizadas como Ultra-lounge, aparecieron grupos como Combustible Edison y Frenchy, y dj's como Dimitri from Paris, que le dieron al lounge su tono finisecular. Hasta Hugh Hefner revivió de sus cenizas, y con él las míticas bacanales en la Mansión Playboy...

Y la fiesta, sin duda, seguirá, siempre y cuando haya gente dispuesta a pasar las noches bebiendo martinis a ritmo de Esquivel.

Tomado de la revista Letras Libres, febrero de 2002.

Escucha de Esquivel:

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Who's sorry Now

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Boulevard of broken dreams

headfonoteca

2006-04-04T18:13:00.005-05:00