miércoles, diciembre 08, 2010
martes, noviembre 23, 2010
jueves, noviembre 11, 2010
miércoles, octubre 27, 2010
miércoles, octubre 20, 2010
martes, octubre 05, 2010
Taller de Guitarra
La Fonoteca Eduardo Mata
tiene el agrado de invitarle a participar en el
TALLER DE GUITARRA
que imparte el Maestro
que imparte el Maestro
Julio Garcia
Informes e Inscripciones en Av. Juarez 222 Centro.
Telefono: 50- 1 12 70
lunes, septiembre 13, 2010
lunes, marzo 22, 2010
CICLO DE VIDEOCONCIERTOS DIDACTICOS
EL INSTITUTO DE ARTES GRAFICAS DE OAXACA
TIENE EL GUSTO DE INVITARLOS AL
CICLO DE VIDEOCONCIERTOS DIDÀCTICOS
Comentados por el Mrto. Sergio Spindola
Primer videoconcierto (martes 30 de marzo, 19:00 hrs)
1.- Sinfonìa Concertante para violìn y Viola, en SI BEMOL
Mayor, K 364 (Wolfgang Amadeus Mozart)
Selecciones de un RÈQUIEM ALEMÀN (Johannes Brahms)
Segundo videoconcierto (sàbado 3 de abril, 19:00 hrs)
1.- Suite para violonchelo solo Nº 4 en SI BEMOL MAYOR, BWV
1010 (Johann Sebastian Bach)
2.- Selecciones del REQUIEM DE MOZART
Av. Juàrez 222, centro Oaxaca.
FONOTECA EDUARDO MATA
Primer videoconcierto (martes 30 de marzo, 19:00 hrs)
1.- Sinfonìa Concertante para violìn y Viola, en SI BEMOL
Mayor, K 364 (Wolfgang Amadeus Mozart)
Selecciones de un RÈQUIEM ALEMÀN (Johannes Brahms)
Segundo videoconcierto (sàbado 3 de abril, 19:00 hrs)
1.- Suite para violonchelo solo Nº 4 en SI BEMOL MAYOR, BWV
1010 (Johann Sebastian Bach)
2.- Selecciones del REQUIEM DE MOZART
Av. Juàrez 222, centro Oaxaca.
FONOTECA EDUARDO MATA
lunes, diciembre 28, 2009
6 CUERDAS 7 Regiones del autor: Carlos Alberto Contreras
La Fonoteca Eduardo Mata en colaboración con la Biblioteca del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca tiene el honor de invitarlo a la presentación del disco:
6 CUERDAS 7 Regiones
del autor: Carlos Alberto Contreras
viernes, diciembre 11, 2009
CICLO DE VIDEO CONCIERTOS DIDÁCTICOS
CICLO DE VIDEO CONCIERTOS DIDÁCTICOS DICIEMBRE DEL 2009
FONOTECA EDUARDO MATA
DEL IAGO PRIMER VIDEO CONCIERTO
( SÁBADO 12 DE DICIEMBRE, A LAS 20.00 HRS, CENTRO FOTOGRÁFICO MANUEL ALVÁREZ BRAVO ( M. Bravo núm 116 centro ) ).1. Obertura de la Ópera de Guillermo Tell. ( Guioacchino Rossini )2. Concierto para violín y orquesta N° 5 en la mayor, K 219. ( Wolfgang Amadeus Mozart ).3. Concierto para piano y orquesta N° 4 en sol mayor, Op. 58 ( Ludwig van Beethoven )
SEGUNDO VIDEO CONCIERTO ( SÁBADO 19 DE DICIEMBRE, A LAS 20: 00 HRS, IAGO ( Macedonio Álcala núm. 507 centro ).1. Obertura de la Ópera Tannhäuser ( Richard Wagner )2. Concierto para piano y orquesta N°1 en do mayor, Op. 15 ( Ludwig van Beethoven )3. Concierto para piano y orquesta N° 2 en do menor ( Sergei Rachmaninov ).
lunes, agosto 24, 2009
Interpretará Cuarteto Latinoamericano a Heitor Villa-Lobos
Acerca del grado de complejidad que presenta la ejecución de los 17 cuartetos del compositor brasileño, Aarón Bitrán asegura que desde el punto de vista instrumental, plantean una altísima demanda de virtuosismo.
Uno de los rasgos distintivos del Cuarteto Latinoamericano ha sido asumir cada concierto como un riesgo. En esta ocasión, ha preparado una serie de cinco conciertos en los que interpretará el ciclo completo con los 17 cuartetos para cuerdas del compositor brasileño Heitor Villa-Lobos, en ocasión del 50 aniversario de su fallecimiento.
Así lo dio a conocer el maestro Aarón Bitrán, uno de los dos violinistas de la agrupación, quien informó que las audiciones tendrán lugar del 28 al 30 de agosto, en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, con un costo de entrada de 20 pesos. Se trata de una apuesta poco común, ya que de acuerdo con el entrevistado, buena parte de estas obras son desconocidas para un 99 por ciento del público.
En opinión del maestro e intérprete, Villa-Lobos es quizá el compositor latinoamericano más importante, con un catálogo que contiene más de mil 500 obras de gran relevancia en el contexto musical del siglo XX y a quien no se le ha hecho justicia plena, en términos de que buena parte de ellas no han sido grabadas y que un gran porcentaje se podría decir que son inéditas.
Aarón Bitrán comentó que los cuartetos de este autor se tocan muy poco. “Aparte de nosotros, si uno busca en las programaciones de los grandes cuartetos europeos o de Estados Unidos, es rarísimo encontrar presencia de Villa-Lobos, lo cual me parece sorprendentemente injusto si consideramos que es uno de los grandes ciclos que se han escrito, al nivel de Bartok o Shostakovitch”.
Agregó que dentro del catálogo general de Villa-Lobos, los 17 cuartetos ocupan una parte importantísima, porque son obras que escribió a lo largo de toda su vida: el primero lo hizo en 1915 y el último en 1957, de tal manera que resumen 42 años de producción y eso permite un seguimiento de las distintas facetas de su lenguaje musical y refleja claramente lo que ocurrió en su vida creativa.
Este ciclo, explicó, se divide en tres grupos de cuartetos: del 1 al 6 fueron escritos entre 1915 y 1935, con un espíritu muy cercano a la música autóctona brasileña, claramente nacionalistas y muy lúdicos; el 7, 8 y 9, fueron creados durante la Segunda Guerra Mundial, y son muy densos y dramáticos; del 10 al 17, compuestos ya en la posguerra, vuelven a ser ligeros, de corte neoclásico y expresaban el resurgimiento de Brasil como una potencia.
Al aludir a la intención de hacer este ciclo, Bitrán señaló que lo interesante “es esta ambición totalizadora de tocarlos todos, pues como en otros casos hay obras maestras y otras un poquito menos interesantes, pero lo que pretendemos es ofrecer una especie de retrato de Villa-Lobos como un compositor que buscó a lo largo de toda su vida, a veces con hallazgos extraordinarios y en otras no tanto Pero el público podrá sacar conclusiones de cómo fue su proceso creativo y de evolución a lo largo de 45 años. Una oportunidad que se tiene muy rara vez en vivo”.
Acerca del grado de complejidad que presenta la ejecución de estos cuartetos, Aarón Bitrán hizo notar que desde el punto de vista instrumental plantean una altísima demanda de virtuosismo. “El conocía perfectamente bien los instrumentos de cuerdas, por eso no hizo concesiones. A veces tienen tal densidad que para el público es difícil percibir qué es lo importante y que está sucediendo. Ahí es labor del hacer un trabajo de balance, limpiar las texturas para que más fácil identificar lo relevante”.
Pero agregó dos factores adicionales. El primero, una complejidad interpretativa que demanda más de los dos ensayos de rutina que se acostumbran en las orquestas, lo que a su vez repercute en costos y hace casi imposible contar con el tiempo indispensable para hacerlo. “La esperanza está en grupos independientes como nosotros o en solistas que quieran invertir tiempo en proyectos de esta índole”.
Por si fuera poco, en la mayoría de los casos los músicos no quieren arriesgar al programar algo que no se ha oído y muchas veces, en busca del aplauso programan algo que está más que probado. “A mí me parece música muy buena, aunque quizá el 99 por ciento del público no la ha escuchado, pero un director no sabe que reacción va a producir. En ese sentido, pienso que se requiere más valentía por parte de quienes programan y más convicción en que se trata de un gran repertorio”.
“Desde mi punto de vista, ya llegó el momento de perder el miedo; no debemos tener empacho en programar en cualquier sala importante del mundo un concierto íntegramente latinoamericano. El chiste está en tocarlo bien, con la convicción de su valor, porque hablamos de música que se sostiene por sí sola y el público lo percibe”, concluyó.
Noticia obtenida del periodico "el imparcial"
Uno de los rasgos distintivos del Cuarteto Latinoamericano ha sido asumir cada concierto como un riesgo. En esta ocasión, ha preparado una serie de cinco conciertos en los que interpretará el ciclo completo con los 17 cuartetos para cuerdas del compositor brasileño Heitor Villa-Lobos, en ocasión del 50 aniversario de su fallecimiento.
Así lo dio a conocer el maestro Aarón Bitrán, uno de los dos violinistas de la agrupación, quien informó que las audiciones tendrán lugar del 28 al 30 de agosto, en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, con un costo de entrada de 20 pesos. Se trata de una apuesta poco común, ya que de acuerdo con el entrevistado, buena parte de estas obras son desconocidas para un 99 por ciento del público.
En opinión del maestro e intérprete, Villa-Lobos es quizá el compositor latinoamericano más importante, con un catálogo que contiene más de mil 500 obras de gran relevancia en el contexto musical del siglo XX y a quien no se le ha hecho justicia plena, en términos de que buena parte de ellas no han sido grabadas y que un gran porcentaje se podría decir que son inéditas.
Aarón Bitrán comentó que los cuartetos de este autor se tocan muy poco. “Aparte de nosotros, si uno busca en las programaciones de los grandes cuartetos europeos o de Estados Unidos, es rarísimo encontrar presencia de Villa-Lobos, lo cual me parece sorprendentemente injusto si consideramos que es uno de los grandes ciclos que se han escrito, al nivel de Bartok o Shostakovitch”.
Agregó que dentro del catálogo general de Villa-Lobos, los 17 cuartetos ocupan una parte importantísima, porque son obras que escribió a lo largo de toda su vida: el primero lo hizo en 1915 y el último en 1957, de tal manera que resumen 42 años de producción y eso permite un seguimiento de las distintas facetas de su lenguaje musical y refleja claramente lo que ocurrió en su vida creativa.
Este ciclo, explicó, se divide en tres grupos de cuartetos: del 1 al 6 fueron escritos entre 1915 y 1935, con un espíritu muy cercano a la música autóctona brasileña, claramente nacionalistas y muy lúdicos; el 7, 8 y 9, fueron creados durante la Segunda Guerra Mundial, y son muy densos y dramáticos; del 10 al 17, compuestos ya en la posguerra, vuelven a ser ligeros, de corte neoclásico y expresaban el resurgimiento de Brasil como una potencia.
Al aludir a la intención de hacer este ciclo, Bitrán señaló que lo interesante “es esta ambición totalizadora de tocarlos todos, pues como en otros casos hay obras maestras y otras un poquito menos interesantes, pero lo que pretendemos es ofrecer una especie de retrato de Villa-Lobos como un compositor que buscó a lo largo de toda su vida, a veces con hallazgos extraordinarios y en otras no tanto Pero el público podrá sacar conclusiones de cómo fue su proceso creativo y de evolución a lo largo de 45 años. Una oportunidad que se tiene muy rara vez en vivo”.
Acerca del grado de complejidad que presenta la ejecución de estos cuartetos, Aarón Bitrán hizo notar que desde el punto de vista instrumental plantean una altísima demanda de virtuosismo. “El conocía perfectamente bien los instrumentos de cuerdas, por eso no hizo concesiones. A veces tienen tal densidad que para el público es difícil percibir qué es lo importante y que está sucediendo. Ahí es labor del hacer un trabajo de balance, limpiar las texturas para que más fácil identificar lo relevante”.
Pero agregó dos factores adicionales. El primero, una complejidad interpretativa que demanda más de los dos ensayos de rutina que se acostumbran en las orquestas, lo que a su vez repercute en costos y hace casi imposible contar con el tiempo indispensable para hacerlo. “La esperanza está en grupos independientes como nosotros o en solistas que quieran invertir tiempo en proyectos de esta índole”.
Por si fuera poco, en la mayoría de los casos los músicos no quieren arriesgar al programar algo que no se ha oído y muchas veces, en busca del aplauso programan algo que está más que probado. “A mí me parece música muy buena, aunque quizá el 99 por ciento del público no la ha escuchado, pero un director no sabe que reacción va a producir. En ese sentido, pienso que se requiere más valentía por parte de quienes programan y más convicción en que se trata de un gran repertorio”.
“Desde mi punto de vista, ya llegó el momento de perder el miedo; no debemos tener empacho en programar en cualquier sala importante del mundo un concierto íntegramente latinoamericano. El chiste está en tocarlo bien, con la convicción de su valor, porque hablamos de música que se sostiene por sí sola y el público lo percibe”, concluyó.
Noticia obtenida del periodico "el imparcial"
viernes, julio 24, 2009
Hallan dos trabajos inéditos de Mozart
La Fundación Internacional Mozarteum señaló que las partituras son piezas para piano, la presentación oficial se realizará el 2 de agosto.
Viena.- La Fundación Internacional Mozarteum dijo que ha descubierto dos nuevos trabajos compuestos por Wolfgang Amadeus Mozart.
La fundación con base en Salzburg señaló que los trabajos, de los que no se tenía conocimiento previo, son piezas para piano.
Mozart, quien nació en Salzburg, vivió de 1756 al 1791. Tocó el piano desde muy temprana edad, comenzó a componer a los cinco años, y a lo largo de su vida escribió más de 600 trabajos, desde óperas y música de cámara hasta piezas para coro y conciertos de piano.
La fundación dijo el jueves que ofrecerán más detalles en una presentación oficial que se realizará el 2 de agosto.
Noticia obtenida del periodico "el imparcial"
La fundación con base en Salzburg señaló que los trabajos, de los que no se tenía conocimiento previo, son piezas para piano.
Mozart, quien nació en Salzburg, vivió de 1756 al 1791. Tocó el piano desde muy temprana edad, comenzó a componer a los cinco años, y a lo largo de su vida escribió más de 600 trabajos, desde óperas y música de cámara hasta piezas para coro y conciertos de piano.
La fundación dijo el jueves que ofrecerán más detalles en una presentación oficial que se realizará el 2 de agosto.
Noticia obtenida del periodico "el imparcial"
lunes, julio 13, 2009
“Los pájaros del alba”,raíz del Son Jarocho
* El arte de esta agrupación musical es resultado de un largo recorrido por las comunidades del sur de Veracruz, ya que han viajado para conocer a los músicos tradicionales y entender el son jarocho.
El Son Jarocho es música echa a mano, “no es música de alta tecnología, nosotros somos músicos líricos que no leemos partituras y tampoco tenemos acceso a poder tener una educación en escuelas en forma, de academia, nosotros aprendemos con la mochila al hombro acudiendo a las comunidades”, dijo en entrevista Sael Bernal Zamudio, integrante del grupo “Los pájaros del alba”.
Acto seguido, Bernal Zamudio indicó que es por eso que la gente se identifica con la música tradicional, “ahora hay talleres para aprender a tocar esta música, pero la parte importante es ir a las comunidades, en los talleres aprendes una forma de tocar y el son jarocho es una música muy diversa. Si recorres las comunidades y ves a los músicos viejos te vas a dar cuenta que hay cantidad de estilos, en cuanto al baile, verso y la forma de tocar los instrumentos cambian de una región a otra”.
Zamudio platicó que la música jarocha se aprendió durante mucho tiempo de generación a generación, pero llegó el momento en que esta cadena se rompió y ahora están tratando de rescatar la música por medio de talleres y a través de un movimiento de esta música en el sur de Veracruz.
Al comentar que es un trabajo que no tiene mucho apoyo, el entrevistado dijo que lo que han impulsado ha sido por medio del tequio, “si uno hace una fiesta van a tocar todos los músicos de los pueblos cercanos sin cobrar nada y cuando ellos hacen una fiesta nosotros vamos”.
Al hablar de la música que interpretan “Los pájaros del alba”, el músico explicó que los sones jarochos tienen una gran riqueza, por ello, “si sólo se aprendiera en un taller quizá sería monótono y pobre”, pero si salen a las comunidades a conocer todos los estilos y riquezas, el género resulta interesante, ya que ellos la utilizan como un medio de expresión.
“Los sones hablan de la fauna, de las deidades, pero también la música se alimentó de las personas que viajaban de pueblo en pueblo, cantando lo que sucedía, cantando lo que pasaba en otros lugares, es una música que nos permite decir lo que pensamos o manifestar si estamos tristes o estamos contentos o inconformes, es el poder de la palabra” reiteró el entrevistado.
“Los pájaros del alba” es un grupo que surgió en el año 2000 en Cosoleacaque, Veracruz, a raíz de algunos talleres que impartieron en esa zona. “Las personas que nos enseñaron, nos heredaron esta música y nos encaminaron para que pudiéramos aprenderla”, enfatizó Sael Bernal.
Y señaló que para ellos el son jarocho ha sido un largo recorrido por las comunidades del sur de Veracruz, ya que han viajado para conocer a los músicos tradicionales y de esa forma puedan entender el son jarocho desde su historia y raíz hasta, “el modo de vivir de la gente que lo toca”
Noticia obtenida del periodico "el imparcial"
Acto seguido, Bernal Zamudio indicó que es por eso que la gente se identifica con la música tradicional, “ahora hay talleres para aprender a tocar esta música, pero la parte importante es ir a las comunidades, en los talleres aprendes una forma de tocar y el son jarocho es una música muy diversa. Si recorres las comunidades y ves a los músicos viejos te vas a dar cuenta que hay cantidad de estilos, en cuanto al baile, verso y la forma de tocar los instrumentos cambian de una región a otra”.
Zamudio platicó que la música jarocha se aprendió durante mucho tiempo de generación a generación, pero llegó el momento en que esta cadena se rompió y ahora están tratando de rescatar la música por medio de talleres y a través de un movimiento de esta música en el sur de Veracruz.
Al comentar que es un trabajo que no tiene mucho apoyo, el entrevistado dijo que lo que han impulsado ha sido por medio del tequio, “si uno hace una fiesta van a tocar todos los músicos de los pueblos cercanos sin cobrar nada y cuando ellos hacen una fiesta nosotros vamos”.
Al hablar de la música que interpretan “Los pájaros del alba”, el músico explicó que los sones jarochos tienen una gran riqueza, por ello, “si sólo se aprendiera en un taller quizá sería monótono y pobre”, pero si salen a las comunidades a conocer todos los estilos y riquezas, el género resulta interesante, ya que ellos la utilizan como un medio de expresión.
“Los sones hablan de la fauna, de las deidades, pero también la música se alimentó de las personas que viajaban de pueblo en pueblo, cantando lo que sucedía, cantando lo que pasaba en otros lugares, es una música que nos permite decir lo que pensamos o manifestar si estamos tristes o estamos contentos o inconformes, es el poder de la palabra” reiteró el entrevistado.
“Los pájaros del alba” es un grupo que surgió en el año 2000 en Cosoleacaque, Veracruz, a raíz de algunos talleres que impartieron en esa zona. “Las personas que nos enseñaron, nos heredaron esta música y nos encaminaron para que pudiéramos aprenderla”, enfatizó Sael Bernal.
Y señaló que para ellos el son jarocho ha sido un largo recorrido por las comunidades del sur de Veracruz, ya que han viajado para conocer a los músicos tradicionales y de esa forma puedan entender el son jarocho desde su historia y raíz hasta, “el modo de vivir de la gente que lo toca”
Noticia obtenida del periodico "el imparcial"
jueves, abril 09, 2009
Suenan en el Alcalá Metales con Clase
Dentro del Festival de Primavera Rodolfo Morales, se presentó el Quinteto de Metales con Clase, a través de un programa que tocó los periodos de la música clásica, popular y semiclásica.
a versatilidad de los metales se escucharon a inicio de semana en el teatro Macedonio Alcalá, los cuales llegaron con el Quinteto de Metales con Clase, a través de un programa que guió a los asistentes por los periodos de la música clásica, música popular y semiclásica, para cerrar con la tradicional.
El concierto abrió con un tema barroco de Georg Friedrich Andel: Los Reales Fuegos Artificiales, a decir de uno de los integrantes del quinteto, “está composición Händel la hizo para unos juegos pirotécnicos, el arreglo era para 40 trompetas y 70 cornos, era para una orquesta muy grande, ya que combinaban la melodía con los juegos pirotécnicos”.
Después, las notas de una pieza de Johann Sebastian Bach inundaron el teatro, "La Fuga", la cual describieron como una melodía que se repite pero en diferentes tonalidades.
Con un teatro donde reinaba el público adolescente, el "Quinteto de Metales con Clase" continuó con canciones del periodo clásico, fue cuando ejecutaron dos canciones de Mozart, primero la overtura Las Bodas de Figaro y después Rondo a la Turca. De ahí tocaron William Tell del compositor Rossin, la cual dio paso a un pequeño intermedio.
Una vez abierto el telón el quinteto interpretó La reina de la Noche, de Mozart, para depuse pasar a una pieza de música popular como fue el Vals Peruano, de Enrique Crespo; luego las sonrisas se dibujaron en el rostro de los jóvenes asistentes al escuchar las notas de ‘La Pantera Rosa’, (The Pink Panther) de Henry Mancin.
Luego el quinteto evocó a William Christopher Handy con San Luis Blues, de ahí llegó el tango La Cumparsita, de Gerardo Matos Rodríguez, que puso a los asistentes a mover los pies sin levantarse de sus lugares.
La lluvia de aplausos dio paso a la Marcha Triunfal, tema de la ópera de Aída, de Giuseppe Verdi; de ahí siguió "Lassus Trombone" de Henry Fillmore para dar fin al concierto con "That´s a Plenty" de Lew Pollack.
Los eventos del Festival Rodolfo Morales continúan hoy con "La Pasión Según San Mateo" de Johann Sebastian Bach con la Orquesta Sinfónica de Oaxaca y el viernes con el concierto del "Coro de Clarinetes".
"Noticia obtenida del periodico "el imparcial"
a versatilidad de los metales se escucharon a inicio de semana en el teatro Macedonio Alcalá, los cuales llegaron con el Quinteto de Metales con Clase, a través de un programa que guió a los asistentes por los periodos de la música clásica, música popular y semiclásica, para cerrar con la tradicional.
El concierto abrió con un tema barroco de Georg Friedrich Andel: Los Reales Fuegos Artificiales, a decir de uno de los integrantes del quinteto, “está composición Händel la hizo para unos juegos pirotécnicos, el arreglo era para 40 trompetas y 70 cornos, era para una orquesta muy grande, ya que combinaban la melodía con los juegos pirotécnicos”.
Después, las notas de una pieza de Johann Sebastian Bach inundaron el teatro, "La Fuga", la cual describieron como una melodía que se repite pero en diferentes tonalidades.
Con un teatro donde reinaba el público adolescente, el "Quinteto de Metales con Clase" continuó con canciones del periodo clásico, fue cuando ejecutaron dos canciones de Mozart, primero la overtura Las Bodas de Figaro y después Rondo a la Turca. De ahí tocaron William Tell del compositor Rossin, la cual dio paso a un pequeño intermedio.
Una vez abierto el telón el quinteto interpretó La reina de la Noche, de Mozart, para depuse pasar a una pieza de música popular como fue el Vals Peruano, de Enrique Crespo; luego las sonrisas se dibujaron en el rostro de los jóvenes asistentes al escuchar las notas de ‘La Pantera Rosa’, (The Pink Panther) de Henry Mancin.
Luego el quinteto evocó a William Christopher Handy con San Luis Blues, de ahí llegó el tango La Cumparsita, de Gerardo Matos Rodríguez, que puso a los asistentes a mover los pies sin levantarse de sus lugares.
La lluvia de aplausos dio paso a la Marcha Triunfal, tema de la ópera de Aída, de Giuseppe Verdi; de ahí siguió "Lassus Trombone" de Henry Fillmore para dar fin al concierto con "That´s a Plenty" de Lew Pollack.
Los eventos del Festival Rodolfo Morales continúan hoy con "La Pasión Según San Mateo" de Johann Sebastian Bach con la Orquesta Sinfónica de Oaxaca y el viernes con el concierto del "Coro de Clarinetes".
"Noticia obtenida del periodico "el imparcial"
lunes, marzo 09, 2009
“Nuestro origen será siempre nuestro destino”: Luengas
Al culminar el encuentro académico y artístico Instrumenta Tradición, su titular, Ignacio Toscano, dijo que Instrumenta seguirá caminando y trabajando en Oaxaca y por Oaxaca.
Noticia obtenida del periodico "el imparcial"
a Orquesta Típica de la Ciudad de Oaxaca, dobló ayer por la tarde los atriles y las partituras que durante tres intensos conciertos guiaron a los músicos, para que se remontaran al México del siglo XIX y principios del XX, época en que fueron comunes ‘Las Típicas’. “Porque nuestro origen será siempre nuestro destino”, dijo el etnomusicólogo Rubén Luengas al público que atestiguo el surgimiento de un proyecto musical que llegó de la mano de Instrumenta Tradición.
Su debut quedará marcado en la historia, formará parte de una de las páginas emblemáticas del teatro Macedonio Alcalá, donde cautivó a los presentes que vivieron la música de ‘La Típica’, a cargo del maestro César Delgado; tampoco se olvidará en esta tercera edición de Instrumenta Tradición el sonido tan peculiar que aportó el salterio en manos del Teniente Coronel Ricardo Flores, así como la mandolina a cargo de Verónica Acevedo, al himno de los oaxaqueños, ‘Dios nunca muere’, en el antiguo barrio de Santo Tomás Xochimilco.
Otros tantos oaxaqueños no faltaron a la cita de los domingos en la Alameda de León, arraigados melómanos que han visto pasar por este lugar a la Bandas de renombre, que no se han perdido el ritmo del danzón. En este lugar fueron testigos del cierre de Instrumenta Tradición, con el concierto de La Orquesta Típica de la Ciudad de Oaxaca.
En tres presentaciones, ‘La Típica’ de la ciudad de Oaxaca, logró arraigarse en el corazón de aquellos que la escucharon, llegaron y tocaron, con sonidos invadieron las almas de los presentes y se quedarán durante mucho tiempo, ya que el Director General de Instrumenta Oaxaca, Ignacio Toscano, auguró larga vida a la Orquesta Típica de la Ciudad de Oaxaca.
Durante 7 días, sonidos tradicionales inundaron los foros de la ciudad, desde el inició del programa se anunció que el Foro Tradición se dedicaría a la figura de la Orquesta Típica, se remontaron a los orígenes, historia y prospectiva, especialistas y público. Juntos descubrieron, analizaron y opinaron en torno a esta agrupación y ampliaron su panorama musical, Instrumenta Tradición cerró su tercera edición, pero sembró una semilla en los futuros formadores que impulsarán la música en las regiones de Oaxaca.
Toscano dijo que Instrumenta seguirá caminando y trabajando en Oaxaca y por Oaxaca; mencionó que ello no significa que Instrumenta sea solamente para los oaxaqueños, “en primer lugar lo es, pero también lo es para que México redescubra la música y participe en estas actividades, y vea que sí se pueden hacer muchas cosas aún con todas las realidades que estamos viviendo”.
El camino de ‘La Típica’
En cuanto a esta agrupación, en lo que resta del año tendrá nueve conciertos más, con otros programas y obras investigadas, de las cuales ya se tienen las partituras y se trabaja para llevar a ‘La Típica’ a otras partes del país.
Su debut quedará marcado en la historia, formará parte de una de las páginas emblemáticas del teatro Macedonio Alcalá, donde cautivó a los presentes que vivieron la música de ‘La Típica’, a cargo del maestro César Delgado; tampoco se olvidará en esta tercera edición de Instrumenta Tradición el sonido tan peculiar que aportó el salterio en manos del Teniente Coronel Ricardo Flores, así como la mandolina a cargo de Verónica Acevedo, al himno de los oaxaqueños, ‘Dios nunca muere’, en el antiguo barrio de Santo Tomás Xochimilco.
Otros tantos oaxaqueños no faltaron a la cita de los domingos en la Alameda de León, arraigados melómanos que han visto pasar por este lugar a la Bandas de renombre, que no se han perdido el ritmo del danzón. En este lugar fueron testigos del cierre de Instrumenta Tradición, con el concierto de La Orquesta Típica de la Ciudad de Oaxaca.
En tres presentaciones, ‘La Típica’ de la ciudad de Oaxaca, logró arraigarse en el corazón de aquellos que la escucharon, llegaron y tocaron, con sonidos invadieron las almas de los presentes y se quedarán durante mucho tiempo, ya que el Director General de Instrumenta Oaxaca, Ignacio Toscano, auguró larga vida a la Orquesta Típica de la Ciudad de Oaxaca.
Durante 7 días, sonidos tradicionales inundaron los foros de la ciudad, desde el inició del programa se anunció que el Foro Tradición se dedicaría a la figura de la Orquesta Típica, se remontaron a los orígenes, historia y prospectiva, especialistas y público. Juntos descubrieron, analizaron y opinaron en torno a esta agrupación y ampliaron su panorama musical, Instrumenta Tradición cerró su tercera edición, pero sembró una semilla en los futuros formadores que impulsarán la música en las regiones de Oaxaca.
Toscano dijo que Instrumenta seguirá caminando y trabajando en Oaxaca y por Oaxaca; mencionó que ello no significa que Instrumenta sea solamente para los oaxaqueños, “en primer lugar lo es, pero también lo es para que México redescubra la música y participe en estas actividades, y vea que sí se pueden hacer muchas cosas aún con todas las realidades que estamos viviendo”.
El camino de ‘La Típica’
En cuanto a esta agrupación, en lo que resta del año tendrá nueve conciertos más, con otros programas y obras investigadas, de las cuales ya se tienen las partituras y se trabaja para llevar a ‘La Típica’ a otras partes del país.
Noticia obtenida del periodico "el imparcial"
sábado, enero 03, 2009
Concierto de Órgano Antiguo
Esta tarde, un selecto programa será interpretado por el organista oaxaqueño Héctor Cruz Espinosa, quien estará acompañado por la virtuosa Elizabeth Castañeda Hernández.
Para dar continuidad a los conciertos que desde el año 2001 realiza en Oaxaca la Academia Mexicana de Música Antigua para Órgano (AMMAO), a través del Festival Internacional del Órgano Histórico de Oaxaca, hoy sábado, como es costumbre y totalmente gratis, a las cinco de la tarde sonará el antiguo órgano de la Basílica Menor de la Virgen de la Soledad, bajo un magistral programa a cargo de los organistas Elizabeth Castañeda Hernández y Héctor Cruz Espinosa.
El programa que esta tarde hará vibrar a quienes se den cita en la Basílica de La Soledad, incluye un exquisito repertorio conformado por la inspiración de Antonio de Cabezón (1510-1566), Juan Bautista Cabanilles (1644-1712), Heinrich Schaideman (1595-1663), Jan Peterszoon Sweelinck (1562-1621), J.S.Bach (1685-1750) y Louis N. Clérambault (1676-1749), entre otros grandes autores.
La grandeza de las piezas no podría ser tan elocuente sin el talento de una organista como Elizabeth Castañeda Hernández, quien es originaria de la Ciudad de México, lugar donde inició sus estudios en la carrera de órgano en el Conservatorio Nacional de México, bajo la tutela del Mtro. Víctor Urbán.
Actualmente, Castañeda Hernández es la organista titular de la iglesia "Príncipe de paz" de la ciudad de México, además de que ha ejecutado con éxito el órgano de la Catedral de la Cd. de México.
Por su parte, el organista oaxaqueño Héctor Cruz Espinoza, quien forma parte de la Academia Mexicana de Música Antigua para Órgano, que dirigen los maestros Gustavo Delgado Parra y Ofelia Gómez Castellanos, es egresado de la Escuela Nacional de Música de la UNAM, con el título de licenciado en piano, bajo la guía del maestro Jesús María Figueroa.
Este reconocido oaxaqueño es pianista de la Camerata de Naucalpan, del Coro de madrigalistas de Bellas Artes del INBA, bajo la dirección de la Mtra. Digna Guerra y director de la orquesta de cámara y ensamble vocal "Colegium musicum de la Cd. de México”.
Entre su experiencia musical, Héctor Cruz ha tomado cursos de piano con Jorge Luis Prats, Frank Fernández, Manuel de la Flor e István Nádas. Se ha presentado en las salas más importantes de la Ciudad de México con diferentes ensambles de música de cámara y con reconocidos cantantes.
Dentro de la trayectoria de este músico, es destacable decir que en octubre del 2000 fue invitado por el Coro Infantil del Colegio Alemán a la Expo-Hanover; además de realizar una gira presentándose en Hamburgo y Berlín. Fue en el año 2001, cuando participara en la producción discográfica (Ecos), grabando dos obras para la sociedad de compositores de México como pianista invitado del trío Scherzando.
Su experiencia ha quedado evidenciada en diferentes festivales de Clarinete y colaborado como pianista acompañante en la Escuela Nacional de Música de la UNAM, el Conservatorio Nacional de Música y en el Centro Cultural "Ollin Yoliztly", así como con diferentes agrupaciones corales, como el coro de la Escuela Nacional de Música de la UNAM, entre otros.El programa que esta tarde hará vibrar a quienes se den cita en la Basílica de La Soledad, incluye un exquisito repertorio conformado por la inspiración de Antonio de Cabezón (1510-1566), Juan Bautista Cabanilles (1644-1712), Heinrich Schaideman (1595-1663), Jan Peterszoon Sweelinck (1562-1621), J.S.Bach (1685-1750) y Louis N. Clérambault (1676-1749), entre otros grandes autores.
La grandeza de las piezas no podría ser tan elocuente sin el talento de una organista como Elizabeth Castañeda Hernández, quien es originaria de la Ciudad de México, lugar donde inició sus estudios en la carrera de órgano en el Conservatorio Nacional de México, bajo la tutela del Mtro. Víctor Urbán.
Actualmente, Castañeda Hernández es la organista titular de la iglesia "Príncipe de paz" de la ciudad de México, además de que ha ejecutado con éxito el órgano de la Catedral de la Cd. de México.
Por su parte, el organista oaxaqueño Héctor Cruz Espinoza, quien forma parte de la Academia Mexicana de Música Antigua para Órgano, que dirigen los maestros Gustavo Delgado Parra y Ofelia Gómez Castellanos, es egresado de la Escuela Nacional de Música de la UNAM, con el título de licenciado en piano, bajo la guía del maestro Jesús María Figueroa.
Este reconocido oaxaqueño es pianista de la Camerata de Naucalpan, del Coro de madrigalistas de Bellas Artes del INBA, bajo la dirección de la Mtra. Digna Guerra y director de la orquesta de cámara y ensamble vocal "Colegium musicum de la Cd. de México”.
Entre su experiencia musical, Héctor Cruz ha tomado cursos de piano con Jorge Luis Prats, Frank Fernández, Manuel de la Flor e István Nádas. Se ha presentado en las salas más importantes de la Ciudad de México con diferentes ensambles de música de cámara y con reconocidos cantantes.
Dentro de la trayectoria de este músico, es destacable decir que en octubre del 2000 fue invitado por el Coro Infantil del Colegio Alemán a la Expo-Hanover; además de realizar una gira presentándose en Hamburgo y Berlín. Fue en el año 2001, cuando participara en la producción discográfica (Ecos), grabando dos obras para la sociedad de compositores de México como pianista invitado del trío Scherzando.
noticia obtenida del periodico "el imparcial"
lunes, diciembre 22, 2008
Magno recital de violín y piano en Santo Domingo
En las instalaciones del Centro Cultural Santo Domingo, el violinista Osvaldo Urbieta Méndez y el pianista Gonzalo Gutiérrez ofrecieron un cálido concierto.
El violinista Osvaldo Urbieta Méndez y el pianista Gonzalo Gutiérrez, cobijaron con las notas de grandes piezas de música clásica, a todo al público que la noche del pasado viernes se dio cita en las instalaciones del Centro Cultural Santo Domingo, lugar en el que la dupla de músicos ofrecieron un cálido concierto.
Teniendo como testigos los antiguos muros de este convento, los dos artistas deleitaron la noche al compás de la “Sonata Nº 1 en Sol menos BWV 1001 para violón de Johann Sebastián Bach (1685 1750), esta pieza fue interpretada por Urbieta Méndez, quien inició sus estudios musicales a la edad de 7 años y que en el 2000 fue acreedor del premio “Hermilo Novelo” en el cuarto Concurso Internacional “Henrik Szeryng” otorgado al mejor interprete.
Posteriormente, al escenario de este Centro Cultural llegó el pianista Gonzalo Gutiérrez, quien con los sutiles golpes a las teclas de su oscuro plano, acompañó a su colega violinista para interpretar la sonora Nº 9 en La Menor Op. 47 para violín y piano “Kreutzer”, en tres tiempos, de Ludwing van Beethoven (1770 – 1827)
Entre aplausos del público, el dueto se dio tiempo para preparar las piezas que interpretarían después del breve intermedio musical, luego regresarían con la Introducción y Rondo Caprichoso O.p. 28 de Camille Sanit Saens (1835 – 1921). Posteriormente, a través del antiguo edificio viajaron las notas de la pieza “Melodía” de Pyort I. Tchaikovsky (1840 – 1893), ruso de quien se ha escrito que su música es de carácter cosmopolita en lo que respecta a las influencias –entre ellas y en un lugar preponderante la del sinfonismo alemán–, aunque no carente de elementos rusos, es ante todo profundamente expresiva y personal, reveladora la personalidad del autor, compleja y atormentada.
Este concierto presentado por “Chiaa scarú”, a través del Sindicato Universitario de Maestros, en colaboración con la Universidad autónoma “Benito Juárez de” de Oaxaca, llegó a su fin con la interpretación de Polonesa de Concierto en Re Mayor Nº 1 Op. 4 de Henry Wieniawski 81835 – 1880).
noticia obtenida del periodico el imparcial.
Teniendo como testigos los antiguos muros de este convento, los dos artistas deleitaron la noche al compás de la “Sonata Nº 1 en Sol menos BWV 1001 para violón de Johann Sebastián Bach (1685 1750), esta pieza fue interpretada por Urbieta Méndez, quien inició sus estudios musicales a la edad de 7 años y que en el 2000 fue acreedor del premio “Hermilo Novelo” en el cuarto Concurso Internacional “Henrik Szeryng” otorgado al mejor interprete.
Posteriormente, al escenario de este Centro Cultural llegó el pianista Gonzalo Gutiérrez, quien con los sutiles golpes a las teclas de su oscuro plano, acompañó a su colega violinista para interpretar la sonora Nº 9 en La Menor Op. 47 para violín y piano “Kreutzer”, en tres tiempos, de Ludwing van Beethoven (1770 – 1827)
Entre aplausos del público, el dueto se dio tiempo para preparar las piezas que interpretarían después del breve intermedio musical, luego regresarían con la Introducción y Rondo Caprichoso O.p. 28 de Camille Sanit Saens (1835 – 1921). Posteriormente, a través del antiguo edificio viajaron las notas de la pieza “Melodía” de Pyort I. Tchaikovsky (1840 – 1893), ruso de quien se ha escrito que su música es de carácter cosmopolita en lo que respecta a las influencias –entre ellas y en un lugar preponderante la del sinfonismo alemán–, aunque no carente de elementos rusos, es ante todo profundamente expresiva y personal, reveladora la personalidad del autor, compleja y atormentada.
Este concierto presentado por “Chiaa scarú”, a través del Sindicato Universitario de Maestros, en colaboración con la Universidad autónoma “Benito Juárez de” de Oaxaca, llegó a su fin con la interpretación de Polonesa de Concierto en Re Mayor Nº 1 Op. 4 de Henry Wieniawski 81835 – 1880).
noticia obtenida del periodico el imparcial.
lunes, noviembre 24, 2008
Piden a músicos oaxaqueños crear música para marimba
Los delicados golpes que el solista realizaba para liberar los sonidos de la marimba, hicieron de esta noche una lluvia musical en la que se interpretó “Volando hacia el sur”, entre otros temas
Tras exhortar a los compositores oaxaqueños a componer piezas para marimba, tomando como referencia la composición de Víctor Rasgado, que se estrenó a nivel mundial este fin de semana, Javier Nandayapa se presentó en el escenario del teatro Macedonio Alcalá para ofrecer un concierto de música contemporánea mexicana, creada para este antiguo instrumento.
Ante el austero público reunido en la sala de este monumental teatro, la noche del pasado viernes, el músico solista ofreció un concierto caracterizado por incluir en el repertorio piezas contemporáneas, arreglos y un estreno mundial.
Realizado en el marco del Festival de Otoño “Eduardo Mata”, Nandayapa apareció cubierto por las sutiles luces que los reflectores proyectaban, así comenzó este encuentro musical con la interpretación de la pieza “Nandayapa” (Arroyo verde), que el compositor mexicano Jorge Córdoba creó especialmente para él.
Los delicados golpes que el solista realizaba para liberar los sonidos de la marimba, hicieron de esta noche una lluvia musical en la que se interpretó “Volando hacia el sur” del compositor Jesús Martínez y “Las Sandungas”, una muestra de tema y variaciones para marimba de concierto y vibráfono que el compositor Ricardo Martín realizó para Nandayapa.
Tras culminar esta pieza, en el escenario apareció la percusionista Mirna Yan, quien interpretó, de manera solitaria,“Tamborilero” de Luis Trejo e “Invocación”, una pieza para percusiones que reflejan los cuatro elementos de la vida: el fuego del dios Huehuetéotl, el agua de Tlaloc, la tierra de Xochipilli y el viento de Ehécatl.
Formando un dueto de percusiones, Nandayapa y Yan hicieron sonar “Chaparimba”, “Como Luz de Noviembre” y el estreno mundial de “Marimbulaciones”, pieza para marimba de conciertos que el compositor oaxaqueño, Víctor Rasgado, creó.
Al culminar esta pieza, el solista quien también se ha presentado en diferentes foros de Estados Unidos, España, Argentina, Libao, Guatemala, entre otros; se dirigió al público para hacerles saber que al igual que Rasgado, los nuevos compositores deberían de empezar a crear música contemporánea para marimba; sin embargo, reconoció que ésto llega a ser imposible porque el público está acostumbrado, a través de la marimba, a sólo escuchar música tradicional.
Finalmente, parea concluir su presentación en este festival, interpretó un arreglo que el mismo hizo del “Fandango teco”, al igual que un popurrí sonoro en el cual interpretó algunas de las piezas más representativas de las regiones de Oaxaca.
“La marimba siempre ha sido un ensamble muy tradicional, las piezas que en ellas se interpretan están arraigadas a las tradiciones, por tal motivo, son pocas las piezas que existen para los solistas de este instrumento; aunque en otros países, la marimba de conciertos es muy popular, en México apenas se comienza insertar este instrumento en las presentaciones clásicas contemporáneas" comento el musico.
Noticia obtenida del periodico "el Imparcial".
Ante el austero público reunido en la sala de este monumental teatro, la noche del pasado viernes, el músico solista ofreció un concierto caracterizado por incluir en el repertorio piezas contemporáneas, arreglos y un estreno mundial.
Realizado en el marco del Festival de Otoño “Eduardo Mata”, Nandayapa apareció cubierto por las sutiles luces que los reflectores proyectaban, así comenzó este encuentro musical con la interpretación de la pieza “Nandayapa” (Arroyo verde), que el compositor mexicano Jorge Córdoba creó especialmente para él.
Los delicados golpes que el solista realizaba para liberar los sonidos de la marimba, hicieron de esta noche una lluvia musical en la que se interpretó “Volando hacia el sur” del compositor Jesús Martínez y “Las Sandungas”, una muestra de tema y variaciones para marimba de concierto y vibráfono que el compositor Ricardo Martín realizó para Nandayapa.
Tras culminar esta pieza, en el escenario apareció la percusionista Mirna Yan, quien interpretó, de manera solitaria,“Tamborilero” de Luis Trejo e “Invocación”, una pieza para percusiones que reflejan los cuatro elementos de la vida: el fuego del dios Huehuetéotl, el agua de Tlaloc, la tierra de Xochipilli y el viento de Ehécatl.
Formando un dueto de percusiones, Nandayapa y Yan hicieron sonar “Chaparimba”, “Como Luz de Noviembre” y el estreno mundial de “Marimbulaciones”, pieza para marimba de conciertos que el compositor oaxaqueño, Víctor Rasgado, creó.
Al culminar esta pieza, el solista quien también se ha presentado en diferentes foros de Estados Unidos, España, Argentina, Libao, Guatemala, entre otros; se dirigió al público para hacerles saber que al igual que Rasgado, los nuevos compositores deberían de empezar a crear música contemporánea para marimba; sin embargo, reconoció que ésto llega a ser imposible porque el público está acostumbrado, a través de la marimba, a sólo escuchar música tradicional.
Finalmente, parea concluir su presentación en este festival, interpretó un arreglo que el mismo hizo del “Fandango teco”, al igual que un popurrí sonoro en el cual interpretó algunas de las piezas más representativas de las regiones de Oaxaca.
“La marimba siempre ha sido un ensamble muy tradicional, las piezas que en ellas se interpretan están arraigadas a las tradiciones, por tal motivo, son pocas las piezas que existen para los solistas de este instrumento; aunque en otros países, la marimba de conciertos es muy popular, en México apenas se comienza insertar este instrumento en las presentaciones clásicas contemporáneas" comento el musico.
Noticia obtenida del periodico "el Imparcial".
martes, noviembre 18, 2008
Dudamel rinde tributo a Bernstein en el Carnegie Hall
“Uno de los mejores, si no el mejor. Y es una inspiración para mí. Era un hombre mágico... me encanta interpretar su música”.
Gustavo Dudamel rindió tributo a Leonard Benstein el domingo en el Carnegie Hall de Nueva York, al dirigir a la Orquesta Filarmónica de Israel en un espectáculo que terminó con una ovación de pie.
Dudamel dijo que lamenta no haber conocido a Bernstein. ``Eso me entristece porque era una personalidad muy especial'', dijo el maestro venezolano en entrevista con The Associated Press. ``Uno de los mejores, si no el mejor. Y es una inspiración para mí. Era un hombre mágico... me encanta interpretar su música.
El concierto comenzó con una cautivante ejecución de ``Halil'', un concierto para flauta que Bernstein compuso en 1981 en memoria de un flautista israelí muerto en la guerra de 1973. Con su mezcla de disonancia y tonalismo, de pasajes violentos alternando con otros más serenos, la música describe los horrores de la guerra y el anhelo de paz. Eyal Ein-Habar ejecutó la difícil y casi ininterrumpida parte solista con destreza técnica y gran sensibilidad.
A ésta siguió ``Jubilee Games'', compuesta por Bernstein hace 22 años para la Filarmónica de Israel, que dirigió en muchas ocasiones.
Fue una partitura ideal para Dudamel, que revolvió la olla de cacofonía caótica haciendo piruetas y agitando su cabellera ensortijada sobre el podio. Bailó durante los tramos jazzísticos y demostró la introspección de un rabino durante las partes más serenas.
El concierto terminó con la Cuarta Sinfonía de Chaicovski. Dudamel condujo esta pieza estándar del repertorio con nervio y garra, blandiendo la batuta como si fuera la espada de un matador. En algunos tramos la ocultó, para dirigir con la cabeza y los hombros. Sus pasos de baile sometieron al toro.
Tras la conclusión, la audiencia, encantada, se paró al unísono, rugiendo de place. En sus tres salidas, Dudamel invitó a los músicos israelíes a que recibieran sus merecidos aplausos, pero éstos los dirigieron al maestro.
Hubo dos bises: el intermezzo de ``Manon Lescaut'' de Puccini y la popular pieza latina ``Tico Tico''.
Para la música clásica, el Carnegie Hall fue el mejor de los mundos posibles este fin de semana.
Noticia obtenida del Diario Milenio.com
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